Художник КОНСТАНТИН ПОЛЯКОВ. Выставка СЧАСТЛИВЫЙ БИЛЕТ В ГОРОД СОЛНЦА. Художественно-исторический проект в ВОЛЖСКОМ МУЗЕЙНО-ВЫСТАВОЧНОМ КОМПЛЕКСЕ

Афиша выставки  Константина Полякова Счастливый билет в город солнца. АРТ-Релиз.РФ

Эта выставка художника Константина Геннадьевича Полякова представляет собрание лучших произведений мастера акварели, посвященных его родному городу Волжский. Она откроется на Родине художника 17 июня в день рождения города и продлится до 20 сентября. Акварели Константина Полякова отражают красоту природы и архитектуры, но в них есть нечто большее, чем просто восхищение красотой края, это — интерес к истории, к своим истокам, корням, любовь и ностальгия, признание и благодарность прошлому, размышления о жизни. Интересная получилась экспозиция, к открытию которой был издан буклет с лучшими акварелями, но главное — с архивными фотографиями и сопроводительными текстами, благодаря которым зритель узнает об истории места и может присоединиться сердцем к восхищению автора. На сайте творчества Константина Полякова можно узнать подробнее о его художественно-историческом проекте.

Афиша выставки  Константина Полякова Счастливый билет в город солнца...АРТ-Релиз.РФ

Волжский музейно-выставочный комплекс
Волжский историко-краеведческий музей
Представляют художественно-исторический проект
ПОЛЯКОВА КОНСТАНТИНА ГЕННАДЬЕВИЧА
«СЧАСТЛИВЫЙ БИЛЕТ В ГОРОД СОЛНЦА»
Посвященный дню рождения города
С 17 июня до 20 сентября 2026 года

Художник  Константин Поляков автор художественно-исторического проекта, посвященного  городу Волжский

Художник
Константин Поляков
автор художественно-исторического проекта, посвященного
городу Волжский

Константин Поляков, художник:

Художественно-исторический проект «СЧАСТЛИВЫЙ БИЛЕТ В ГОРОД СОЛНЦА» — моя многолетняя художественная работа.
Я родился в городе Волжский 1959 году, до 1969 года жил в «Старом городе», сначала на улице XIX Партсъезда 8, а затем на улице Чайковского 15. Для меня это было самое замечательное время.
Я давно хотел рассказать о любимом юном городе Волжский моим друзьям и всем горожанам. Получился автобиографический художественный проект, сочетающий акварельные картины и текстовые воспоминания.
В детстве окружающий мир казался бескрайним и более позитивным, чем в зрелом возрасте, но это не мешает сегодня объективно оценивать давно ушедшее время.
Детское восприятие города Волжский, как единого огромного и безопасного пространства, где мир квартиры, двора и города были частью большого мира осталось в моих воспоминаниях.
Город постоянно рос, развивался и в его архитектуре отразилась вся архитектурная история большой страны. Последовавшее внедрение индустриальных подходов в строительстве, удешевление и сокращение сроков строительства было требованием времени. Но в борьбе с «архитектурными излишествами» произошла важная подмена конечных целей, потерялось то, что для полноценной жизни необходима удобная городская среда, нужны места для отдыха и общения жителей города.
Экономичные квартиры с низкими потолками — это половина беды, основная беда в том, что квартиры стали строиться в одинаковых домах, упакованных в одинаковые микрорайоны похожие не на жилую среду, а на коробки временного содержания людей – как инструментов для обслуживания предприятий.
В рецензии о проекте «СЧАСТЛИВЫЙ БИЛЕТ В ГОРОД СОЛНЦА» написанной
Заслуженным архитектором РФ Риммой
Петровной Алдониной, прозвучала очень важная мысль:
«ВСЕ ЭТИ ПАРКИ, ФОНТАНЫ. АЛЛЕИ И СПУСКИ СОВСЕМ НЕ ИЗЛИШЕСТВА, А СРЕДА ОБЩЕНИЯ, КОТОРОЙ ТАК НЕ ХВАТАЕТ В СОВРЕМЕННОМ МИРЕ!
ВАМ ПОВЕЗЛО, ЧТО ВЫ ВЫРОСЛИ В ЭТОЙ КРАСОТЕ».
Свой художественный проект я посвящаю всем Первостроителям города – мечтателям и романтикам, успешно воплотившим первоначальный великолепный архитектурный замысел и построившим свой город для счастливой жизни.
Хотелось бы, чтобы нынешние жители города Волжский понимали и помнили, что
ПЕРВЫЕ СТРОЕНИЯ ВОЛЖСКОГО,
ГАРМОНИЧНАЯ ГОРОДСКАЯ СРЕДА «СТАРОГО ГОРОДА»
— ЭТО ОГРОМНАЯ ИСТОРИЧЕСКАЯ
И КУЛЬТУРНАЯ ЦЕННОСТЬ,
ТРЕБУЮЩАЯ БЕРЕЖНОГО СОХРАНЕНИЯ.
Мой художественный проект не закончен и будет продолжаться новыми акварелями, а выставка — это сегодняшний этап.

Работа выставки  Константина Полякова Счастливый билет в город солнца. ..   АРТ-Релиз.РФ
Об авторе:
Константин Поляков
Художник график.
Родился в 1959 году в городе Волжский, Волгоградской области.
С 1981 года живёт в Москве.
Образование: Детская художественная школа, Преподаватели Филимонов Виктор Павлович и Стекольников Евгений Григорьевич.
Изостудия ДК ВГС, руководитель Подчайнов Сергей Тихонович.
Астраханское художественное училище. 1976-1980 г. Преподаватель Заварин Николай Васильевич.
МВХПУ (Строгановское). 1983-1988 г. Преподаватели: Врубель Анатолий Васильевич, Мельникова Натта Владимировна, Соловьёв Николай Кириллович, Стасюк Александр Николаевич.
В 1995 году разработал авторский уникальный вариант Акварельной монотипии на впитывающем краску материале.
Член Московского Союза художников с 1996 года.
Провёл более тридцати персональных выставок и более сорока кураторских проектов.
Работает в техниках акварель и акварельная монотипия.
Награждён Дипломом Российской Академии Художеств РАХ за серию графических работ «Солнечная страна Бхарат» и Благодарностью Министра Культуры РФ.


Работа выставки  Константина Полякова Счастливый билет в город солнца    . .. АРТ-Релиз.РФ

Работа выставки  Константина Полякова Счастливый билет в город солнца    ..  АРТ-Релиз.РФ

Работа выставки  Константина Полякова Счастливый билет в город солнца     .. АРТ-Релиз.РФ

Работа выставки  Константина Полякова Счастливый билет в город солнца        АРТ-Релиз.РФ

Работа выставки  Константина Полякова Счастливый билет в город солнца.   АРТ-Релиз.РФ

БЕАТРИСА САНДОМИРСКАЯ (1894 — 1974). ИЗВЛЕЧЕНИЕ ИЗ ЗАБВЕНИЯ: АРХИТЕКТОНИКА И ПЛАСТИЧЕСКИЙ МОДЕРНИЗМ. Выставка в ГМИИ. Публикация от эксперта ЕЛЕНЫ БАХАЕВОЙ

Беатриса Сандомирская  экспозиция

Беатриса Сандомирская
экспозиция
фото: Елена Бахаева

Персональная экспозиция Беатрисы Сандомирской (1894–1974) в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков ГМИИ им. А. С. Пушкина знаменует собой радикальный пересмотр устоявшегося советского скульптурного канона. На протяжении десятилетий массовое сознание ассоциировало отечественную пластику первой трети XX века с монументальным академизмом Веры Мухиной или символистским психологизмом Анны Голубкиной. Выставка Сандомирской — это первая за 60 лет масштабная ретроспектива, которая не просто открывает широкой публике имя мастера первого ряда, но и демонтирует прежние иерархии, возвращая в научный оборот самобытную, европеизированную версию модернизма.
Пластический метод Сандомирской манифестирует абсолютный отказ от традиционной академической лепки и последующего тиражирования в бронзе. Как истинный ваятель, она практиковала прямое высекание (taille directe), работая с деревом широкими, экспрессивными ударами. Её излюбленный материал подчинён строгой архаизирующей тектонике, где природная фактура пня или ствола не маскируется, а концептуально выявляется, становясь визуальным продолжением пространственного объема.
Стилистическая эволюция художницы неразрывно связана с глобальными художественными процессами эпохи. Будучи ученицей Сергея Конёнкова и соратницей Казимира Малевича по Оренбургским Государственным свободным художественным мастерским, Сандомирская синтезировала национальную деревянную резьбу с радикальными пространственными экспериментами. Если Конёнков двигался в сторону сказочно-мифологической органики, то Сандомирская осуществила жёсткий кубофутуристический синтез. В её знаковых произведениях, таких как «Голова в железе» (1924), объёмы деформируются по законам стереометрии, а тактильная полихромия крашеного дерева усиливается за счёт инкрустации инородных материалов — листовой меди, железа и обнажённой тектоники гвоздей.
Эта погружённость в мировой контекст делает её фигуру глубоко европеизированной. В эпоху Пабло Пикассо, Анри Матисса и Амедео Модильяни в Париже господствовала мода на туземное искусство “art tribal” — так называемый «негритянский период» кубизма, переосмыслявший ритуальную пластику субсахарской Африки.
Сандомирская, не выезжая из России, двигалась в том же векторе. Её увлечение примитивизмом и восточной доктриной в период организации мастерских в Туркестане — это не декоративная стилизация, а глубокая пластическая редукция, доводящая форму до знака, до первобытного архетипа. Ростовая композиция «Материнство. Чернозем» (1929) наглядно демонстрирует этот идолообразный, монументальный лапидаризм, созвучный поискам Константина Бранкузи и Ханы Орловой.
Таким образом, выставка в Пушкинском музее окончательно выводит Беатрису Сандомирскую из статуса «забытой амазонки авангарда», утверждая её в качестве равноправного столпа модернистской скульптуры ХХ столетия, чья пространственно-пластическая автономия опередила своё время.

искусствовед, эксперт Елена Бахаева

Художник АЛЕКСЕЙ ДЬЯЧКОВ. Выставка СВЯЗУЮЩАЯ НИТЬ. С 23 июня до 4 июля 2026 года. Адрес: МОСКВА, КУЗНЕЦКИЙ МОСТ, дом 20

Афиша выставки  Алексея Дьячкова Арт-Релиз.РФ

О ВЫСТАВКЕ «СВЯЗУЮЩАЯ НИТЬ»

«В человеческом сознании пересекаются две вселенские бесконечности, рождая образы и смыслы Единого. Что такое Единое и возможен ли контакт с ним?
Мы постигаем Единое через творящую силу воображения.
Единое непостижимо — оно везде и нигде, поэтому оно доступно искусству только в СИМВОЛИЧЕСКОМ отображении».
Алексей Дьячков

Художник  Алексей Дьячков

Художник
Алексей Дьячков

Все всегда начинается с одного символа, со знака, понять который можно только путем бесконечных толкований самого знака. Художник Алексей Дьячков жил, творил, дарил, восхищал, возмущал, просвещал… И сам стал символом, знаком, с которого все началось…
Его картины нельзя разглядывать и задаваться вопросом, что хотел сказать художник. Его картины каждый понимает по-своему, они сакральны, т.к. любой увидит в них только те знаки, которые положены именно ему, тому, кто сейчас стоит перед полотнами Дьячкова.
Да, он ушел в ту самую двойную бесконечность и оставил нам трансперсональный символизм.

Художник  Алексей Дьячков

Художник
Алексей Дьячков

Символ — это знак, значение которого проявляется только путем бесконечных толкований самого знака. Мы, люди, с момента появления у нас первой мысли живем в мире символов: намёков, таинственных и загадочных образов, недосказанности… Мы видим символы, мы принимаем их и пытаемся интерпретировать, примеряя на себя их значение.
Художник Алексей Дьячков шагнул дальше, он пересек ту черту, за которой заканчивается просто «символизм» и начинается «трансперсональный», заставляющий человека выталкивать свое сознание за границы привычного «Я». Те, кто внимательно смотрит на его работы, видят знак, видят символ, принимают или не принимают их, но в любом случае открывают в себе что-то доселе неизведанное, что-то трансперсональное, «выходящее за границы отдельного человека или индивидуальной души».

Ваше творчество называют трансперсональным символизмом. Почему вас заинтересовал символизм?
Это мироощущение. Одни пишут природу, другие — животных.
А направление, в котором работаю я, ищет ТАЙНУ МИРА через символы. Мне в жизни повезло.
Алесей Дьячков

Художник  Алексей Дьячков

Художник
Алексей Дьячков

Дьячков Алексей Николаевич (1950–2020)
Родился 18 июля 1950 года в Москве.
В 1976 году закончил Московское государственное академическое художественное училище памяти 1905 года.
Член Московского союза художников (МСХ).
Работы находятся в музеях и частных коллекциях России, Австрии, Германии, Голландии, Финляндии, Франции, Чехии, США.
Зачинатель (1978 г.) творческого направления в живописи «Трансперсональный символизм».

ПРОГРАММА ВЫСТАВКИ
«СВЯЗУЮЩАЯ НИТЬ»

23 июня — 4 июля 2026 года

24 июня, 18:30
ОТКРЫТИЕ ВЫСТАВКИ.
Презентация книги АЛЕКСЕЯ ДЬЯЧКОВА
«ШТРИХИ К ПОРТРЕТУ»

30/31 июня, 18:30
Лекция
КОШАЕВ В.Б., доктор искусствоведения, профессор МГУ
ПАМЯТЬ-ГНОЗИС В ЖИВОМ ПРОСТРАНСТВЕ
В МИРОСОЗЕРЦАНИИ

3 июля, 17:00
ЗАКРЫТИЕ ВЫСТАВКИ
Круглый стол — 26, 29, 30, 31 июня, 1, 2 июля, 18:30
Тема
СИМВОЛИЗМ В ИСКУССТВЕ.
ТРАНСПЕРСОНАЛЬНЫЙ СИМВОЛИЗМ

Контактная информация:
Дьячкова Татьяна +7 916 017-2083
Выставочный зал +7 (495) 621-00-21
Адрес: Кузнецкий мост, дом 20, 2-й этаж (Московский союз художников (МСХ)
Проезд: метро Кузнецкий мост, Лубянка

Художник  Алексей Дьячков

Художник
Алексей Дьячков

Об Алексее Дьячкове

Когда живописец теряет возможность писать на пленэре, он уходит в космос собственного сознания. Дьячков не просто ушёл — он стал зачинателем направления «Трансперсональный символизм». Сложное слово, за которым стоит простая и шокирующая правда: Алексей смотрел туда, куда обычному человеку заглянуть страшно — в коллективное бессознательное, в архетипы, в ту область души, где сны переплетаются с явью, а личная трагедия становится частью мировой истории.

В его работах нет наивной иллюстративности. Символ у него — это не ребус. Это знак, который раскрывается бесконечно, как матрёшка смыслов. Каждый зритель, стоя перед холстом Дьячкова, встречается с собой — со своей утратой и со своей надеждой.

Оксана Бурлука
издатель, член Союза журналистов Москвы

Художник  Алексей Дьячков

Художник
Алексей Дьячков

Алексей Дьячков. И его картины, и его тексты — это вопрошание и раскрытие того, что его переполняло с детства. И по сути, он не открывал себя, а оформлял себя в себе. Он был «философом-художником», «произведения которого превзойдены суждением» по Леонардо.

В живописи Алексей Дьячков коснулся фундаментальной темы отношений философии гностической живописи и философии канонического искусства. Он весьма изыскано продемонстрировал, как фигуры знаков-изображений, восходящих очевидно к общему источнику, где мандала и тантра индуизма и буддизма с одной стороны и описание Библейских преданий с другой, рассказывают о Начале сотворенного Мира — Райском саде.

Владимир Кошаев
д-р искусствоведения, проф. факультета искусств МГУ имени М.В. Ломоносова, проф. кафедры истории и теории декоративного искусства и дизайна РГХПУ им. С.Г. Строганова

***

Тайна недосказанности — одно из основополагающих качеств работ Дьячкова.
Дьячков отвечает на потребность в чудесном. Он создал нечто целиком для него новое — поэзию на холсте.

Искусство неотделимо от поисков Истины. Искусство Дьячкова в целом — это и есть поиск истины.

Дьячков в своем творчестве отказывался от прямой связи с какой-либо традицией, западной или восточной: он использовал широкий ряд разнообразных символов.

Григорий Климовицкий, искусствовед

***

В нашей антропологической ситуации искусство Алексея Дьячкова открылось энергии древних и вечных символов, духовной проблематике старинных традиций Европы, Ближнего и Дальнего Востока.

Художественными средствами он воссоздал в своих картинах энергетические пространства, удалённые от всего земного, вплотную подступив к визуально-созерцательному общению с глубинным Я человека.

Илья Семененко-Басин,
российский историк и поэт, д-р исторических наук, профессор

***

Раскрывая понятие «трансперсональный символизм», можно сказать, что это изображение «путешествия» в глубинах реальности за пределами чисто биографического опыта — путешествия, наполненного знаками и символами архетипической распаковки.

А. Дьячков, если исходить из его творчества, не просто доверяет символам, но глубоко чувствует их.

Жанна Дрогалина-Налимова, писатель

***

Способ взаимодействия с мирозданием определил своеобразие творчества Алексея Дьячкова, особенности его художественного стиля и название направления, с которым он связал свое искусство.

Шутливо именуя себя «художником Атлантиды», Алексей, вероятно, имел в виду пространственно-временные континуумы, ушедшие за границу нашего восприятия: в прошлое, в глубину, в бессознательное, но продолжающие обозначать в мире современной культуры иное, вечное и притягательное.

Александр Котылев,
Канд. культурологических наук

***

Первым сильным переживанием при восприятии картин Алексея является осознание высокой степени насыщенности и полноты визуального и сильного его контраста как с повседневным зрительным фоном, так и с традиционной классической живописью. Мы ощущаем как бы скачок плотности содержания визуального в картинах художника.

Искусство Алексея Дьячкова — сильный пример бытия картины в модусе «больше себя самоё», когда она становятся больше, чем только расписанная красками бумага или холст.

Илья Вольнов
канд. технических наук,
почетный работник сферы образования РФ

Афиша выставки  Алексея Дьячкова. Арт-Релиз.РФ

МОСКОВСКАЯ МУЗЕЙНАЯ НЕДЕЛЯ продлится до 19 июня 2026 года

Акция «Московская музейная неделя» продлится до 19 июня.

В определенный день недели вы сможете бесплатно посетить несколько культурных площадок. Для этого нужно оформить билет в сервисе «Мосбилет». Там же можно узнать обо всех локациях, которые принимают в эти дни гостей и зарегистрироваться для посещения.

Московская музейная неделя, 2026

Каким должен быть офис по мнению архитекторов? Форум-выставка БИЗНЕС И ДИЗАЙН. ДИАЛОГ. МОСКВА, 2026

Дизайн форум диалог  Москва 2026

Каким должен быть офис по мнению архитекторов, чтобы стать настоящим магнитом?
В Москве подвели итоги XVII форума-выставки «Бизнес и Дизайн. Диалог. Москва, 2026» – главного события офисной индустрии и крупнейшего российского форума в сфере дизайна, технологий и менеджмента офисных и корпоративных пространств.
Одной из центральных составляющих мероприятия из года в год становится выставка Тренд Зоны / Trend Rooms, где архитекторы, строители, поставщики и производители интерьерных решений представляют свое концептуальное видение офисных трендов в формате оригинальных инсталляций.
Темой 2026 стали «Новые офисные “магниты”»: организаторы предложили архитектурным студиям порассуждать, почему людям может нравиться приходить в офис, даже когда работать можно откуда угодно? Есть ли в офисе точки притяжения – такие же магниты, как у туристов в разных странах и городах?
Свое видение на заявленную тему представили десять архбюро: АРХИСТРА, Syntaxis, ABD architects, ABOVE, Asadov, ’nefa’architects’, UNK design, BOHAN studio совместно с ДКС, ADRD совместно с Совкомбанком и RED2SPACE совместно с Северсталью.
В завершающий день форума определились самые яркие и впечатляющие стенды, которые выбирало как экспертное жюри, так и гости выставки.
Приз зрительских симпатий получило архитектурное бюро АРХИСТРА за инсталляцию OASIS – как пространственный ответ на тотальную цифровизацию. По мнению авторов, в современных офисах жизненно необходимы зоны для паузы и перезагрузки – и такие оазисы должны рассматриваться не как опция, а как неотъемлемая часть среды.
Концепция стенда базируется на трех простых приемах. Первый – цвет: светлая палитра, в основе которой лежит воздушный белый Cloud Dancer – почти тактильный символ тишины, в сочетании с мягким рассеянным светом создает ощущение покоя и безмятежности. Второй – живые растения: они регулируют влажность, приглушают лишние звуки и работают как полноценный элемент интерьера. Третий – зеркало, раздвигающее границы пространства, и мультимедийный экран, добавляющий движение: вместе они рождают иллюзию оазиса, который кажется больше, чем есть на самом деле.
Победителем в номинации «Лучший креатив» экспертное жюри признало стенд «Коллеги круглого стола», реализованный архитектурным бюро BOHAN studio в коллаборации со своим постоянным партнером, производственной компанией ДКС.
Главным офисным «магнитом» архитекторы видят создание комфортной среды для нетворкинга и взаимодействия. Обыграть эту идею они решили в виде круглого стола короля Артура. Архетипический образ переложили на современное офисное пространство, а главной изюминкой стал центральный элемент в виде связанных друг с другом «мониторов» с зеркальными инсталляциями – как отражение сложившейся в последние годы тенденции: каждый день мы приходим в офис, садимся за рабочий стол с коллегами, но смотрим в экраны и гаджеты, общаемся через них, даже находясь в одном пространстве. Но глядя в экран, каждый видит что-то свое – и создатели стенда предложили каждому посетителю убедиться в этом, заглянув внутрь этого импровизированного монитора. А самые внимательные даже нашли там ироничную «пасхалочку».
Награда за «Лучшую идею» по праву досталась архбюро Syntaxis.
В своем проекте под названием Holy Routine авторы предложили иронично взглянуть на повседневную офисную рутину и отрефлексировать опыт рабочих будней. По их мнению, офисная обыденность напоминает о парадоксе человеческого бытия, где большинство наших действий важны и одновременно бессмысленны.
При этом сам офис предстает как магнитное поле, где человеческие траектории неизбежно пересекаются. Кофе-пойнт, кулер, переговорная превращаются в локальные «святые места» – центры притяжения, в которых случайные взгляды и повторяющиеся жесты формируют невидимую ткань повседневных отношений.
За «Оригинальное решение» жюри наградило архитектурное бюро Above. Концепция стенда «Место встречи» выстроена вокруг темы рабочего пространства как места контакта – поэтому главный акцент здесь сделан на понятных формах, спокойной композиции и тактильности материалов.
В номинации «Лучшая коллаборация» была отмечена инсталляции «Прикосновение к будущему» от архбюро ADRD совместно с Совкомбанком и концепт «Внутри» от RED2SPACE совместно с Северсталью.
Первая в качестве самого мощного магнита современного офиса рассматривает живое общение с командой и активный обмен информацией, что в итоге и рождает технологии, которые придут в наш мир завтра. Второй представляет собой исследование хрупкого баланса: с одной стороны, это размышление о том, как сохранить чувство личного пространства в эпоху глобальной цифровой среды и искусственного интеллекта, а с другой – постепенное стирание границ между человеком, работой и информацией.
Как показала выставка, по-настоящему притягательный офис – это не просто удобный стол и стул, и даже не любимые коллеги, а действительно продуманная среда: место, откуда не хочется уходить и тянет вернуться, даже если можно работать из любой точки мира.

ШКОЛА ЗВАНЦЕВОЙ. ЛАБОРАТОРИЯ МОДЕРНИЗМА. Выставка в МУЗЕЕ РУССКОГО ИМПРЕССИОНИЗМА. с 25 июня до 4 октября 2026

Лев Бакст "Билибошка"  Эскиз костюма 1910-е  Фонд Андрея Чеглакова

Лев Бакст
«Билибошка»
Эскиз костюма
1910-е
Фонд Андрея Чеглакова

Летом посетители Музея русского импрессионизма смогут заглянуть в учебные классы петербургской школы Елизаветы Званцевой, ученики которой формировали облик раннего русского модернизма. В экспозиции «Школа Званцевой. Лаборатория модернизма» работы именитых преподавателей этой студии — Льва Бакста, Мстислава Добужинского и Кузьмы Петрова-Водкина — будут представлены в диалоге с произведениями их студентов: от известных Марка Шагала и Михаила Матюшина до почти забытых сегодня Фавсты Шихмановой и Раисы Котович-Борисяк.

Первое большое исследование званцевской школы — одной из самых популярных художественных студий начала ХХ века — продемонстрирует, как студенческие эксперименты в области цвета и формы меняли живописный язык эпохи, и продолжит разговор, начатый проектами «Выбор Добычиной» и «Русские дикие».

Елизавета Званцева — ученица Ильи Репина по Академии художеств и воспитанница частных парижских студий — открыла собственную школу еще в 1899 году в Москве, а в 1906-м — в Санкт-Петербурге, куда пригласила преподавать художников объединения «Мир искусства».

Юлия Оболенская Автопортрет 1918 г.   Астраханская государственная картинная галерея имени П.М. Догадина

Юлия Оболенская Автопортрет
1918 г.
Астраханская государственная картинная галерея имени П.М. Догадина

Школа Званцевой, работавшая в столице Российской империи вплоть до 1917 года, оказалась в эпицентре модернистских поисков и стала лабораторией по освоению принципов постимпрессионизма, эстетики модерна и символистской образности. Здесь занимались и авангардисты Елена Гуро и Ольга Розанова, и мастера постимпрессионистического пейзажа Николай Тырса и Александр Русаков, и художники-оформители Николай Кузьмин и Владимир Дмитриев.

Кузьма Петров-Водкин "Фектя" 1916 Новгородский музей-заповедник

Кузьма Петров-Водкин
«Фектя»
1916
Новгородский музей-заповедник

Экспозицию откроют знаковые работы учеников и учениц школы — их выразительный стиль с яркими цветами, экспрессивной формой и прихотливой линией узнавался уже современниками. Центральные разделы будут посвящены методам трех педагогов и раскроют индивидуальные манеры каждого из них.

Если Лев Бакст, сотрудничавший с «Русскими сезонами» Сергея Дягилева, учил студентов «красивой линии» и сочетанию ярких открытых цветов, то у Мстислава Добужинского, осваивавшего живопись в Мюнхене, званцевцы переняли мистицизм и психологизм городских сюжетов. С 1910-го года школу возглавлял Кузьма Петров-Водкин, открывавший студентам символику локального цвета и разрабатывавший в это время теории «иконописной» трехцветки и сферической перспективы.

Софья Дымшиц-Толстая  Декоративный nature-morte  1911 г.   Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля

Софья Дымшиц-Толстая
Декоративный nature-morte
1911 г.
Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля

Рассказ о школе Елизаветы Званцевой проиллюстрируют более 170 произведений живописи и графики, а также оформленные званцевцами книги. Впервые будет показана работа Надежды Лермонтовой — портрет другой студентки Варвары Климович-Топер из частной коллекции. Также посетители увидят уникальный эскиз к покорившему парижскую публику балету «Шехеразада» — костюм Синей султанши из собрания Санкт-Петербургского государственного музея театрального и музыкального искусства. Работы студентов и преподавателей школы приедут из 57 государственных и частных собраний России и Беларуси: Государственной Третьяковской галереи, Волгоградского музея изобразительных искусств имени И.И. Машкова, Вятского художественного музея имени В.М. и А.М. Васнецовых и других.

Ольга Розанова Натюрморт "Яблоки и кувшин с цветами"  1911-1918-е годы  Великоустюгский государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник

Ольга Розанова
Натюрморт «Яблоки и кувшин с цветами»
1911-1918-е годы
Великоустюгский государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник

Незрячие и слабовидящие посетители смогут детально познакомиться с произведениями званцевцев с помощью четырех тактильных станций, созданных совместно с партнером инклюзивной программы Благотворительным фондом «Искусство, наука и спорт» в рамках программы поддержки людей с нарушением зрения «Особый взгляд». Объемные модели будут дополнены ароматами по мотивам картин от парфюмерной студии Flame Moscow. Ольфакторные композиции будут посвящены отдыхающей крестьянке с картины Магды Нахман, полевым цветам с натюрморта Ольги Розановой, городскому промышленному району в интерпретации Мстислава Добужинского, и волжским степям кисти Кузьмы Петрова-Водкина. К мультисенсорным станциям будет подготовлен онлайн-спецпроект, в котором слепоглухая художница Ирина Поволоцкая представит свои размышления о разных живописных категориях. По окончании проекта тактильные экспонаты отправятся в музеи Казани, Великого Новгорода, Великого Устюга и Краснодара.

Надежда Лермонтова "Воспоминание Крыма" (Рыбка)  Середина 1910-х  Собрание галереи НАШИ ХУДОЖНИКИ  Москва

Надежда Лермонтова
«Воспоминание Крыма» (Рыбка)
Середина 1910-х
Собрание галереи НАШИ ХУДОЖНИКИ
Москва

Выставку будут сопровождать материалы, адаптированные по правилам ясного языка с помощью новой функции Яндекс Браузера, работающей на базе нейросети Алиса AI. Краткие тексты с понятной структурой и терминологией, созданные при поддержке экспертов из Центра эффективных коммуникаций и партнерства Ясный Мир, помогут людям с ментальными и когнитивными особенностями познакомиться с проектом. Описания на ясном языке будут представлены в бесплатном буклете, а также на специальной странице в Яндекс Браузере — перейти на неё можно по QR-коду на этикетках к работам.

Мстислав Добужинский "На Пряжке"  1913 г.   Краснодарский краевой художественный музей им. Ф.А. Коваленко

Мстислав Добужинский
«На Пряжке»
1913 г.
Краснодарский краевой художественный музей им. Ф.А. Коваленко

К выставке на полках книжного «Подписные в музее» появятся два новых издания от Музея русского импрессионизма. Каталог выставки со статьями искусствоведов Александра Боровского, Игоря Смекалова и Софьи Багдасаровой позволит больше узнать о школе Елизаветы Званцевой и ее месте в искусстве модернизма, а также о становлении женского образования в Европе и России вплоть до начала XX века. В специально готовящейся к выставке антологии будут собраны теоретические статьи, воспоминания и переписка званцевцев: как учащихся, так и учащих.

Куратор: Вера Рябинина — специалист выставочного отдела Музея русского импрессионизма, сокуратор выставки «Русские дикие».
Музей благодарит за поддержку Владимира Воронина — Председателя Попечительского совета музея, основателя и акционера группы компаний ФСК.
Возрастное ограничение выставки 6+.

Николай Тырса "На диване"  1935 г.   Вологодская областная картинная галерея

Николай Тырса
«На диване»
1935 г.
Вологодская областная картинная галерея

Тени исчезающего мира: как фотограф КАЗИМИР ЗАГУРСКИЙ «остановил» время в АФРИКЕ. Выставка в МУЗЕЕ ВОСТОКА на НИКИТСКОМ бульваре

Российский летчик Императорских ВВС Казимир Загурский (1883–1944), после революции 1917 г. живший и работавший в Бельгийском Конго, стал героем новой выставки в Музее Востока.


 Казимир Загурский  Фото: галерея "Диалог"

Казимир Загурский
Фото: галерея «Диалог»

Министерство культуры РФ
Государственный Музей Востока
Галерея Диалог
представляют выставку
ИСЧЕЗАЮЩАЯ АФРИКА
СВЕТ И ТЕНИ КАЗИМИРА ЗАГУРСКОГО
18 июня – 16 августа 2026
Москва, Никитский б-р, 12А

Он прожил удивительную жизнь, видевший революции и войны, узнавший судьбу эмигранта, он прошел путь от полковника российской императорской армии до жителя далёкой бельгийской колонии в Центральной Африке, а карьеру военного в сорок лет сменил на ремесло фотографа.

На выставке «Исчезающая Африка. Свет и тени Казимира Загурского», созданной в содружестве с галереей Диалог, экспонируются материалы фотографического наследия Загурского 1920-х – 1930-х гг. Проект охватывает регионы бассейна реки Конго, современных Руанды, Бурунди и Кении.
«Выставка уведет зрителя в парадоксально сложный мир культур бассейна реки Конго – одновременно глубоко традиционный и испытывающий воздействие европейской политики, европейской культуры. Благодаря Казимиру Загурскому мы неожиданно не только погружаемся в повседневную жизнь этой части Африки 1920-40-х годов, но словно бы проживаем с ним перипетии существования российского фотохудожника, оторванного от дома и ищущего свое место в меняющемся мире первой половины ХХ в.», – объяснила куратор выставки Дарья Ванюкова.
Главное наследие Казимира Загурского – фотографическая серия L’Afrique qui disparaît (фр. «Исчезающая Африка»). Она состоит из черно-белых фотографий, изданных в формате почтовых открыток. Загурский задумал этот цикл, чтобы художественными средствами зафиксировать традиционные культуры Центральной Африки, постепенно исчезающие под натиском европейского влияния. Это не просто документальная съемка драматической реальности континента, а скорее повесть, рассказывающая о мире, который Загурский знает, в котором участвует, за которым много лет наблюдает и который скоро исчезнет навсегда.
Директор галереи Диалог Михаил Прозоров рассказал, что фотографии Загурского часто попадали в поле его зрения и всегда поражали эстетикой кадров. Он отмечал для себя свет, композицию, глубокий психологизм и индивидуальность героев фотографа, а также особый, «магический» характер съемки. По его словам, это переводит серию «Исчезающая Африка» из жанра просто этнографической фотографии в категорию произведений искусства.
«Когда появилась возможность приобрести значительную часть серии в свою коллекцию, я не задумываясь сделал это. Мне кажется, что этот выставочный проект станет мостом между страстью коллекционера и зрителем – ведь фотография обретает смысл только когда ее видят. А если зритель почувствует то же, что и я, глядя на эти отпечатки, значит, мы поняли друг друга без слов», – признался Михаил Прозоров.
Кураторы отмечают, что Загурский смотрит на чужую реальность с любопытством, а его фотоаппарат словно стирает все границы. Автор ищет новые контексты, акценты, позволяя себе быть свободным от влияния уже «сказанного» об Африке другими фотографами.
Серия этих снимков близка к литературному жанру «травелога» (путевого дневника) с его обязательным осмыслением пути как целостности движения и остановок, с субъективным отношением автора-путешественника к увиденному.
Цикл «Исчезающая Африка» Загурского был показан на Всемирной выставке в Париже в 1937 году. Гости и жители столицы увидят почти 300 фотографий этой серии до 16 августа.

Вдохновившись снимками Загурского, дизайнер Анна Славутина разработала коллекцию украшений, которую можно приобрести на память о выставке в музейном магазине.

СПИКЕРЫ:
– Дарья Ванюкова, куратор выставки, заместитель заведующего отделом «Музей культуры стран Африки» Государственного музея Востока
– Михаил Прозоров, куратор выставки, директор галереи «Диалог»
– Лидия Тарасова, куратор выставки, креативный директор галереи «Диалог»

 Казимир Загурский  Фото: галерея "Диалог"

Казимир Загурский
Фото: галерея «Диалог»

 Казимир Загурский  Фото: галерея "Диалог"

Казимир Загурский
Фото: галерея «Диалог»

 Казимир Загурский  Фото: галерея "Диалог"

Казимир Загурский
Фото: галерея «Диалог»

 Казимир Загурский  Фото: галерея "Диалог"

Казимир Загурский
Фото: галерея «Диалог»

Пластическая архитектоника и новые пространственные коды в цикле ИНОЙ ПЕТЕРБУРГ. Искусствовед, эксперт ЕЛЕНА БАХАЕВА о творчестве художника ИЛЬИ КОМОВА

ПЛАСТИЧЕСКАЯ АРХИТЕКТОНИКА И НОВЫЕ ПРОСТРАНСТВЕННЫЕ КОДЫ В ЦИКЛЕ «ИНОЙ ПЕТЕРБУРГ» ИЛЬИ КОМОВА.

Автор выставки  "Иной Петербург" художник  Илья Комов  и эксперт, искусствовед  Елена Бахаева (оба в центре) справа на фото  дочь Ильи Комова  Мария лето, 2026  Санкт-Петербург

Автор выставки
«Иной Петербург»
художник
Илья Комов
и эксперт, искусствовед
Елена Бахаева
(оба в центре)
справа на фото
дочь Ильи Комова
Мария
слева — Сева (Всеволод) Гуревич — известный петербургский поэт
лето, 2026
Санкт-Петербург

Персональный выставочный проект члена-корреспондента Российской академии художеств Ильи Комова «Иной Петербург», развернутый в залах Галереи искусств на улице Ломоносова, манифестирует принципиальную смену векторов в современной отечественной ведуте. Феноменология данной экспозиции, репрезентирующей радикальный разрыв с традиционными иконографическими канонами репрезентации Санкт-Петербурга, стала предметом глубокого теоретического анализа аттестованного эксперта Министерства культуры РФ, искусствоведа и коллекционера Елены Михайловны Бахаевой, приехавшей из Москвы в Петербург на вернисаж этого значимого события.

«Представленный корпус монументальных станковых произведений, созданных автором в режиме непосредственного натурного импульса непосредственно в пространстве петербургского урбанизма, актуализирует сложнейшую проблему деконструкции устоявшегося «петербургского мифа». Илья Комов осуществляет глубокий эпистемологический сдвиг: вопреки укорененной в отечественной культуре элегической монохромности, импрессионистическому сфумато и меланхолической нюансировке, художник предлагает жесткую, волевую архитектоническую пересборку ландшафта. Топонимы города (набережные Фонтанки, мосты Петроградской стороны) здесь эмансипируются от пассивного мимесиса, преобразуясь в автономные пластические знаки-доминанты, транслирующие внутреннюю тектонику бытия.Художественный метод мастера базируется на сложном межэпохальном синтезе, где онтологическая глубина и композиционная лапидарность древнерусской монументальной стенописи вступают в диалектический диалог с радикальным колористическим структурализмом французского фовизма. Масштабный, пастозный мазок и акцентированные пространственные планы в живописи Комова выступают не денотатами физической реальности, но тектоническими пластами, формирующими новую архитектонику холста. Автор не репродуцирует топографию, а дешифрует и обнажает ее скрытый энергетический каркас, возводя конкретный визуальный опыт в ранг онтологического обобщения.
Экспертное суждение аттестованного эксперта Министерства культуры РФ Елены Михайловны Бахаевой:
«Данный выставочный проект обладает безусловной репрезентативностью и фиксирует важную точку бифуркации в развитии современной московской школы живописи на петербургской почве. Как эксперт, оценивающий художественный феномен в категориях историко-культурной и музейной ценности, я констатирую высокий статус данных артефактов. Илья Комов демонстрирует безупречное владение законами архитектоники картинной плоскости. В анализируемом цикле демифологизация городского пространства происходит не через деструкцию формы, а путем актуализации новой пластической тектоники и динамических ритмических регистров. Метод автора оперирует предельным абстрагированием от случайных деталей и знаковой лаконичностью линейно-объемного рисунка, где организация пространства концептуализируется и становится детерминантом смыслообразования. Это живопись высокого академического ценза, обладающая мощным витальным потенциалом и безусловной коллекционной инвестиционной ценностью. Для профессионального сообщества, музейных институций и серьезных исследователей арт-рынка экспозиция представляет собой важнейший прецедент для научно-теоретической верификации».

Экспозиция «Иной Петербург» (ул. Ломоносова, 1/28) открыта для профессионального посещения, экспертного анализа и научной дискуссии до конца июня.

В шоу-руме VITHOUSE прошла персональная выставка ВЛАДИМИРА МЫСАКА

Выставка Владимира Мысака в шоу-руме «VitHouse»

Выставка Владимира Мысака в шоу-руме «VitHouse»

В шоу-руме «VitHouse» прошла персональная выставка Владимира Мысака
Экспозиция представила портреты и скульптуры из глины и гипса вымышленных героев, всего более 50 работ.
В ходе выставки состоялась лекция искусствоведа и доктора искусствоведческих работ — Елены Олейник.
Среди гостей выставки были Мисс Вселенная, телеведущая и певица — Оксана Федорова и стилист первого канала — Алёна Гусева.
В портретах отражено тонкое понимание внутреннего мира человека – то, что передается только через искренний интерес художника к своим героям – отмечает преподаватель Владимира — Ольга Анварова.
Посетители выставки насладились атмосферой, общением, живой музыкой и приняли участие в мастер – классе «Кола арт» и собрала около 50 гостей. Организаторы выражают искреннюю благодарность за ценное сотрудничество архитектору и искусствоведу – Арсению Виноградову, благодарят Наталью Смоленцеву и команду шоу — рума «VitHouse» за гостеприимство и поддержку проекта.

Фото и релиз: пресс-служба выставки Владимира Мысака

XXXI Международная выставка-форум архитектуры и дизайна АРХ МОСКВА прошла в ГОСТИНОМ ДВОРЕ на ИЛЬИНКЕ

АРХ Москва 2026 фото София Загряжскаяч для АРТ-Релиз.РФ АРТ-Релиз.РФ

АРХ-МОСКВА 2026 София Загряжская АРТ-Релиз.РФ

На Ильинке в Гостином дворе сегодня завершила работу XXXI Международная выставка-форум архитектуры и дизайна «АРХ МОСКВА»

Концепция выставки — «Идеал», в которой были представлены проекты участников, размышляющих о том, как может выглядеть идеальный город.
Идея выставки принадлежит куратору — архитектору Тимуру Башкаеву. Он предложил профессиональному сообществу поразмышлять о концепции идеала в архитектуре и градостроительстве, при этом, одним из главных критериев оценки проектов предложил максимальную их связь с реальностью и возможностями реализации творческих представлений авторов.
Экспозиция занимала более 12 тысяч квадратных метров и включала четыре тематических раздела: «Архитектура», «Девелопмент», «Материя архитектуры», «Детали». В ней участвовали более 200 организаций: архитектурные бюро, девелоперы, производители стройматериалов, инженерные компании и другие.
Деловая программа включала более 200 мероприятий на восьми дискуссионных площадках. Среди ключевых событий — авторский спецпроект Тимура Башкаева «Идеальный город» и профориентационный мастер-класс «Умная стройка» для школьников 8–11 классов.
От АРТ-Релиз.РФ для фотоотчета на выставке побывала искусствовед София Загряжская

София Загряжская, искусствовед: «Мой комментарий, возможно, выйдет за рамки профессиональной оценки, но я хотела бы рассказать о своих впечатлениях с точки зрения жителя большого города. Я мама троих детей, и мне очень интересно все, что касается жизни и благоустройства мегаполиса, в котором мы живем, поэтому, в первую очередь, меня порадовала тема и подход к оценке представленных проектов. Художественные образы всегда интересно рассматривать, но когда понимаешь прикладное значение, когда видишь в экспонате будущее архитектурное сооружение, то это переводит в другое качество знакомство с идеями. Сегодня на выставке мой сын Лев был очень обрадован, ему три года, но он уже большой эстет, привыкший к походам на выставки, и сегодня, переходя от стенда к стенду, он не переставал восхищаться — «смотри, мама, какой красивый город!» А когда я ему рассказала, что это о городе, в котором мы живем, он ответил, — «я так рад, что я здесь живу!». Мне кажется, что это одно из базовых чувств, необходимых людям для счастья, — жить в городе, который любишь, и мне бы хотелось, чтобы эти самые лучшие проекты были реализованы, и когда мои дети смогут восхититься ими в реальности, я напомню им эту экспозицию — АРХ Москва 2026″.

Искусствовед  София Загряжская на выставке  АРХ-Москва, 2026  30 мая

Искусствовед
София Загряжская
на выставке
АРХ-Москва, 2026
30 мая

АРХ-МОСКВА 2026 стенд компании фото София Загряжская.АРТ-Релиз.РФ

АРХ-МОСКВА 2026 АРТ-релиз.РФ

АРХ-МОСКВА 2026 фото София Загряжская. АРТ-Релиз.РФ

АРХ-МОСКВА май 2026. АРТ-Релиз. РФ фото Алексаныдра Загряжская

АРХ-МОСКВА 2026 фото София Загряжская. для АРТ-Релиз.РФ ...

АРХ МОСКВА 2026 фото София Загряжская АРТ-Релиз.РФ

АРХ Москва 2026 София Загряжская для АРТ-Релиз.РФ