ЛАБИРИНТ

Фотограф: Сергей Яковлев Каменный лабиринт на острове Большой Заяцкий Соловецкого архипелага. Россия, Архангельская область, Приморский район, Соловки

Фотограф: Сергей Яковлев
Каменный лабиринт на острове Большой Заяцкий Соловецкого архипелага. Россия, Архангельская область, Приморский район, Соловки

  "Лабиринт из камней и ракушек на золотом фоне" фото: А. Загряжская


«Лабиринт из камней и ракушек на золотом фоне»
фото: А. Загряжская

Интересно, что лабиринт, как образ, символ и архитектурная форма появился издавна во многих культурах, не имеющих общих корней и связей.

Объяснением этому, возможно, может служить тот факт, что лабиринты — нерукотворные, а естественно образованные на Земле временем и стихиями, — встречаются на разных континентах, и, таким образом, идея их создания могла быть заимствована у природы, а позднее трансформирована художественным воображением, наделившем лабиринты загадочными особенностями в мифах и легендах.

***

Архитектурные лабиринты известны почти во всех цивилизациях. В Древнем Китае, в Индии, в средневековой Европе — везде, где были построены лабиринты, им придавали сакральные смыслы.

У одних народов лабиринт символизировал подземное пространство, у других — небесное. И эта двойственность также отражена в самой сути лабиринта. Он может стать как смертельной ловушкой, так и спасением после испытания, дарующего преображение.

Лабиринт можно рассматривать и как символ множественности реальности, когда каждое событие может иметь бесчисленное число вариантов развития.

***

Как изображения лабиринтов можно рассматривать и некоторые народные орнаменты. Повторяющиеся геометрические рисунки, украшающие посуду и одежду людей, разделенных издревле океанами, также имеют многие общие черты.

Спираль -- одна из известных форм лабиринта фото: А. Загряжская

Спираль — одна из известных форм лабиринта
фото: А. Загряжская

***
В Писании нет прямых описаний лабиринтов, но, например, Иерихон в средневековых рукописях часто изображали в виде лабиринта — круглого или прямоугольного, изображение могло использоваться как оберег, за «семью стенами» Иерихон был спрятан от внешнего мира и врагов.

Образ Вавилонской башни может также рассматриваться как один из символов лабиринта.

В Библии также нет точного описания ее архитектурной формы, но во многих известных изображениях Вавилонская башня имеет вид лестницы в небо, поднимающейся по спирали. А спираль, как известно, является одной из разновидностей лабиринта.

Здесь в ассоциации с лабиринтом можно также рассматривать исход события — невозможность завершения возведения Вавилонской башни из-за несовершенства духа и заблуждений.

В природе спирали, связанные с числами Фибоначчи, можно наблюдать в расположении лепестков цветов, в рисунке ракушек и даже в движении некоторых морских обитателей фото: А. Загряжская

В природе спирали, связанные с числами Фибоначчи, можно наблюдать в расположении лепестков цветов, в рисунке ракушек и даже в движении некоторых морских обитателей и природных явлений
фото: А. Загряжская

***

Спираль Фибоначчи — еще один значительный символ в природе, искусстве, архитектуре и даже мировоззрении. Несмотря на то, что спираль Фибоначчи и лабиринт — имеют разные интерпретации, есть несколько символических пересечений этих образов.

***

Природные лабиринты в скалах или пещерах зачастую выглядят как запутанные дороги, и, как правило, образ лабиринта, в первую очередь, олицетворяет путь со множеством преград, загадок, вариантов решений.

Так лабиринту можно придать множество философских смыслов, от символа мироздания до скрытых глубин человеческого разума.

***

Лабиринт одновременно пугает и интригует. В лабиринте легко потеряться, но, как ни парадоксально, именно это и является одной из самых притягательных его особенностей.

***

автор: Александра Загряжская  "Лабиринт Минотавра"

автор: Александра Загряжская
«Лабиринт Минотавра»
«Нить Ариадны» — ключ к решению проблемы

***

Самый известный лабиринт связан с именем Минотавра — чудовища, которому в качестве дани присылали самых красивых девушек и юношей, до тех пор, когда легендарный Тесей, отправился с молодыми людьми, чтобы не только победить Минотавра, но и найти путь назад.

Влюбленная в Тесея прекрасная Ариадна научила его, как выбраться из лабиринта с помощью нитей.

Проложив путь от входа до чертогов чудовища, юноша, победив человека-зверя смог вернуться обратно. Способ такого спасения стал еще одной метафорой, пришедшей из мифа о лабиринте.

«Нить Ариадны» — выражение, которое означает способ чудесного решения, благодаря которому можно выйти из затруднительного положения.

***

Иногда стоит войти в лабиринт, чтобы обрести те самые «нити Ариадны», которые подарят новые логические решения, новые возможности и новые неожиданные повороты судьбы.

***

автор: Александра Загряжская Иногда приходится войти в лабиринт, чтобы   обрести те самые "Нити Ариадны", чудесные логические подсказки для развязки сложных ситуаций

автор: Александра Загряжская
Иногда приходится войти в лабиринт, чтобы обрести те самые «Нити Ариадны», чудесные логические подсказки для развязки сложных ситуаций

***

Благодаря мифам о чудесных спасениях, преодолениях многих испытаний в трудном запутанном пути и обретению правильного выбора, лабиринт стал символом возрождения ведущего к новой жизни. Прохождение через лабиринт символизирует новое рождение человека, его преображение после многих испытаний.

***

Образ лабиринта в некоторых культурах использовался как оберег. Так китайские пагоды имеют устремленный к небу край крыш, имеющий название «летящий край» или «летящий карниз».
Такая архитектура, в первую очередь, преследует инженерные и эстетические соображения, но существует и легенда, согласно которой, изогнутая крыша оберегает владельцев, считается, что злые духи могут запутаться в столь усложненной архитектуре и для них такие «летящие карнизы» станут ловушками, лабиринтами, из которых не выбраться.

Меандр -- орнамент, известный со времен палеолита.  "Бесконечный лабиринт"  фото: А. Загряжская

Меандр — орнамент, известный со времен палеолита.
«Бесконечный лабиринт»
фото: А. Загряжская

***

Одним из самых ярких примеров древнейшего орнамента-лабиринта является меандр — геометрический рисунок, повторяющиеся элементы которого составляют декоративную ленту.

Принято считать, что орнамент меандр — это геометрическое изображение волны.
Возможно, такое мнение сложилось из этимологии названия, Меандр — древнее название реки Большой Мендерес, известной крутыми петляющими поворотами.

Сам рисунок также напоминают изображение волны. Но известно также, что меандр называют «бесконечным лабиринтом».

***

Эта публикация находится в процессе создания и будет дополнена в ближайшее время иллюстрациями и комментариями.

EAST MEETS WEST GALLERY представляет выставку ДМИТРИЙ ТРУБИН. ЯПОНСКИЙ МИФ В СОВРЕМЕННОМ РОССИЙСКОМ ИСКУССТВЕ. С 17 апреля до 20 мая 2026 в Государственном музее — культурном центре ИНТЕГРАЦИЯ имени Н. А. ОСТРОВСКОГО

Дмитрий Трубин "Март на болоте" 2022 г.  картон, акрил 85х100

Дмитрий Трубин
«Март на болоте»
2022 г.
картон, акрил
85х100

EAST MEETS WEST GALLERY

Пресс-релиз

«Дмитрий Трубин. «Японский миф» в современном российском искусстве» 16+

East Meets West Gallery в содружестве с Государственным музеем-культурным центром «Интеграция» им. Н. А. Островского приглашает москвичей и гостей столицы с 17 апреля по 20 мая 2026 г. на новый выставочный проект «Дмитрий Трубин. «Японский миф» в современном российском искусстве».

Куратор проекта Татьяна Палеева продолжает открывать новые грани этнокультурного общения народов мира, обращаясь к диалогу культур России и Японии. Как соотнести свое мировоззрение с мировоззрением другой культуры или даже цивилизации? Как постичь ее смысл, исходя из своих представлений, своей истории и своего культурного опыта?

Перед нами две непохожие друг на друга культуры. Россия – великая континентальная держава и Япония – маленькая островная страна. Обе они различны и даже диаметрально противоположны по вероисповеданию и менталитету, однако, при этом они глубоко усваивают культуру друг друга. Различия в духовном укладе, психологической организации, нравственных нормах и эстетических принципах, как это ни странно, являются причиной того удивительного взаимного тяготения Востока и Запада, их притяжения друг к другу. Причиной этого тяготения также может являться то, что Япония имела особое значение для самоидентификации и осознания своей самобытности для России в XIX веке. В развитии этого диалога культур выделяют 3 этапа (Коньшина Н. Д. «Влияние японской культуры на литературу и живопись России конца XIX — начала XX вв., диссертация 2006 г): 1. Конец XIX—20-е годы XX вв.; 2. 70—80-е годы XX в.; 3. С 90-х годов XX— по настоящее время.
«Образ Японии» и «Японский миф» в массовом сознании поддерживается множеством русских писателей и художников.

И здесь надо учитывать два исторически сложившихся направления в восприятии культуры Японии в Европе, включая Россию: в начальный период «открытия» Японии представление об экзотической и «живописной» Японии, о Японии как о «потерянном» для Европы «рае», о гармоничности японской цивилизации и в дальнейшем, особенно после победы в Русско-японской войне, мифа о «желтой опасности», в наибольшей степени характерного для России (Молодяков В. Э. «Образ Японии» в Европе и в России второй половины XIX — начала XX в. М. Институт востоковедения РАН, 1996-12 с.)

Впитывая в себя западную стилизацию Востока, русские художники и поэты на ее основе искали и создавали свой образ Востока – образ, основанный на способности человека видеть мир непосредственно, способность образного, не понятийного мышления, интуитивного постижения законов бытия. Знакомство с японским искусством оказалось плодотворным для европейских и русских художников не только на пути создания нового пластического языка, но и менявшегося взгляда на мир с иными ценностными ориентирами.

Произведения архангельского художника Дмитрия Трубина тоже поделены на две части: во-первых, стилизации и парафразы на темы произведений средневековых японских графиков XVII – XIX вв., книжная графика в японском стиле, стихи автора, написанные в ритмах средневековой японской поэзии и, во-вторых, деревенские северные пейзажи, портреты русских людей, дополненные абсолютно современными энтомологическими объектами, которые поражают яркой метафоричностью и символизмом.

Следуя традициям обращения к творческим приемам графики японских художников, Дмитрий Трубин опирается не только на европейскую традицию, но и на русскую: на произведения И. Билибина, Т. Нарбута, Д. Митрохина, А. Остроумовой-Лебедевой. Примерами использования таких приемов и тем могут служить его работы «Большая волна. 1», «Большая волна.2», 2025 г., пейзажи с силуэтами одиноких сосен из серии «Болота», 2021-2022 гг., портреты актеров театра Кабуки. Парафразы старинных гравюр представлены им в жанрах: портрета, пейзажа, жанровых работах, натюрмортах. В них используются приемы стилизации в изображении неба, волны, подсветке контуров рисунка и других декоративных качеств японской гравюры. Японские мотивы служат автору для более интересного представления своих технических приемов, таких как изображение всех живых (людей, насекомых, животных) и любых неживых объектов с помощью жестких прямых линий и с помощью простых геометрических фигур, применяемых в конструктивизме.

Символичность и метафоризм произведений, свойственные японской графике, в которых ощущается целостность мира, включенность человека в живую природу, ощущение связи и гармонии со всей Вселенной Дмитрий представил в своей минималистической серии, посвященной северной деревне, «Деревня, которой нет». Деревенские пейзажи и просторы северной части России, портреты людей в этих деревнях (Ижмы и Едомы), выполненные набросками десятилетия назад во время поездки автора в эти места, уже в 2020-е годы стали большими станковыми произведениями, которые несут несомненные черты не только сдержанной колористики, но и яркой метафоричности, свойственные японской традиционной графике. Однако в работах Дмитрия Трубина они приобретают яркое символическое значение «русскости», которое невозможно не заметить. Интересным акцентом на выставке станут энтомологические и абсолютно современные объекты насекомых, которые встраиваются как парафраз к японским мотивам, и в то же время спокойно «живут» в пространстве русских поморских деревень.

«Деревня, которой нет» – пронзительная экспозиция из 16 работ, каждая из которых лапидарна по форме суггестивная по смыслу, как древний артефакт. Это практически археологический проект, хотя художник настаивает на вымышленности созданных им композиций. Но в их основе не только его ранние натурные зарисовки, но что много важнее – «захваченная» и транслируемая, хоть совсем в не натуралистическом виде, правда и Русского Севера. Селенья, сплоченные не планом с улицами, а, как говорят, «каменкой» – на манер каменных горок, мощь северных домов, серебряный свет на главах рубленых храмов ̶это не просто поэтика Севера, это его суть. И еще – это очень хорошая светоносная живопись». Ирина Сосновская, Seldom News, 2024 г.

«Живописную» сторону японской культуры поддерживают на выставке артефакты и предметы традиционного японского искусства из коллекции куратора Татьяны Палеевой.

Синтезированное тематическое и стилистическое многообразие работ замечательного художника Дмитрия Трубина позволяет зрителю почувствовать взаимное обогащение культур России и Японии и добавляет авторские черты в функционировании «японского мифа» в русской культуре.

Куратор проекта, директор East Meets West Gallery,
почетный член Российской академии художеств Татьяна Палеева.

Выставка работает с 17.04 по 20.05.2026
Музей Николая Островского, ул. Тверская, 14
Вход по билетам музея
Ежедневно с 9:00 до 20:00
Выходной понедельник

ostrovsky-museum.ru 

East Meets West Gallery
www.eastmeetswestgallery.com

Нажмите на изображение, чтобы увидеть сведения о произведении. Изображения предоставлены EAST MEETS WEST GALLERY, ©Дмитрий Трубин

Международный журнал ART MARKET опубликовал работы российского цифрового художника СЕРГЕЯ ПОГОРЕЛОГО

Цифровой художник Сергей Погорелый в журнале Art Market, март, 2026
Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market.....

Сергей Погорелый цифровой художник

Сергей Погорелый
цифровой художник

Сергей Погорелый, цифровой художник:
«Международный журнал Art Market, который ежемесячно распространяется по всему миру и насчитывает более 50 тысяч читателей в месяц, возможно вам и незнаком, друзья мои, несмотря на то, что он является ведущим художественным журналом о современном изобразительном искусстве. Основанный в 2014 году, журнал Art Market предлагает всестороннее освещение событий в мире изобразительного искусства и за его пределами, знакомя своих читателей с мировым миром искусства, предоставляя более широкий доступ к аукционам и художественным событиям по всему миру. В каждом номере издатели публикуют обзоры, описания, демонстрации и интервью. Искусство и культура, представленные на арт-рынке, столь же разнообразны, сколь и обширны. Журнал Art Market — ведущий журнал с ежемесячным тиражом более 50 тысяч читателей со всего мира!
Приведу анонс только что вышедшего номера номера, размещённого на сайте журнала:
«Мартовский выпуск №111 знаменует собой новое начало для журнала Art Market. Сейчас, когда мы вступаем в благословенную весну и период расцвета, мы хотели бы напомнить всем нашим читателям о важности искусства в нашем мире. Искусство — это сила самовыражения, божественная сила, текущая через творцов. Оно позволяет выразить как состояние мира, так и потребность души в переменах.
В этом прекрасном выпуске мы представляем фантастических художников со всего мира. З.Т. Тоша представляет свою уникальную серию архитектурных скульптур «АССЕМБЛЕР». В галерее Opera в Париже представлена персональная выставка цюрихского художника Энди Дензлера ‘Внутреннее пространство’. Чед Кумбс делится двумя фантастическими сериями фотографий-коллажей «Полароид» и «Дорогой дневник». Варда Брегер рассказывает о хрупком состоянии нашей планеты и о том, что человечеству необходимо измениться и установить мир. Фейт Омоле из штата Коги исследует африканскую идентичность с помощью своего замечательного искусства. Мэтью Морфеус фокусируется на плавных графических формах и символах. Михал Шелли передает напряженность реальности через свои работы. Фил Уэльц сочетает детский визуальный язык с реальным опытом в области современного искусства. Сергей Погорелый рассказывает о красоте Матери-Земли с помощью экоцентрического искусства и двух цифровых серий «Ароматы лета» и «Тропические фантазии». Эрик Минц исследует ритм красок и значение жизни и смерти с помощью электрических жестов и неоновых сувениров.
Наслаждайтесь этим великолепным изданием!»
Ежемесячный выпуск журнала Art Market распространяется по всему миру ведущими платформами для электронных журналов и доступен в аэропортах, на вокзалах, в академических и публичных библиотеках, а также в отелях США и Европы. Все статьи публикуются во всех социальных сетях журнала Art Market по всему миру. Полное содержание каждого номера размещается в архивах университетов, академических библиотек и публичных библиотек. Материалы становятся доступны академическим исследователям, университетским преподавателям и студентам для использования в качестве учебного материала. Цифровые и печатные издания журнала доступны по подписке и в виде отдельных выпусков также по всему миру.
К сожалению с некоторых пор, я утратил возможность покупать свежие номера, но у вас сегодня есть уникальная возможность ознакомиться с новым, 111 номером, который мне, как одному из авторов этого выпуска, любезно предоставила редакция этого замечательного издания!
Подписка и отдельные выпуски доступны на всех платформах:
PressReader | Pocketmags | Magzter | ZINIO | iOS | Google Play | Печатное издание: MagCloud.
Распространение «Золотого списка»: Книжные магазины Barnes & Noble (США и Канада) и Steimatzky.

Сергей Погорелый о себе:
Цифровой художник и фотограф. Живу и работаю в России, в Москве.

Сколько я себя помню, я всегда любил рисовать. Позднее, уже в школьные годы, я стал увлекаться фотографией (тогда ещё плёночной). Закончив школу, поступил в технический институт и стал дипломированным инженером-механиком. В 1987 году я поступил в художественное училище, которое с отличием закончил. С конца 80-х годов я занимался оформлением грампластинок (а позднее и CD) на фирме “Мелодия”. От классического фотомонтажа (фона нарисованного аэрографом + авторской фотографии) я постепенно (после приобретения собственного компьютера Mac Pro в 2004 году) самостоятельно начал изучать приёмы компьютерной графики по книгам и издаваемым журналам. Постепенно, с приобретением необходимого опыта, я сам стал писать уроки по обработке изображений в графическом редакторе и делиться своими знаниями с другими людьми в журналах по фотографии и о компьютерах (Компьюарт, Артконсул, Digital Photo, Digital Camera, CHIP, Фотомастерская). На основе этих публикаций, в 2010 году российское издательство «Эксмо» выпустило в свет мою полноцветную книгу «Секреты компьютерного дизайна», укомплектованную DVD диском с примерами авторских работ. Это единственное до сегодняшнего дня российское издание описывающее применение графического редактора Photoshop для создания художественных произведений. В настоящее время продолжаю работать в жанре цифрового искусства (компьютерной графики и цифрового фотомонтажа, используя авторскую фотосъёмку и графику). Некоторое время читал авторские лекции в Академии фотографии. В октябре 2014 года, за вклад в отечественное изобразительное искусство, Творческим союзом художников России, был награждён бронзовой медалью. а в сентябре 2015 года уже серебряной медалью этой творческой организации. Цифровое искусство привлекает меня ещё и тем, что возможности его безграничны. Конечный результат зависит только от знаний, воображения и таланта художника. Сфера моих разработок разнопланова. Это как всевозможные плакаты так и просто композиции для украшения интерьеров. Среди работ которые я создаю сложно выделить какое-либо определённое направление. Но особое место среди моих работ занимают композиции посвященные красоте природы и окружающего нас мира. Это востребованное мировым трендом направление – «экологическое», или «экоцентричное» искусство, в центре внимания которого стоят проблемы охраны окружающей среды, экологической этики и эстетики, а природа – темой, сюжетом или материалом создаваемых произведений.

Член Творческого Союза Художников России и Международной Федерации Художников, Союза журналистов России, а также Международной ассоциации “Союз дизайнеров” (с 2006-08г., вице-президент Московского отделения). Являюсь участником, а также лауреатом многочисленных выставок, как отечественных, так и зарубежных.

В настоящее время, сотрудничаю с журналом «PRO ИНТЕРЬЕР», в котором имею свою авторскую страницу (Искусство XXI века в вашем доме). На ней я публикую новые работы, так понравившиеся ранее моим друзьям в социальных сетях. Данное издание объединяет лучших представителей архитектурно-дизайнерской элиты Москвы и России, а также компании ведущих поставщиков интерьерного рынка, любимо и почитаемо ими. Он для тех, кто любит и создаёт уют и красоту. Созданные мною в разное время композиции можно объединить в несколько тем: музыка, подводный мир, природа, средневековые мотивы, культура Востока, и другое.

Увидеть мои работы можно на национальной платформе ХУДОЖНИКИ РФ, связывающей художников различных направлений, арт-институции, сообщества художников, галереи, кураторов, коллекционеров, педагогов, а также ценителей и любителей искусства.

Цифровой художник Сергей Погорелый в журнале Art Market, март, 2026

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market март 2026

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market март, 2026

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market. март, 2026

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market, март, 2026

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market.

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market...

ИМЯ АВТОРА. Пост на тему ФОТОТРОЛЛИНГ как бизнес-проект

Иногда встречаю снятые мной фотографии на сайтах интернет-изданий, не подписанные моим именем, некоторые из них живут уже более десяти лет на этих сайтах, но никто ко мне за разрешением их разместить не обращался. По идее, я могу написать им, чтобы подписали фото или указали мой сайт, на котором они изначально были размещены лично мной, но никогда этим не занималась, и что я точно никогда не сделаю, так это не стану выставлять нарушителям счета и Претензии с требованием компенсации. Есть главная этическая причина. На некоторых моих фотографиях изображены мастера, о которых я не просто снимала репортаж, а с которыми я общалась, дружила, и некоторых из них уже нет с нами, не хочу омрачать прекрасную память об общении с ними и что-то требовать за то, что мне не принадлежит — их прекрасные образы.

Или вот такая история — одна из самых моих любимых художников взяла со своего сайта написанную мною статью о ней, и издала буклет со своими работами, в котором статья моя была подписана уже не моим именем, а представителя компании — спонсора тиража. И примечательно, что ничтоже сумняшеся, один из экземпляров дарит она мне. (Видели бы вы мое лицо). На первой странице фото солидного человека в пиджаке и галстуке, и текст мой рядом, подписанный его именем. Нет, я не сильно расстроилась и любить художника и ее работы я меньше не стала, вообще на мое отношение к ней и к ее прекрасному творчеству это никак не повлияло. Но, мягко говоря, я немножко удивилась.

К чему этот пост? А к тому, что все по-разному относятся к своему авторскому праву, и я очень понимаю тех, для кого это очень важно и кто стремится добиться справедливости при его нарушении, но «есть нюанс», множество нюансов, которые могут скорее навредить, чем помочь.
Один из них в том, что нарушить авторское право сегодня легко, при том, самому нарушителю легко это даже не заметить. Это древним египтянам негде было заимствовать идеи, кроме как у природы и звездного неба, у них не было интернета, как у нас, где мы можем скачать безымянное фото и не найдя имя автора, все же разместить его в пост под философствованиями на какую-нибудь общую тему.
И вот на этой легкости нарушения сегодня построен своеобразный «бизнес», который не только не вернет автору упущенные выгоды, но и способный создать неблагоприятное впечатление о нем самом. (Здесь ссылка на тему на канале DmitryFrontPunKult ). Этот бизнес построен на выявлении безымянных фото в интернете, поисках их авторов, заключения с ними договора о Доверительном Управлении, а дальше, автор вслед за вдохновением отправляется по своим маршрутам, а его Доверительные Управляющие — кошмарить нарушителей, кем бы эти нарушители ни были — владельцами компаний, по неосторожности разместившими фото из интернета на своем сайте или домохозяйками — авторами канала в соцсети.

Одновременно с Претензией такой Доверительный Управляющий (фототролль) начинает шантаж, требуя от нарушителя в очень короткий срок уладить дело в досудебном порядке, перечислив… и тут называется чрезмерная сумма денег, никак не обоснованная, как бы в Претензии ни было расписано происхождение цены, и начинаются уверения, что в суде будет еще дороже.
К Претензии прилагается множество ссылок, где представляются (как правило, чужие) «успешные успехи» во всех выигранных делах, что должно оплошавшему ответчику продемонстрировать — исход будет всегда в пользу истца. Но это не так. Суды, загруженные в последнее время такими исками от таких «серийных истцов», уже не так однозначно рассматривают подобные дела, и зачастую компенсация, полученная от ответчика и оплаченные им издержки на юриста не то, что не приносят прибыли, а не покрывают даже расходов истца, чему множество есть примеров. Золотое время этого «бизнеса» длилось недолго и прошло, хотя некоторые авантюристы еще пытаются заскочить в последний вагон, но проблемой уже занялись на самом высоком уровне.

Что советуют настоящие юристы можно почитать здесь на канале DmitryFrontPunKult

Я же, имея личный опыт получения такой Претензии, скажу, — всем, решившим защищать свое авторское право — обращаться надо к настоящим юристам, к которым придет именно сам автор, а не ждать, когда некие помощники найдут его со своими сомнительными предложениями и с условиями в договоре о том, что 70 % компенсации за нарушение достанутся им, а не автору. В этом случае, такие представители представляют свои интересы, а не его. Автор здесь только инструмент в их схеме. И история эта не украсит никого, ни нарушителя, ни тем более Доверительных Управляющих, какими бы борцами за право они не прикидывались, ни, что парадоксально, ни самого автора, от лица которого они выступают.
Для таких представителей защита авторских прав — бизнес-проект, к которому они, кстати, приглашают присоединиться потенциальных инвесторов, обещая им прибыль в 30 %. Вроде бы, законно (пока еще), но, на мой взгляд, достаточно аморально, и, вместе с тем, обещание непременной прибыли в деле, исход которого решает только суд, вообще опрометчиво.

Что касается моего мнения об авторском праве в целом, то как бы я не относилась к публикации без имени моих фото и текстов, я глубоко уверена, что все происходящее — все произведения, все слова и идеи, поступки и события, выраженные мысли и чувства должны иметь имя автора. Я даже думаю, что авторское право в экзистенциальном смысле самое фундаментальное и базовое из всех известных, едва ли не единственное незыблемое. Потому что, по высшему счету, какие бы ни были времена, законы и нравы, и кем бы ни были сами мы, ничего на свете в конечном итоге нам не принадлежит, ничего, кроме нашего светлого имени.

Александра Загряжская
Арт-Релиз.РФ
март, 2026

Александра Загряжская. Эссе к проекту ВОСТОК — ЗАПАД фотографов ТАТЬЯНЫ МЕЖЕЛАЙТИС и МАКСИМА КИРЕЕВА

От автора текста: этот проект возник 15 лет назад, и тогда казался особенно актуальным, но как же он актуален сегодня!

К проекту «Восток — Запад», 2011 год.
Они на разных полюсах Земли. Разделены и связаны дефисом. Им прочили никогда не сойтись. Определили в разные системы — культурные и философские. Но они вместе, прочно и навсегда, как все противоположности на свете —

Восток-Запад.

Татьяна Межелайтис Проект  Восток -- Запад

Татьяна Межелайтис
Проект
Восток — Запад

Татьяна Межелайтис и Максим Киреев, взяв камеры, отправились в путь в противоположных направлениях, чтобы снова объединить Восток-Запад, на этот раз — в одном зале, где проходит выставка двух фотохудожников. В снимках Татьяны и Максима Тунис и Лондон — метафоры, олицетворение многих противоположностей: древности и современности, созерцательности и целеустремленности, традиций и новой жизни. Но вот что парадоксально — эти же противоречия можно найти в фотографиях и Лондона и Туниса. Все, что характеризует Восток, отражается и в чертах Запада.

Максим Киреев Проект  Восток -- Запад

Максим Киреев
Проект
Восток — Запад

Татьяна Межелайтис предпочитает черно-белую фотографию, и эта графичность, будто символизирует значение времени в ее снимках. Старинные стены умеют красноречиво молчать, но молчание можно слышать. Умение «оглушить» неожиданным ракурсом, раскрывающим суть пейзажа или фрагментом, рассказывающем больше, чем вся панорама — даже не способность, а дар — почувствовать и передать. Фактура камня или зной воздуха в ее снимках почти осязаемы. Черно-белая реальность вне времени, чья метафизическая суть подчеркнута отсутствием людей в изображениях древностей. Вид современников не отвлекает зрителя от главного понимания — эти стены и лестницы построили когда-то далекие предшественники человечества для себя, чтобы просто жить, и для нас, чтобы мы размышляли о Вечности. Одно из определений Востока — мудрость.

Максим Киреев Проект Восток -- Запад

Максим Киреев
Проект
Восток — Запад

Что мы оставим после себя? Суета современных городов и шум магистралей не заглушают этот извечный вопрос. Он воплотился в неоновых сумерках и в ослепительных полднях, в изящных литых решетках, рекламных плакатах, в капителях классических колонн и непрозрачных окнах стеклянных фасадов. Максим Киреев — мастер света и тени. В одном снимке он создает картину мира контрастными силуэтами и тонкими полутонами. Но свет и тени предметов обретают новые смыслы в его работах. Призрачная реальность отражений известна только нашим современникам — жителям городов из стекла и бетона. В фотографиях Максима Киреева отражения рисуют картину противоречий и парадоксов, смешения идей и ускользающих значений, которые, возможно, будут разгаданы — когда-нибудь. Одна из присущих Западу особенностей — устремленность в будущее.

В коллекции лондонских фотографий Максима Киреева предстает особенный город, непохожий на современные мегаполисы. Лондон Максима Киреева устремлен в прошлое. Его отражения естественны, как сотни лет назад: отражение неба — в Темзе, в окнах домов, разделенных узкими улицами, где тротуары для неспешных прогулок, а старинные особняки помнят время, когда известный англичанин, с душой, оставленной в Британской Индии, опоэтизировал для современников и потомков понятие «Запад-Восток».

Максим Киреев Проект  Восток -- Запад

Максим Киреев
Проект
Восток — Запад

Лондон Максима Киреева мистифицирует своей непринадлежностью конкретной эпохе. Как и Татьяна Межелайтис, Максим предпочел черно-белые снимки. Но общий выбор лишь усилил их индивидуальности: Древний Восток Татьяны еще более «состарен» сепией. Некоторым деталям своих снимков Максим подарил возможность оставаться красными в черно-белых портретах города, подчеркнув их «фирменный» лондонский акцент.

Татьяна Межелайтис Проект  Восток -- Запад

Татьяна Межелайтис
Проект
Восток — Запад

За рамки географических понятий Восток и Запад вышли еще во времена античности. С тех пор мир размышляет на тему их единства и противоречия. Но еще раньше родились многие легенды и мифы, рассказывающие одни и те же истории о мире и характерах людей. Придуманные сотни и тысячи лет назад народами, разделенными океанами, они, эти сюжеты, служат прекрасной иллюстрацией общности культур и вечных ценностей, еще раз подтверждающей парадокс — за каждым противостоянием Востока и Запада стоит огромное желание понять друг друга и быть вместе.

Одна из особенностей Востока и Запада — они составляют один мир.

Татьяна Межелайтис Проект  Восток -- Запад

Татьяна Межелайтис
Проект
Восток — Запад

Есть еще нечто общее, что объединяет их навсегда — солнце, встающее на Востоке, и уходящее за горизонт на Западе. Его движение можно прочитать в этом фотопроекте. Тема оказалась очень актуальной в наше время, несмотря на то, что авторы не ставили цель придать ей политического значения, тема «Восток-Запад», так или иначе, волнует сегодня всех.

PS. На самом деле, в правилах языка, «Восток — Запад» соединены не дефисом, а тире с пробелами, но не буду менять свой текст, пусть останется, так они еще ближе друг другу )
Александра Загряжская

Журналист ПЕТР ВЕРШИНИН. Иллюстратор ДАНИЭЛА РЯБИЧЕВА. Познавательный проект для детей и подростков КНИЖКИ ОТ ПАПЫ. История мира, традиции и культура народов в издании СЕКРЕТНАЯ КНИГА ДЛЯ ПУТЕШЕСТВИЙ ВО ВРЕМЕНИ

Проект «Книжки от папы» журналиста Петра Вершинина — один из самых заметных среди познавательных и образовательных изданий для детей и подростков. Увлекательно изучать исторические события, традиции и культуру народов мира предлагает «Секретная книга для путешествий во времени» и дополнение к ней, которое может быть самостоятельной игрой с детальным представлением исторических костюмов. Книга составлена в виде энциклопедии с иллюстрациями и краткими запоминающимися описаниями. Главные персонажи истории предстают на страницах в ярких образах, но главная интрига в том, что юный читатель и сам оказывается буквально в центре происходящего вместе с героями. Да! Юный владелец книги видит себя главным героем сначала среди джунглей до начала времен, где он гуляет вместе с динозаврами, а затем среди культурных центров древних цивилизаций, где он смотрит на мир в одном сюжете с фараонами, царями, знаменитыми учеными и поэтами, исследователями и первооткрывателями. Иметь такую книгу — прекрасная подарок на всю жизнь, в которой юный владелец легко узнаваем в персонаже с портретным сходством, созданным по его фотографиям. Отличная идея! По этому увлекательному учебнику может учиться не одно поколение семьи! Узнайте о проекте Петра Вершинина с иллюстрациями «Книжки от папы», в котором уже участвуют сотни юных путешественников во времени. Когда книга — лучший подарок! От родителей, от близких, от друзей, от автора прекрасной идеи!

На фото Олимпия, одна из путешественников во времени "Секретной книги" Петра Вершинина

На фото Олимпия, одна из путешественников во времени «Секретной книги» Петра Вершинина

А у вас в детстве была такая игра, в которой коллекцию вырезанной одежды надо примерять на картонную фигурку? Так вот — в этом году следующим изданием проекта «Книжки от папы» Петра Вершинина, вслед за энциклопедией «Секретная книга для путешествий во времени» стала игра, в которой юный читатель открывает для себя костюмы представленных эпох.

Интересно, что также как и в издании «Секретная книга для путешествий во времени» по фотографии создается образ владельца игры, к которой прилагаются страницы с коллекцией костюмов.

Их можно вырезать и примерять на себя.

Для мальчиков — страницы с мужскими костюмами, для девочек — с женскими.

Всего более 56 иллюстраций детализованной исторической одежды.

На фото Олимпия, одна из путешественников во времени «Секретной книги» Петра Вершинина.

Олимпия — дочка художника Даниэлы Рябичевой, проиллюстрировавшей этот проект журналиста Петра Вершинина.

Усадьба САЛТЫКОВЫХ-ЧЕРТКОВЫХ. Рождественский праздник ЦАРСКАЯ ЕЛКА


Уже несколько сезонов в Москве очень популярны Рождественские встречи в стиле Царской России, проходящие в самых красивых старинных особняках столицы. Одна из самых интересных проходит в этом доме, считающимся жемчужиной архитектуры.

Усадьба Салтыковых-Чертковых в стиле рококо с богатой лепниной, пилястрами, скульптурными элементами среди всех московских особняков считается одним из главных особняков-аристократов. Невозможно пройти мимо, не залюбовавшись этим домом на Мясницкой.

Храм Успения Пресвятой Богородицы в Путинках в центре Москвы расположен недалеко от Усадьбы, и гости Царской елки в своем большинстве — это прихожане этого храма. Праздник традиционно проходит по сценарию, в который входят мастер-классы, спектакль, угощения, камерный концерт, подарки для детей.

ИЛЬЯ КОМОВ, ОЛЬГА МОТОВИЛОВА-КОМОВА, МАРИЯ КОМОВА в экспозиции в РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ. Рубрика ДИНАСТИИ. Публикация СОФИИ ЗАГРЯЖСКОЙ


София Загряжская:
Сколько новых взаимосвязей в творчестве близких по духу художников открывают искусствоведы, изучающие такой феномен, как художественные династии! Как интересно и, вместе с тем, радостно наблюдать произведения, в которых узнаваем не только авторский стиль, но и художественное влияние на искусство друг друга. Когда мастеров объединяет общая профессия и искренняя дружба, но еще больше — семья и любовь, их творчество приобретает особенный неисчерпаемый потенциал. Илье Комову —60! И этот замечательный его юбилей был ознаменован выставкой семьи мастера. Вместе с Ильей Олеговичем в экспозиции в Российской Академии художеств приняли участие жена художника Ольга и дочь Мария. За плечами каждого не только личный художественный опыт, но и творчество старшего поколения семьи. Илья и Ольга — дети знаменитых своих родителей, а затем и дочь их Мария выросли в атмосфере творчества с раннего детства. И эта выставка — яркое представление уникального феномена — художественной династии, связи поколений, традиции и современности.

Критики с удовольствием изучают творчество Ильи Комова еще и потому, что художник постоянно дает новый информационный повод — новые картины составляют циклы произведений, богатые по числу работ и масштабу идеи. Каждая серия — посвящение любимым местам, истории, событиям, нашим современникам или актуальным темам. Чаще других определений упоминают колористику работ. Илья Комов мастерски владеет цветом и тайнами эмоционального влияния каждого оттенка, каждого сочетания. В его работах цвет отражает характер и настроение с особенной силой, потому что Илья Комов парадоксально, будто знает некую формулу сочетаний, использует цвет неожиданно, придавая изображениям новую гармонию, новое звучание краскам. По словам художника, он ещё далеко не завершил свои поиски, и, несмотря на юбилей, он ещё на пути к главным своим работам.

Ольга Комова-Мотовилова с особенной любовью пишет картину малых городов России. Художник описывает простую жизнь людей вблизи природы с такой искренностью и сердечной добротой, находя в видах узких улочек, в сельском быте и труде, в народном творчестве такую красоту и радость, что незатейливые сюжеты выглядят ярким праздником в ее картинах.

Мария Комова — представляет младшее поколение династии. Живописец, график и художник по стеклу, Мария создает композиции, в которых сочетается следование традициям и использование современных технологий. У каждого из последователей художественной династии собственный почерк, но прослеживаются общие предпочтения в выборе тем, в использовании цвета, в стремление привнести прекрасное в этот мир и отразить его красоту, но главное — стремление к высокому профессионализму и любовь к искусству. Эта экспозиция — подарок юбиляру от самых близких людей, произведения которых подчеркивают уникальность творчества каждого, любовь и благодарность.

ПАВЕЛ МОРАЛЕС. Выставка СВЕТ, РОЖДАЮЩИЙ ДВИЖЕНИЕ. До 23 января 2026 года. Адрес: МОСКВА, ЛАВРУШЕНСКИЙ переулок, дом 15, строение 1 . ТСХР

В выставочном зале изобразительных искусств Творческого союза художников России «Лаврушинский`15» открылась персональная выставка современного российского художника, члена ТСХР Павла Моралеса (Павла Кутелева) «Свет, рождающий движение».

Афиша Выставки Павла Моралеса "Свет, рождающий движение" до 23 января 2026 года Москва, Лаврушенский переулок, дом 15, строение 1 ТСХР

Афиша Выставки
Павла Моралеса
«Свет, рождающий движение»
до 23 января 2026 года
Москва, Лаврушенский переулок, дом 15, строение 1
ТСХР

Автор специализируется на создании иммерсивных стерео-композиций, которые зритель воспринимает в виде многомерных визуальных историй. Эти произведения сочетают глубину, симметрию, пространственные эффекты и оптические иллюзии, создавая эффект присутствия и вовлечённости.

Его работы бросают вызов восприятию и приглашают зрителя взаимодействовать с пространством, светом и движением на совершенно новом уровне. Имея портфолио из более чем 100 оригинальных работ, Павел исследует глубину, симметрию и иллюзию, превращая плоскость в многомерные повествования. Каждое произведение тщательно проработано, чтобы предложить не только визуальный, но и эмоциональный и пространственный опыт.

Художник разрабатывает авторский стиль, в котором объединяются элементы живописи, скульптуры и цифровой готики. Его творчество охватывает как абстрактные, так и тематические сцены, включая аллегорические сюжеты, портреты и мифологические образы.

Павел Моралес родился 1 мая 1965 года в России, имеет ученую степень доктора наук, член Творческого союза художников России. Художественное образование получил самостоятельно, совмещая традиционные и цифровые методы создания образов. С начала 2010-х годов активно занимается разработкой и созданием стерео-картин, предназначенных для восприятия в многослойной оптической перспективе без использования дополнительного оборудования.

Посетить экспозицию можно будет до 23 января 2026 года.
Место проведения: Москва, Лаврушинский пер., 15, стр. 1
ТСХР

У него не было учителей и наставников, по его признанию, основную информацию о технологии Павел почерпнул из статей, опубликованных в интернете. Полагался на свой вкус и опыт, создавая свою первую 3D-картину около 15 лет назад и возвращался к ней в течение трёх месяцев ежедневного упорного труда. С тех пор перепробовал множество программ, выбирая инструменты, пока не остановился на тех, которые сегодня помогают ему создавать стереокартины, воплощающие новую реальность в его работах. Сейчас в коллекции художника более 100 авторских работ в сложнейшей технике — множество трёхмерных изображений соединяются в единую композицию, — так появляется глубина и трехмерность. Эти работы, по словам Павла Моралеса — «трёхмерные голографические композиции, собранные и реализованные с использованием технологии светового поля».

Павел Моралес: Они в полной мере технологичны, так как содержат признаки научного, технического и творческого соединения и выполнены на основе оригинальных авторских решений. Уровень проработки и детализации работ позволяет добиться не только максимально глубокого 3D-эффекта без извлечения и размытия, но и выйти за пределы человеческого восприятия, открыть новую реальность, ранее скрытую от глаз.

ФЕСТИВАЛЬ КИТАЙСКОЙ ЖИВОПИСИ ГУНБИ. Выставка СТО ПИОНОВ в ГОСУДАРСТВЕННОМ МУЗЕЕ ВОСТОКА продлится до 25 января 2026 года. Адрес: МОСКВА, НИКИТСКИЙ бульвар, дом 12А.

Министерство культуры РФ
Государственный Музей Востока
представляют

ФЕСТИВАЛЬ КИТАЙСКОЙ ЖИВОПИСИ ГУНБИ
«СТО ПИОНОВ»
до 25 января 2026
Москва, Никитский б-р, 12А

Музей Востока принимает в своих стенах Седьмой Фестиваль китайской живописи гунби – выставку «Сто пионов».  В экспозиции представлены разные стили и жанры традиционной китайской живописи: более 150 произведений. Их создали 80 китайских и отечественных художников.

 

Центральное место в экспозиции заняли работы участников проектов «Сто пионов» и «Цветущие иероглифы». Вдохновением для авторов стал «Сборник ста сортов пионов», написанный китайским художником Цзян Тинси для императора Юнчжэна маньчжурской династии Цин (1723-1735).  В сборнике – 92 вида пионов, участники проекта повторили 40 из них.

 

«Благодаря своей красоте пионы на протяжении тысячелетий украшали императорские сады Поднебесной и были доступны только знати, за что получили статус «царя цветов» и стали олицетворением власти, достоинства и величия. Пионы – национальный символ Китая и один из основных мотивов в традиционной китайской живописи. Их изображения служат выражением благопожелания богатства, славы и процветания. В русской культуре пион также имеет глубокое символическое значение и ассоциируется с памятью и уважением к прошлому. В этом смысле серия «Сто пионов» в высшей степени созвучна проекту «Цветущие иероглифы», посвященному 80-летию Победы в Великой Отечественной войне», – объяснила куратор выставки, художник Оксана Шарова.

 

«Пионы так прекрасны и аромат их так чудесен, что мир будет длиться вечно» – эту фразу составили участники проекта «Цветущие иероглифы» из восьми иероглифов. Они превратили письменные знаки в произведения искусства, выполненные в жанре «цветы и птицы» – наиболее популярном для создания картин в стиле гунби.

 

С китайского языка «гунби» дословно переводится как «тщательная или прилежная кисть». Этот стиль, зародившийся около 2000 лет назад, отличают реалистичность и особое внимание к деталям. Работая в технике гунби, мастер сначала прорисовывает тушью контур изображения, а затем заполняет рисунок минеральными красками, нанося их слой за слоем.

 

«Поскольку такие краски весьма долговечны и создают яркий колер, картины в стиле гунби выглядят очень декоративно. Именно в этой технике работали китайские художники, оформлявшие росписью интерьеры дворцов императора и знати», – рассказала куратор выставки, президент Московского клуба китайской живописи гунби Юлия Толмачёва.

 

Гунби – эталон перфекционизма в китайской живописи. Это один из самых трудоёмких стилей, который служит отображением китайского менталитета: погони за недостижимым совершенством, полного посвящения себя работе, глубокого уважения к традициям. Насколько он оказался близок российским художникам, гости фестиваля могут понять, сопоставив произведения мастеров двух стран. Среди участников экспозиции – Ян Пэйсюань, член Союза художников Китая, рекомендованный художник Ярмарки искусств Гуанчжоу, впервые представляющая свои работы в России, а также последователи традиционной китайской живописи, хорошо известные как у себя на родине, так и российским зрителям, преподаватели Онлайн Школы Гунби: Ту Чжунь, Чжоу Бин, Ли Чжэ и Гун Сюэцин.

 

К выставке планируются образовательные мероприятия: экскурсии, лекции и мастер-классы.

 

Фестиваль организован Московским клубом любителей китайской живописи гунби при поддержке Китайского культурного центра в Москве. Он продлится до 25 января 2026 года.

 

Фестиваль китайской живописи гунби в Москве впервые прошел в 2018 году. Он проводится один раз в два года. За это время его посетили более 60000 человек, почти 1600 стали участниками мастер-классов.

 

Кураторы выставки: Лидия Шмотикова, Юлия Толмачева, Оксана Шарова