Скульптор ДМИТРИЙ (ДАНИИЛ) РЯБИЧЕВ. Сто лет со дня рождения мастера (1926 — 1995 гг..)

Две знаменательные даты в этом и следующем году связаны с именем скульптора Дмитрия (Даниила) Борисовича Рябичева. Его работы изучают сегодня в художественных институтах наряду с другими выдающимися произведениями классиков и современников.

Скульптор-монументалист Дмитрий Рябичев — автор многих известных скульптурных композиций и скульптурно-архитектурных ансамблей, установленных в России и в мире.

 Скульптор Дмитрий Борисович Рябичев Мемориал воинам-сибирякам  в городе Омске  (Архитектор Н.А.Ковальчук )  гранит, чугун, 1975 г.

Скульптор
Дмитрий Борисович Рябичев
Мемориал воинам-сибирякам
в городе Омске
(Архитектор
Н.А.Ковальчук )
гранит, чугун, 1975 г.

София Загряжская, искусствовед: «Очень понятно желание мастера поступить в архитектурный институт по окончании войны (с 1946 до 1950 года Дмитрий Рябичев учился в Ленинградском инженерно‑строительном институте на факультете архитектуры, а затем — в московской Строгановке на факультете скульптуры), он, участник войны почти с самого ее начала и до Победы, видел множество бедствий и разрушений, и когда наступила мирная жизнь, мечтал посвятить себя воссозданию страны и отражению в творчестве подвига народа.
Мемориал воинам-сибирякам в городе Омске — один из самых масштабных монументов, посвященных теме Великой Отечественной войны. Композиция состоит из двух основных частей — в него включены фигура женщины-сибирячки и мальчика, длинная аллея — «Дорога войны», вдоль которой протянута линия каменных глыб с рельефами на тему солдатского подвига. Завершает композицию фигура, символизирующая апофеоз Победы, выраженный в фигуре воина-победителя.
Такая лаконичность объемно-изобразительного материала подчеркивает стремление скульптора создать композицию-символ. Ансамбль как бы включает зрителя непосредственно в пространство мемориала. В какой бы точке ансамбля не находился посетитель, он одновременно наблюдает две крайние фигуры, находящиеся в тесном эмоциональном взаимодействии. Женщина и ребенок на одном конце ансамбля с волнением всматриваются вдаль, откуда возвращается дорогой им человек. На лице их написаны тревожное ожидание, смирение, боль от пережитой трагедии военных потерь. Руки женщины положены на плечи мальчика. И здесь так же скульптор использует язык жестов и положения рук. Одна рука мальчика приложена к груди, что выдает его эмоциональное состояние, другая, хотя и опущена вниз, но сжата в кулак, что является символом готовности к защите близкого человека. (Надо заметить, что прообразом мальчика послужил детский портрет Александра Рябичева – сына Дмитрия Борисовича).
Между воином и его семьей проложена длинная дорога, замощенная квадратными бетонными плитами, ее протяженность символизирует непростой и длинный путь военных лет, и являет собой образ долгой разлуки и преодоления. Чтобы пересечь расстояние между воином и женщиной с ребенком, зритель проходит линию каменных рельефов, изображающих сцены войны, самоотверженную гибель солдат, самопожертвование во имя Родины и спасения своих товарищей в бою.»

Среди других мемориалов омский ансамбль отличается еще одной особенностью – созданный в честь воинов-сибиряков, посвященный подвигу сотен тысяч солдат, которые отправились из Сибири на фронты Великой Отечественной войны, он не является местом захоронения погибших и не находится на месте военных событий. Мемориал в Омске стал одним из самых значительных скульптурно-архитектурных ансамблей посвященных Победе в Великой Отечественной войне.

Скульптор   Дмитрий Борисович Рябичев  в своей мастерской (1980-ый год)

Скульптор
Дмитрий Борисович Рябичев
в своей мастерской (1980-ый год)

Дмитрий Рябичев создал множество памятников, портретов и монументальных композиций, установленных в городах России и стран СНГ (Москва, Владимир, Иваново, Коломна, Омск, Душанбе, Ташкент и др.), а также работал за рубежом (Финляндия, Швейцария, Индия, Германия.

София Загряжская, искусствовед: «В эти дни в Коломне представляют проект по обновлению памятника «Коломенцам, отдавшим жизнь за Родину в 1941–1945 годах, благодарные земляки». И снова вспоминается история и создания памятника и история подвига, которому он посвящен.»

Во время Великой Отечественной войны Коломна оказалась на пути врага, прорывавшегося к столице. Жители проявили решительность, многие тогда записались в части народного ополчения, которые в большинстве состояли из тех горожан, которые не подлежали призыву в армию. А сам город превратился в центр формирования артиллерийских и стрелковых соединений. За четыре года войны из Коломны было мобилизовано почти тридцать шесть тысяч человек, более четверти из них погибло. В память об их подвиге в центре города был возведен мемориальный комплекс, и зажжен Вечный огонь…

Этот памятник, как и сам парк, в котором он установлен, появился во многом благодаря добровольным пожертвованиям жителей Коломны, в знак благодарности своим погибшим в Великой Отечественной войне землякам.

Мемориал включает три арт-объекта, образующих единую скульптурно-архитектурную композицию. Основная главная часть ансамбля — памятник Неизвестному солдату, представляющий собой высокий рельеф пятиметровой высоты, выступающий из куба. Образ солдата, сжимающего винтовку — олицетворение мужественности, стойкости, героизма. Взгляд его прямой и решительный, кажется обращен в пространство, где композиционно по направлению взгляда солдата расположена скульптура «Скорбящая Юность» — девушка с опущенной в почтении и раздумье головой, с лавровой ветвью в руке. Эта полнофигурная скульптура совсем иной образ — нежный, хрупкий, ранимый, олицетворяющий мир, нуждающийся в защите.
Вечный огонь — расположен в центре постамента, облицованного гранитом, между памятником солдату и гранитной плитой с надписью: «Коломенцам, отдавшим жизнь за Родину 1941–1945, благодарные земляки».

Скульптор  Дмитрий Борисович Рябичев Мемориал,  посвященный памяти погибших Воинов-коломенцев

Скульптор
Дмитрий Борисович Рябичев
Мемориал,
посвященный памяти
погибших Воинов-коломенцев

София Загряжская, искусствовед: «Склоненная вниз в сторону вечного огня и символа-воина, женская голова олицетворяет смирение и покорность судьбе, готовность к испытаниям, что являет собой противоположные качества, выраженные в образе солдата. Контраст образов являет так же различие в композиционном решении компонентов ансамбля. Здесь скульптор Дмитрий Рябичев в одном проекте использует разные скульптурные жанры, каждый из которых мог бы стать самостоятельной скульптурой. Образы взаимодействуют не явно, но объеденные единой темой в ансамбле подчеркивают значение друг друга. Этот факт составил своеобразный диалог контрастов, что создает психологическое напряжение архитектурного ансамбля, усиливает его эмоциональное воздействие.»

Скульптор  Дмитрий Борисович Рябичев (справа) с коллегами (фото из архива Александра и Даниэлы Рябичевых)

Скульптор
Дмитрий Борисович Рябичев (справа)
с коллегами
(фото из архива Александра и Даниэлы Рябичевых)

 Скульптор Дмитрий Борисович Рябичев в мастерской 80-ые годы.

Скульптор Дмитрий Борисович Рябичев в мастерской 80-ые годы.

Творческая Мастерская Рябичевых скульптура, живопись, графика, арт-фото,

Творческая Мастерская Рябичевых

Один из ярких мастеров истории искусств двадцатого века. Памяти скульптора посвящены все проекты, которые сегодня осуществляет эта творческая студия. Здесь проходят выставки, концерты, творческие вечера, мастер-классы, создают произведения искусства (скульптуру, живопись, графику), реализуют авторские программы. Многие художники имеют возможность представить свои работы в Мастерской Рябичевых в проектах, которые выходят за рамки студии и становятся известными в Москве. Выставки Мастерской видели в ЦДХ, Дипломатической Академии МИД РФ, московских галереях и выставочных залах, музеях Москвы. Сегодня в Мастерской продолжают работу Александр и Даниэла Рябичевы и другие московские мастера, продолжающие лучшие традиции современного и классического искусства.
В 2027 году Творческой Мастерской Рябичевых исполняется 60 лет.

Галерея ARTSTORY представляет выставочный проект: ИРА ГРИГОРЬЕВА. И СОЛНЦЕ И ЛУНА. С 30 апреля до 28 июня 2026 года. Адрес: МОСКВА, СТАРОПИМЕНОВСКИЙ переулок, дом 14

Ира Григорьева "Восход Луны" 2020 г.

Ира Григорьева
«Восход Луны»
2020 г.

Галерея ARTSTORY представляет персональный проект Иры Григорьевой «И солнце и луна». Выставка пройдет в галерее с 30 апреля по 28 июня 2026г.
В разгар весны – начале лета многие посетители особенно будут рады увидеть романтичные, нежные образы девушек, «тайные сады», «балеты» и «арлекинов», «грозовые ночи» и «небесные явления» в произведениях из одноименных серий, исполненных в акварельной технике, в которой работает Ира Григорьева.

Ира работает только по сухому листу, и все акварельные цветные заливки и пятна возникают благодаря локальному смачиванию водой отдельных участков работы.

Техника акварели крайне капризна и не дает права на ошибку. «Сопротивление материала, в моем случае акварели, дает возможность добиться особой выразительности произведения», – говорит автор. Уверенная кисть художника позволяет создавать тонкие сочетания цвета, света и формы: они превращают работы в настоящую оптическую игру. На расстоянии заливки и цветовые пятна собираются в стройную сюжетную линию.

Ира Григорьева "Мостик" 2024 г.

Ира Григорьева
«Мостик»
2024 г.

Свет в произведениях Григорьевой выступает, пожалуй, одним из главных героев, ведь акварель дает широкий простор для создания светотеневых образов, населяющих композиции акварельных листов. Художественные приемы Григорьевой дают ощущение вибрации бумаги, а наложение пятен друг на друга в сочетании с игрой света добавляет работам эффект мерцания.

Несколько лет назад Григорьева начала экспериментировать с форматами. От небольших размеров произведений, более привычных для акварельной техники, в последних сериях автора появился новый впечатляющий масштаб, практически невероятный формат для акварели – более двух с половиной метров по большой стороне картины. Акварели составлены в диптихи и триптихи. «Несмотря на традиционную «камерность» акварели, большой формат предлагает очень интересные решения, многослойность в этом случае оправдана и выглядит сложно», – считает художник.

Григорьева работает сериями: темы разворачиваются в ряде листов, каждый из которых самодостаточен и самостоятелен. Однако все работы могут вступать в диалог друг с другом, тем самым, образуя единый художественный образ и целостное высказывание.

Сравнивая произведения разных лет, можно увидеть, как меняется ее художественный язык. Художник постепенно уходит от академичности и четких форм в сторону более свободных решений. Стремление Иры к абстракции выражается и в переходе от сдерживающих графику линий к менее предсказуемым пятнам. В этом движении чувствуется стремление к свободе и более условному, метафорическому языку.

Загадочные лица девушек, танцовщицы в пачках, луна и облака, будто в полупрозрачном флере. Что-то неуловимо знакомое, теплое и одновременно таинственное в этих акварелях. Не исчезла в дымке преемственность поколений – вспоминаются и женские образы Артура Фонвизина, и работы символистов Серебряного века, начиная с Михаила Врубеля и Виктора Борисова-Мусатова.

В рамках выставочного проекта будет издана и представлена книга, посвященная творчеству Иры Григорьевой. Издание раскрывает ключевые аспекты ее художественного метода, обращаясь к поэтичным и романтичным работам художника, их символике, образам и особенностям акварельной техники. Книга становится своего рода продолжением экспозиции, позволяя глубже погрузиться в художественный мир Григорьевой.

Ира Григорьева родилась в 1969 году в Омске. В 1989 году с отличием окончила Оренбургское художественное училище. В 1997 году окончила Магнитогорский государственный университет, где училась на факультете художественной графики. С 2002 года член Союза художников России. Живет и работает в Москве. Награждена золотой медалью «Достойному» Российской академии художеств (2022, Москва), а также серебряной медалью «За заслуги в развитии изобразительного искусства» МСХ (2022, Москва).
***
Куратор выставки: Анна Апресян
Галерея ARTSTORY: Москва, Старопименовский пер., д. 14 (м. «Тверская», «Маяковская»). Ежедневно, кроме понедельника, с 12.00 до 20.00. Вход по билетам (100–200 руб.).
Тел. 8 (495) 650-75-54 www.art-story.com

Ира Григорьева "Синяя гроза" 2024 г.

Ира Григорьева
«Синяя гроза»
2024 г.

Ира Григорьева "С мамой в саду" 2022 г.

Ира Григорьева
«С мамой в саду»
2022 г.

India: Three Perspectives

More details and registration
Выставка Константина Полякова (Ганди) фото Посольство Республики Индия.Арт-Релиз.РФ

On April 6, 2026, the exhibition “India: Three Perspectives” opened at the historic Ilya Glazunov Art Gallery. The event was inaugurated by H. E. Vinay Kumar, Ambassador of India to the Russian Federation, who highlighted the important role of art in strengthening the ever-deepening ties between the peoples of India and Russia.

Elena Zhelnova, Head of the Exhibition Department at the gallery, expressed her hope for continued collaboration in the future. Elizaveta Stupanskaya, Deputy Secretary General of the Russian Association for International Cooperation and Responsible Secretary of the Friendship Society with India, delivered a greeting message on behalf of the Association’s and Society’s leadership.

The exhibition features works by three artists — Shanti Kushwaha, Konstantin Poliakov, and Larisa Prasolova — all inspired by India.

It will be open from April 7 to 16, 2026, in the Attic Hall of the gallery (13 Volkhonka St., near Kropotkinskaya metro station).

Выставка Константина Полякова (Ганди), фото Посольство Республики Индия.Арт-Релиз.РФ

Выставка Константина Полякова (Ганди).Арт-Релиз.РФ

ИНДИЯ: ТРИ ВЗГЛЯДА. До 16 апреля 2026 года продлится выставка в ГАЛЕРЕЕ ИЛЬИ ГЛАЗУНОВА. Адрес: МОСКВА, улица ВОЛХОНКА, дом 13

Открытие выставки "Индия: Три Взгляда" Адрес: Москва, Волхонка, 13 до 16 апреля 2026 года

Открытие выставки
«Индия: Три Взгляда»
Адрес: Москва, Волхонка, 13
до 16 апреля 2026 года
фото: Посольство Республики Индия, Культурный центр имени Джавахарлала Неру

В исторической Галерее Ильи Глазунова работает выставка «Индия: три взгляда». В экспозиции представлены работы трех художников — Шанти Кушвахи, Константина Полякова и Ларисы Прасоловой, объединенные темой Индии.

Открытие выставки прошло при участии Посла Индии в Российской Федерации Его Превосходительства Виная Кумара, который отметил важную роль искусства в укреплении и развитии культурных связей между народами Индии и России.

Начальник экспозиционно-выставочного отдела Галереи Елена Желнова выразила надежду на дальнейшее плодотворное сотрудничество. Заместитель генерального секретаря Российской ассоциации международного сотрудничества, ответственный секретарь Общества дружбы с Индией Елизавета Ступанская зачитала приветственное обращение от имени руководства Ассоциации и Общества.

Выставка открыта для посещения до 16 апреля 2026 года в Галерее Ильи Глазунова — Зал на мансардном этаже (ул. Волхонка, 13, м. «Кропоткинская»).

Регистрация обязательна
Для входа необходимо предъявить QR-код, полученный после регистрации, на кассе Галереи.

График работы Галереи: со вторника по воскресенье с 11:00 до 19:00, в четверг — с 11:00 до 21:00. Понедельник — выходной.

Посол Республики Индия в Российской Федерации Его Превосходительство Господин Винай Кумар на вернисаже  "Индия: Три взгляда" фото: Посольство Республики Индия, Культурный центр имени Джавахарлала Неру

Посол Республики Индия в Российской Федерации Его Превосходительство Господин Винай Кумар
на вернисаже
«Индия: Три взгляда»
фото: Посольство Республики Индия, Культурный центр имени Джавахарлала Неру

Участник выставки "Индия: Три взгляда" Константин Поляков (Ганди)  проводит экскурсию для гостей вернисажа фото: Посольство Республики Индия, Культурный центр имени Джавахарлала Неру

Участник выставки
«Индия: Три взгляда»
Константин Поляков (Ганди)
проводит экскурсию для гостей вернисажа
фото: Посольство Республики Индия, Культурный центр имени Джавахарлала Неру

ЛАБИРИНТ. Порой стоит войти в лабиринт, чтобы обрести те самые «нити Ариадны», которые подарят новые логические решения, новые возможности и новые неожиданные повороты судьбы

Фотограф: Сергей Яковлев Каменный лабиринт на острове Большой Заяцкий Соловецкого архипелага. Россия, Архангельская область, Приморский район, Соловки

Фотограф: Сергей Яковлев
Каменный лабиринт на острове Большой Заяцкий Соловецкого архипелага. Россия, Архангельская область, Приморский район, Соловки

  "Лабиринт из камней и ракушек на золотом фоне" фото: А. Загряжская


«Лабиринт из камней и ракушек на золотом фоне»
фото: А. Загряжская

Интересно, что лабиринт, как образ, символ и архитектурная форма появился издавна во многих культурах, не имеющих, казалось бы, общих корней и связей.

Объяснением этому, возможно, может служить тот факт, что лабиринты — нерукотворные, а естественно образованные на Земле временем и стихиями, — встречаются на разных континентах, и, таким образом, идея их создания могла быть заимствована у природы, а позднее трансформирована художественным воображением, наделившем лабиринты загадочными особенностями в мифах и легендах.

***

Архитектурные лабиринты известны почти во всех цивилизациях. В Древнем Китае, в Индии, в средневековой Европе — везде, где были построены лабиринты, им придавали сакральные смыслы.

У одних народов лабиринт символизировал подземное пространство, у других — небесное. И эта двойственность также отражена в самой сути лабиринта. Он может стать как смертельной ловушкой, так и спасением после испытания, дарующего преображение.

Лабиринт можно рассматривать и как символ множественности реальности, когда каждое событие может иметь бесчисленное число вариантов развития.

***

Как изображения лабиринтов можно рассматривать и некоторые народные орнаменты. Повторяющиеся геометрические рисунки, украшающие посуду и одежду людей, разделенных издревле океанами, также имеют многие общие черты.

Спираль -- одна из известных форм лабиринта фото: А. Загряжская

Спираль — одна из известных форм лабиринта
фото: А. Загряжская

***
В Писании нет прямых описаний лабиринтов, но, например, Иерихон в средневековых рукописях часто изображали в виде лабиринта — круглого или прямоугольного, изображение могло использоваться как оберег, за «семью стенами» Иерихон был спрятан от внешнего мира и врагов.

Образ Вавилонской башни может также рассматриваться как один из символов лабиринта.

В Библии также нет точного описания ее архитектурной формы, но во многих известных изображениях Вавилонская башня имеет вид лестницы в небо, поднимающейся по спирали. А спираль, как известно, является одной из разновидностей лабиринта.

Здесь в ассоциации с лабиринтом можно также рассматривать исход события — невозможность завершения возведения Вавилонской башни из-за несовершенства духа и заблуждений.

В природе спирали, связанные с числами Фибоначчи, можно наблюдать в расположении лепестков цветов, в рисунке ракушек и даже в движении некоторых морских обитателей фото: А. Загряжская

В природе спирали, связанные с числами Фибоначчи, можно наблюдать в расположении лепестков цветов, в рисунке ракушек и даже в движении некоторых морских обитателей и природных явлений
фото: А. Загряжская

***

Спираль Фибоначчи — еще один значительный символ в природе, искусстве, архитектуре и даже мировоззрении. Несмотря на то, что спираль Фибоначчи и лабиринт — имеют разные интерпретации, есть несколько символических пересечений этих образов.

***

Природные лабиринты в скалах или пещерах зачастую выглядят как запутанные дороги, и, как правило, образ лабиринта, в первую очередь, олицетворяет путь со множеством преград, загадок, вариантов решений.

Так лабиринту можно придать множество философских смыслов, от символа мироздания до скрытых глубин человеческого разума.

***

Лабиринт одновременно пугает и интригует. В лабиринте легко потеряться, но, как ни парадоксально, именно это и является одной из самых притягательных его особенностей.

***

автор: Александра Загряжская  "Лабиринт Минотавра"

автор: Александра Загряжская
«Лабиринт Минотавра»
«Нить Ариадны» — ключ к решению проблемы

***

Самый известный лабиринт связан с именем Минотавра — чудовища, которому в качестве дани присылали самых красивых девушек и юношей, до тех пор, когда легендарный Тесей, отправился с молодыми людьми, чтобы не только победить Минотавра, но и найти путь назад.

Влюбленная в Тесея прекрасная Ариадна научила его, как выбраться из лабиринта с помощью нитей.

Проложив путь от входа до чертогов чудовища, юноша, победив человека-зверя смог вернуться обратно. Способ такого спасения стал еще одной метафорой, пришедшей из мифа о лабиринте.

«Нить Ариадны» — выражение, которое означает способ чудесного решения, благодаря которому можно выйти из затруднительного положения.

***

Иногда стоит войти в лабиринт, чтобы обрести те самые «нити Ариадны», которые подарят новые логические решения, новые возможности и новые неожиданные повороты судьбы.

***

автор: Александра Загряжская Иногда приходится войти в лабиринт, чтобы   обрести те самые "Нити Ариадны", чудесные логические подсказки для развязки сложных ситуаций

автор: Александра Загряжская
Иногда приходится войти в лабиринт, чтобы обрести те самые «Нити Ариадны», чудесные логические подсказки для развязки сложных ситуаций

***

Благодаря мифам о чудесных спасениях, преодолениях многих испытаний в трудном запутанном пути и обретению правильного выбора, лабиринт стал символом возрождения ведущего к новой жизни. Прохождение через лабиринт символизирует новое рождение человека, его преображение после многих испытаний.

***

Образ лабиринта в некоторых культурах использовался как оберег. Так китайские пагоды имеют устремленный к небу край крыш, имеющий название «летящий край» или «летящий карниз».
Такая архитектура, в первую очередь, преследует инженерные и эстетические соображения, но существует и легенда, согласно которой, изогнутая крыша оберегает владельцев, считается, что злые духи могут запутаться в столь усложненной архитектуре и для них такие «летящие карнизы» станут ловушками, лабиринтами, из которых не выбраться.

Меандр -- орнамент, известный со времен палеолита.  "Бесконечный лабиринт"  фото: А. Загряжская

Меандр — орнамент, известный со времен палеолита.
«Бесконечный лабиринт»
фото: А. Загряжская

***

Одним из самых ярких примеров древнейшего орнамента-лабиринта является меандр — геометрический рисунок, повторяющиеся элементы которого составляют декоративную ленту.

Принято считать, что орнамент меандр — это геометрическое изображение волны.
Возможно, такое мнение сложилось из этимологии названия, Меандр — древнее название реки Большой Мендерес, известной крутыми петляющими поворотами.

Сам рисунок также напоминают изображение волны. Но известно также, что меандр называют «бесконечным лабиринтом».

***

Эта публикация находится в процессе создания и будет дополнена в ближайшее время иллюстрациями и комментариями.

АЛИСА СУПРОНОВА. Фестиваль МУЗЫКА ПОДРУЖИТ НАС и авторский проект НАШИ ПЕСНИ

Алиса Супронова

В 2026 году Алиса Супронова реализует два крупных проекта: «Наши песни» — запись альбома авторских композиций, и интернациональный фестиваль «Музыка подружит нас» — концертный тур по регионам России, приуроченный к Году единства народов России. В рамках второго проекта также записывается альбом песен народов России с переводом на русский язык.

Афиша Фестиваля Алисы Супруновой

Афиша Фестиваля
Алисы Супруновой

«Музыка подружит нас» — авторский интернациональный культурно-просветительский проект Алисы Супроновой, существующий с 2018 года. Его идея — через концертные программы и живое исполнение знакомить аудиторию с языками и песенными традициями разных народов, делая их понятными широкой публике: песни звучат на национальных языках, а тексты сопровождаются переводом на русский язык.

В 2026 году проект продолжится в формате интернационального фестивального маршрута по регионам России. Проект реализуется при поддержке Президентского фонда культурных инициатив; реализацию осуществляет ООО «Суперновая».

Фестиваль охватит 6 регионов: Республика Калмыкия, Республика Бурятия, Чеченская Республика, Республика Ингушетия, Донецкая Народная Республика (ДНР), Луганская Народная Республика (ЛНР). На концертах выступают региональные артисты и национальные музыкальные коллективы (в том числе национальные оркестры); в программе каждого концерта прозвучат песни не менее чем на 6 национальных языках.

Важным итогом проекта станет выпуск уникального альбома песен народов России (с переводом на русский язык), в записи которого примут участие региональные артисты; альбом планируется к размещению на музыкальных платформах (не менее 7 композиций).

Алиса Супронова — певица, автор-исполнитель, блогер и руководитель проекта «Музыка подружит нас» — с 2018 года развивает одноимённый авторский интернациональный проект: знакомит слушателей на концертах и в соцсетях с музыкальной культурой России и других стран, исполняет песни более чем на 40 языках, а тексты сопровождает переводом на русский язык.

В 2025 году Алиса Супронова стала лауреатом IX Всероссийской общественной «языковой» премии «Ключевое слово» (ФАДН России) в номинации «Лучшая социальная инициатива». Она рекордсмен Книги Рекордов России за исполнение песни «Катюша» на 40 языках. Среди ее наград — звание заслуженного артиста Чеченской Республики (2019), именная медаль дружбы Республики Ингушетия (2020г), ведомственные медали Министерства обороны РФ: «За вклад в укрепление обороны Российской Федерации» (2023), «Генерал-майор Александр Александров» (2023), «Участнику специальной военной операции» (2024). В 2024 году Алиса Супронова удостоена медали «За заслуги перед бурятским народом» (Всебурятская ассоциация развития культуры).

EAST MEETS WEST GALLERY представляет выставку ДМИТРИЙ ТРУБИН. ЯПОНСКИЙ МИФ В СОВРЕМЕННОМ РОССИЙСКОМ ИСКУССТВЕ. С 17 апреля до 20 мая 2026 в Государственном музее — культурном центре ИНТЕГРАЦИЯ имени Н. А. ОСТРОВСКОГО

Дмитрий Трубин "Март на болоте" 2022 г.  картон, акрил 85х100

Дмитрий Трубин
«Март на болоте»
2022 г.
картон, акрил
85х100

EAST MEETS WEST GALLERY

Пресс-релиз

«Дмитрий Трубин. «Японский миф» в современном российском искусстве» 16+

East Meets West Gallery в содружестве с Государственным музеем-культурным центром «Интеграция» им. Н. А. Островского приглашает москвичей и гостей столицы с 17 апреля по 20 мая 2026 г. на новый выставочный проект «Дмитрий Трубин. «Японский миф» в современном российском искусстве».

Куратор проекта Татьяна Палеева продолжает открывать новые грани этнокультурного общения народов мира, обращаясь к диалогу культур России и Японии. Как соотнести свое мировоззрение с мировоззрением другой культуры или даже цивилизации? Как постичь ее смысл, исходя из своих представлений, своей истории и своего культурного опыта?

Перед нами две непохожие друг на друга культуры. Россия – великая континентальная держава и Япония – маленькая островная страна. Обе они различны и даже диаметрально противоположны по вероисповеданию и менталитету, однако, при этом они глубоко усваивают культуру друг друга. Различия в духовном укладе, психологической организации, нравственных нормах и эстетических принципах, как это ни странно, являются причиной того удивительного взаимного тяготения Востока и Запада, их притяжения друг к другу. Причиной этого тяготения также может являться то, что Япония имела особое значение для самоидентификации и осознания своей самобытности для России в XIX веке. В развитии этого диалога культур выделяют 3 этапа (Коньшина Н. Д. «Влияние японской культуры на литературу и живопись России конца XIX — начала XX вв., диссертация 2006 г): 1. Конец XIX—20-е годы XX вв.; 2. 70—80-е годы XX в.; 3. С 90-х годов XX— по настоящее время.
«Образ Японии» и «Японский миф» в массовом сознании поддерживается множеством русских писателей и художников.

И здесь надо учитывать два исторически сложившихся направления в восприятии культуры Японии в Европе, включая Россию: в начальный период «открытия» Японии представление об экзотической и «живописной» Японии, о Японии как о «потерянном» для Европы «рае», о гармоничности японской цивилизации и в дальнейшем, особенно после победы в Русско-японской войне, мифа о «желтой опасности», в наибольшей степени характерного для России (Молодяков В. Э. «Образ Японии» в Европе и в России второй половины XIX — начала XX в. М. Институт востоковедения РАН, 1996-12 с.)

Впитывая в себя западную стилизацию Востока, русские художники и поэты на ее основе искали и создавали свой образ Востока – образ, основанный на способности человека видеть мир непосредственно, способность образного, не понятийного мышления, интуитивного постижения законов бытия. Знакомство с японским искусством оказалось плодотворным для европейских и русских художников не только на пути создания нового пластического языка, но и менявшегося взгляда на мир с иными ценностными ориентирами.

Произведения архангельского художника Дмитрия Трубина тоже поделены на две части: во-первых, стилизации и парафразы на темы произведений средневековых японских графиков XVII – XIX вв., книжная графика в японском стиле, стихи автора, написанные в ритмах средневековой японской поэзии и, во-вторых, деревенские северные пейзажи, портреты русских людей, дополненные абсолютно современными энтомологическими объектами, которые поражают яркой метафоричностью и символизмом.

Следуя традициям обращения к творческим приемам графики японских художников, Дмитрий Трубин опирается не только на европейскую традицию, но и на русскую: на произведения И. Билибина, Т. Нарбута, Д. Митрохина, А. Остроумовой-Лебедевой. Примерами использования таких приемов и тем могут служить его работы «Большая волна. 1», «Большая волна.2», 2025 г., пейзажи с силуэтами одиноких сосен из серии «Болота», 2021-2022 гг., портреты актеров театра Кабуки. Парафразы старинных гравюр представлены им в жанрах: портрета, пейзажа, жанровых работах, натюрмортах. В них используются приемы стилизации в изображении неба, волны, подсветке контуров рисунка и других декоративных качеств японской гравюры. Японские мотивы служат автору для более интересного представления своих технических приемов, таких как изображение всех живых (людей, насекомых, животных) и любых неживых объектов с помощью жестких прямых линий и с помощью простых геометрических фигур, применяемых в конструктивизме.

Символичность и метафоризм произведений, свойственные японской графике, в которых ощущается целостность мира, включенность человека в живую природу, ощущение связи и гармонии со всей Вселенной Дмитрий представил в своей минималистической серии, посвященной северной деревне, «Деревня, которой нет». Деревенские пейзажи и просторы северной части России, портреты людей в этих деревнях (Ижмы и Едомы), выполненные набросками десятилетия назад во время поездки автора в эти места, уже в 2020-е годы стали большими станковыми произведениями, которые несут несомненные черты не только сдержанной колористики, но и яркой метафоричности, свойственные японской традиционной графике. Однако в работах Дмитрия Трубина они приобретают яркое символическое значение «русскости», которое невозможно не заметить. Интересным акцентом на выставке станут энтомологические и абсолютно современные объекты насекомых, которые встраиваются как парафраз к японским мотивам, и в то же время спокойно «живут» в пространстве русских поморских деревень.

«Деревня, которой нет» – пронзительная экспозиция из 16 работ, каждая из которых лапидарна по форме суггестивная по смыслу, как древний артефакт. Это практически археологический проект, хотя художник настаивает на вымышленности созданных им композиций. Но в их основе не только его ранние натурные зарисовки, но что много важнее – «захваченная» и транслируемая, хоть совсем в не натуралистическом виде, правда и Русского Севера. Селенья, сплоченные не планом с улицами, а, как говорят, «каменкой» – на манер каменных горок, мощь северных домов, серебряный свет на главах рубленых храмов ̶это не просто поэтика Севера, это его суть. И еще – это очень хорошая светоносная живопись». Ирина Сосновская, Seldom News, 2024 г.

«Живописную» сторону японской культуры поддерживают на выставке артефакты и предметы традиционного японского искусства из коллекции куратора Татьяны Палеевой.

Синтезированное тематическое и стилистическое многообразие работ замечательного художника Дмитрия Трубина позволяет зрителю почувствовать взаимное обогащение культур России и Японии и добавляет авторские черты в функционировании «японского мифа» в русской культуре.

Куратор проекта, директор East Meets West Gallery,
почетный член Российской академии художеств Татьяна Палеева.

Выставка работает с 17.04 по 20.05.2026
Музей Николая Островского, ул. Тверская, 14
Вход по билетам музея
Ежедневно с 9:00 до 20:00
Выходной понедельник

ostrovsky-museum.ru 

East Meets West Gallery
www.eastmeetswestgallery.com

Нажмите на изображение, чтобы увидеть сведения о произведении. Изображения предоставлены EAST MEETS WEST GALLERY, ©Дмитрий Трубин

Международный журнал ART MARKET опубликовал работы российского цифрового художника СЕРГЕЯ ПОГОРЕЛОГО

Цифровой художник Сергей Погорелый в журнале Art Market, март, 2026
Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market.....

Сергей Погорелый цифровой художник

Сергей Погорелый
цифровой художник

Сергей Погорелый, цифровой художник:
«Международный журнал Art Market, который ежемесячно распространяется по всему миру и насчитывает более 50 тысяч читателей в месяц, возможно вам и незнаком, друзья мои, несмотря на то, что он является ведущим художественным журналом о современном изобразительном искусстве. Основанный в 2014 году, журнал Art Market предлагает всестороннее освещение событий в мире изобразительного искусства и за его пределами, знакомя своих читателей с мировым миром искусства, предоставляя более широкий доступ к аукционам и художественным событиям по всему миру. В каждом номере издатели публикуют обзоры, описания, демонстрации и интервью. Искусство и культура, представленные на арт-рынке, столь же разнообразны, сколь и обширны. Журнал Art Market — ведущий журнал с ежемесячным тиражом более 50 тысяч читателей со всего мира!
Приведу анонс только что вышедшего номера номера, размещённого на сайте журнала:
«Мартовский выпуск №111 знаменует собой новое начало для журнала Art Market. Сейчас, когда мы вступаем в благословенную весну и период расцвета, мы хотели бы напомнить всем нашим читателям о важности искусства в нашем мире. Искусство — это сила самовыражения, божественная сила, текущая через творцов. Оно позволяет выразить как состояние мира, так и потребность души в переменах.
В этом прекрасном выпуске мы представляем фантастических художников со всего мира. З.Т. Тоша представляет свою уникальную серию архитектурных скульптур «АССЕМБЛЕР». В галерее Opera в Париже представлена персональная выставка цюрихского художника Энди Дензлера ‘Внутреннее пространство’. Чед Кумбс делится двумя фантастическими сериями фотографий-коллажей «Полароид» и «Дорогой дневник». Варда Брегер рассказывает о хрупком состоянии нашей планеты и о том, что человечеству необходимо измениться и установить мир. Фейт Омоле из штата Коги исследует африканскую идентичность с помощью своего замечательного искусства. Мэтью Морфеус фокусируется на плавных графических формах и символах. Михал Шелли передает напряженность реальности через свои работы. Фил Уэльц сочетает детский визуальный язык с реальным опытом в области современного искусства. Сергей Погорелый рассказывает о красоте Матери-Земли с помощью экоцентрического искусства и двух цифровых серий «Ароматы лета» и «Тропические фантазии». Эрик Минц исследует ритм красок и значение жизни и смерти с помощью электрических жестов и неоновых сувениров.
Наслаждайтесь этим великолепным изданием!»
Ежемесячный выпуск журнала Art Market распространяется по всему миру ведущими платформами для электронных журналов и доступен в аэропортах, на вокзалах, в академических и публичных библиотеках, а также в отелях США и Европы. Все статьи публикуются во всех социальных сетях журнала Art Market по всему миру. Полное содержание каждого номера размещается в архивах университетов, академических библиотек и публичных библиотек. Материалы становятся доступны академическим исследователям, университетским преподавателям и студентам для использования в качестве учебного материала. Цифровые и печатные издания журнала доступны по подписке и в виде отдельных выпусков также по всему миру.
К сожалению с некоторых пор, я утратил возможность покупать свежие номера, но у вас сегодня есть уникальная возможность ознакомиться с новым, 111 номером, который мне, как одному из авторов этого выпуска, любезно предоставила редакция этого замечательного издания!
Подписка и отдельные выпуски доступны на всех платформах:
PressReader | Pocketmags | Magzter | ZINIO | iOS | Google Play | Печатное издание: MagCloud.
Распространение «Золотого списка»: Книжные магазины Barnes & Noble (США и Канада) и Steimatzky.

Сергей Погорелый о себе:
Цифровой художник и фотограф. Живу и работаю в России, в Москве.

Сколько я себя помню, я всегда любил рисовать. Позднее, уже в школьные годы, я стал увлекаться фотографией (тогда ещё плёночной). Закончив школу, поступил в технический институт и стал дипломированным инженером-механиком. В 1987 году я поступил в художественное училище, которое с отличием закончил. С конца 80-х годов я занимался оформлением грампластинок (а позднее и CD) на фирме “Мелодия”. От классического фотомонтажа (фона нарисованного аэрографом + авторской фотографии) я постепенно (после приобретения собственного компьютера Mac Pro в 2004 году) самостоятельно начал изучать приёмы компьютерной графики по книгам и издаваемым журналам. Постепенно, с приобретением необходимого опыта, я сам стал писать уроки по обработке изображений в графическом редакторе и делиться своими знаниями с другими людьми в журналах по фотографии и о компьютерах (Компьюарт, Артконсул, Digital Photo, Digital Camera, CHIP, Фотомастерская). На основе этих публикаций, в 2010 году российское издательство «Эксмо» выпустило в свет мою полноцветную книгу «Секреты компьютерного дизайна», укомплектованную DVD диском с примерами авторских работ. Это единственное до сегодняшнего дня российское издание описывающее применение графического редактора Photoshop для создания художественных произведений. В настоящее время продолжаю работать в жанре цифрового искусства (компьютерной графики и цифрового фотомонтажа, используя авторскую фотосъёмку и графику). Некоторое время читал авторские лекции в Академии фотографии. В октябре 2014 года, за вклад в отечественное изобразительное искусство, Творческим союзом художников России, был награждён бронзовой медалью. а в сентябре 2015 года уже серебряной медалью этой творческой организации. Цифровое искусство привлекает меня ещё и тем, что возможности его безграничны. Конечный результат зависит только от знаний, воображения и таланта художника. Сфера моих разработок разнопланова. Это как всевозможные плакаты так и просто композиции для украшения интерьеров. Среди работ которые я создаю сложно выделить какое-либо определённое направление. Но особое место среди моих работ занимают композиции посвященные красоте природы и окружающего нас мира. Это востребованное мировым трендом направление – «экологическое», или «экоцентричное» искусство, в центре внимания которого стоят проблемы охраны окружающей среды, экологической этики и эстетики, а природа – темой, сюжетом или материалом создаваемых произведений.

Член Творческого Союза Художников России и Международной Федерации Художников, Союза журналистов России, а также Международной ассоциации “Союз дизайнеров” (с 2006-08г., вице-президент Московского отделения). Являюсь участником, а также лауреатом многочисленных выставок, как отечественных, так и зарубежных.

В настоящее время, сотрудничаю с журналом «PRO ИНТЕРЬЕР», в котором имею свою авторскую страницу (Искусство XXI века в вашем доме). На ней я публикую новые работы, так понравившиеся ранее моим друзьям в социальных сетях. Данное издание объединяет лучших представителей архитектурно-дизайнерской элиты Москвы и России, а также компании ведущих поставщиков интерьерного рынка, любимо и почитаемо ими. Он для тех, кто любит и создаёт уют и красоту. Созданные мною в разное время композиции можно объединить в несколько тем: музыка, подводный мир, природа, средневековые мотивы, культура Востока, и другое.

Увидеть мои работы можно на национальной платформе ХУДОЖНИКИ РФ, связывающей художников различных направлений, арт-институции, сообщества художников, галереи, кураторов, коллекционеров, педагогов, а также ценителей и любителей искусства.

Цифровой художник Сергей Погорелый в журнале Art Market, март, 2026

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market март 2026

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market март, 2026

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market. март, 2026

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market, март, 2026

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market.

Сергей Погорелый цифровой художник в Art Market...

ИМЯ АВТОРА. Пост на тему ФОТОТРОЛЛИНГ как бизнес-проект

Иногда встречаю снятые мной фотографии на сайтах интернет-изданий, не подписанные моим именем, некоторые из них живут уже более десяти лет на этих сайтах, но никто ко мне за разрешением их разместить не обращался. По идее, я могу написать им, чтобы подписали фото или указали мой сайт, на котором они изначально были размещены лично мной, но никогда этим не занималась, и что я точно никогда не сделаю, так это не стану выставлять нарушителям счета и Претензии с требованием компенсации. Есть главная этическая причина. На некоторых моих фотографиях изображены мастера, о которых я не просто снимала репортаж, а с которыми я общалась, дружила, и некоторых из них уже нет с нами, не хочу омрачать прекрасную память об общении с ними и что-то требовать за то, что мне не принадлежит — их прекрасные образы.

Или вот такая история — одна из самых моих любимых художников взяла со своего сайта написанную мною статью о ней, и издала буклет со своими работами, в котором статья моя была подписана уже не моим именем, а представителя компании — спонсора тиража. И примечательно, что ничтоже сумняшеся, один из экземпляров дарит она мне. (Видели бы вы мое лицо). На первой странице фото солидного человека в пиджаке и галстуке, и текст мой рядом, подписанный его именем. Нет, я не сильно расстроилась и любить художника и ее работы я меньше не стала, вообще на мое отношение к ней и к ее прекрасному творчеству это никак не повлияло. Но, мягко говоря, я немножко удивилась.

К чему этот пост? А к тому, что все по-разному относятся к своему авторскому праву, и я очень понимаю тех, для кого это очень важно и кто стремится добиться справедливости при его нарушении, но «есть нюанс», множество нюансов, которые могут скорее навредить, чем помочь.
Один из них в том, что нарушить авторское право сегодня легко, при том, самому нарушителю легко это даже не заметить. Это древним египтянам негде было заимствовать идеи, кроме как у природы и звездного неба, у них не было интернета, как у нас, где мы можем скачать безымянное фото и не найдя имя автора, все же разместить его в пост под философствованиями на какую-нибудь общую тему.
И вот на этой легкости нарушения сегодня построен своеобразный «бизнес», который не только не вернет автору упущенные выгоды, но и способный создать неблагоприятное впечатление о нем самом. (Здесь ссылка на тему на канале DmitryFrontPunKult ). Этот бизнес построен на выявлении безымянных фото в интернете, поисках их авторов, заключения с ними договора о Доверительном Управлении, а дальше, автор вслед за вдохновением отправляется по своим маршрутам, а его Доверительные Управляющие — кошмарить нарушителей, кем бы эти нарушители ни были — владельцами компаний, по неосторожности разместившими фото из интернета на своем сайте или домохозяйками — авторами канала в соцсети.

Одновременно с Претензией такой Доверительный Управляющий (фототролль) начинает шантаж, требуя от нарушителя в очень короткий срок уладить дело в досудебном порядке, перечислив… и тут называется чрезмерная сумма денег, никак не обоснованная, как бы в Претензии ни было расписано происхождение цены, и начинаются уверения, что в суде будет еще дороже.
К Претензии прилагается множество ссылок, где представляются (как правило, чужие) «успешные успехи» во всех выигранных делах, что должно оплошавшему ответчику продемонстрировать — исход будет всегда в пользу истца. Но это не так. Суды, загруженные в последнее время такими исками от таких «серийных истцов», уже не так однозначно рассматривают подобные дела, и зачастую компенсация, полученная от ответчика и оплаченные им издержки на юриста не то, что не приносят прибыли, а не покрывают даже расходов истца, чему множество есть примеров. Золотое время этого «бизнеса» длилось недолго и прошло, хотя некоторые авантюристы еще пытаются заскочить в последний вагон, но проблемой уже занялись на самом высоком уровне.

Что советуют настоящие юристы можно почитать здесь на канале DmitryFrontPunKult

Я же, имея личный опыт получения такой Претензии, скажу, — всем, решившим защищать свое авторское право — обращаться надо к настоящим юристам, к которым придет именно сам автор, а не ждать, когда некие помощники найдут его со своими сомнительными предложениями и с условиями в договоре о том, что 70 % компенсации за нарушение достанутся им, а не автору. В этом случае, такие представители представляют свои интересы, а не его. Автор здесь только инструмент в их схеме. И история эта не украсит никого, ни нарушителя, ни тем более Доверительных Управляющих, какими бы борцами за право они не прикидывались, ни, что парадоксально, ни самого автора, от лица которого они выступают.
Для таких представителей защита авторских прав — бизнес-проект, к которому они, кстати, приглашают присоединиться потенциальных инвесторов, обещая им прибыль в 30 %. Вроде бы, законно (пока еще), но, на мой взгляд, достаточно аморально, и, вместе с тем, обещание непременной прибыли в деле, исход которого решает только суд, вообще опрометчиво.

Что касается моего мнения об авторском праве в целом, то как бы я не относилась к публикации без имени моих фото и текстов, я глубоко уверена, что все происходящее — все произведения, все слова и идеи, поступки и события, выраженные мысли и чувства должны иметь имя автора. Я даже думаю, что авторское право в экзистенциальном смысле самое фундаментальное и базовое из всех известных, едва ли не единственное незыблемое. Потому что, по высшему счету, какие бы ни были времена, законы и нравы, и кем бы ни были сами мы, ничего на свете в конечном итоге нам не принадлежит, ничего, кроме нашего светлого имени.

Александра Загряжская
Арт-Релиз.РФ
март, 2026

Александра Загряжская. Эссе к проекту ВОСТОК — ЗАПАД фотографов ТАТЬЯНЫ МЕЖЕЛАЙТИС и МАКСИМА КИРЕЕВА

От автора текста: этот проект возник 15 лет назад, и тогда казался особенно актуальным, но как же он актуален сегодня!

К проекту «Восток — Запад», 2011 год.
Они на разных полюсах Земли. Разделены и связаны дефисом. Им прочили никогда не сойтись. Определили в разные системы — культурные и философские. Но они вместе, прочно и навсегда, как все противоположности на свете —

Восток-Запад.

Татьяна Межелайтис Проект  Восток -- Запад

Татьяна Межелайтис
Проект
Восток — Запад

Татьяна Межелайтис и Максим Киреев, взяв камеры, отправились в путь в противоположных направлениях, чтобы снова объединить Восток-Запад, на этот раз — в одном зале, где проходит выставка двух фотохудожников. В снимках Татьяны и Максима Тунис и Лондон — метафоры, олицетворение многих противоположностей: древности и современности, созерцательности и целеустремленности, традиций и новой жизни. Но вот что парадоксально — эти же противоречия можно найти в фотографиях и Лондона и Туниса. Все, что характеризует Восток, отражается и в чертах Запада.

Максим Киреев Проект  Восток -- Запад

Максим Киреев
Проект
Восток — Запад

Татьяна Межелайтис предпочитает черно-белую фотографию, и эта графичность, будто символизирует значение времени в ее снимках. Старинные стены умеют красноречиво молчать, но молчание можно слышать. Умение «оглушить» неожиданным ракурсом, раскрывающим суть пейзажа или фрагментом, рассказывающем больше, чем вся панорама — даже не способность, а дар — почувствовать и передать. Фактура камня или зной воздуха в ее снимках почти осязаемы. Черно-белая реальность вне времени, чья метафизическая суть подчеркнута отсутствием людей в изображениях древностей. Вид современников не отвлекает зрителя от главного понимания — эти стены и лестницы построили когда-то далекие предшественники человечества для себя, чтобы просто жить, и для нас, чтобы мы размышляли о Вечности. Одно из определений Востока — мудрость.

Максим Киреев Проект Восток -- Запад

Максим Киреев
Проект
Восток — Запад

Что мы оставим после себя? Суета современных городов и шум магистралей не заглушают этот извечный вопрос. Он воплотился в неоновых сумерках и в ослепительных полднях, в изящных литых решетках, рекламных плакатах, в капителях классических колонн и непрозрачных окнах стеклянных фасадов. Максим Киреев — мастер света и тени. В одном снимке он создает картину мира контрастными силуэтами и тонкими полутонами. Но свет и тени предметов обретают новые смыслы в его работах. Призрачная реальность отражений известна только нашим современникам — жителям городов из стекла и бетона. В фотографиях Максима Киреева отражения рисуют картину противоречий и парадоксов, смешения идей и ускользающих значений, которые, возможно, будут разгаданы — когда-нибудь. Одна из присущих Западу особенностей — устремленность в будущее.

В коллекции лондонских фотографий Максима Киреева предстает особенный город, непохожий на современные мегаполисы. Лондон Максима Киреева устремлен в прошлое. Его отражения естественны, как сотни лет назад: отражение неба — в Темзе, в окнах домов, разделенных узкими улицами, где тротуары для неспешных прогулок, а старинные особняки помнят время, когда известный англичанин, с душой, оставленной в Британской Индии, опоэтизировал для современников и потомков понятие «Запад-Восток».

Максим Киреев Проект  Восток -- Запад

Максим Киреев
Проект
Восток — Запад

Лондон Максима Киреева мистифицирует своей непринадлежностью конкретной эпохе. Как и Татьяна Межелайтис, Максим предпочел черно-белые снимки. Но общий выбор лишь усилил их индивидуальности: Древний Восток Татьяны еще более «состарен» сепией. Некоторым деталям своих снимков Максим подарил возможность оставаться красными в черно-белых портретах города, подчеркнув их «фирменный» лондонский акцент.

Татьяна Межелайтис Проект  Восток -- Запад

Татьяна Межелайтис
Проект
Восток — Запад

За рамки географических понятий Восток и Запад вышли еще во времена античности. С тех пор мир размышляет на тему их единства и противоречия. Но еще раньше родились многие легенды и мифы, рассказывающие одни и те же истории о мире и характерах людей. Придуманные сотни и тысячи лет назад народами, разделенными океанами, они, эти сюжеты, служат прекрасной иллюстрацией общности культур и вечных ценностей, еще раз подтверждающей парадокс — за каждым противостоянием Востока и Запада стоит огромное желание понять друг друга и быть вместе.

Одна из особенностей Востока и Запада — они составляют один мир.

Татьяна Межелайтис Проект  Восток -- Запад

Татьяна Межелайтис
Проект
Восток — Запад

Есть еще нечто общее, что объединяет их навсегда — солнце, встающее на Востоке, и уходящее за горизонт на Западе. Его движение можно прочитать в этом фотопроекте. Тема оказалась очень актуальной в наше время, несмотря на то, что авторы не ставили цель придать ей политического значения, тема «Восток-Запад», так или иначе, волнует сегодня всех.

PS. На самом деле, в правилах языка, «Восток — Запад» соединены не дефисом, а тире с пробелами, но не буду менять свой текст, пусть останется, так они еще ближе друг другу )
Александра Загряжская