ПОМАНДЕР — старинный аксессуар, который снова стал актуальным в современной моде

София Загряжская, искусствовед:
«Мы с коллегами — фотографом Дарой Иоанниди, визажистом Еленой Будовниц и автором аксессуаров Александрой Рябичевой создаем фотосессии на тему Ренессанс, и в ходе работы над образами в исследовании характерных деталей костюмов той эпохи, мы открываем новое для себя и видим как многие современные тренды уходят корнями в прошлое. Сейчас мне хотелось бы рассказать об аксессуаре, который пришел из старинных времен и сегодня снова оказался в центре внимания дизайнеров и модников. Помандер я использовала, как дополнение к костюму, посмотрела несколько вариантов, которые подошли бы к созданному для фотосессии платью и остановилась на стилизованной сумочке в виде старинного аксессуара.

Что-то мне подсказало, и я не ошиблась, что помандер как аксессуар был заимствован европейцами у культуры Востока, как и очень многие предметы для красоты и быта, пришедшие в то время.
В моей коллекции первый помандер появилися много лет назад, когда я впервые увидела миниатюрную подвеску, отсылающую к старинной истории. Мне понравилось в ней все — и форма, и ажурное плетение, и возможность открыть и наполнить ароматами, но главное, конечно, история, связывающая наше время и далекое прошлое. Это всегда интригует и вдохновляет узнать что-то интересное из истории.»

Из истории аксессуара:
Еще в XIII веке появилось описание предмета, представляющего собой шарообразный аксессуар, куда помещались ароматические вещества и душистые травы. Самые первые помандеры изготавливались как мииатюрные реликвии для благовоний и носили культовое назначение, но затем превратились в украшение костюма. Также помандеры помогали бороться с инфекцией, благодаря целебным свойствам душистых трав.
И ароматизаторы и сами помандеры были преимуществом вельможных особ, так как были очень дороги и изготавливались из золота и серебра. Сам помандер крепился к драгоценной цепочке на поясе или на шее, помещался в качестве декоративного элемента на чётки, небольшие экземпляры могли крепиться к кольцу на пальце. Сложные по конструкции помандеры могли иметь внутри несколько складывающихся и раскрывающихся отделов, куда можно было поместить различные ароматические вещества, а снаружи иметь форму яблока, сердца, черепа (по популярной в XV—XVII веках моде на изделия в стиле memento mori), книги, корабля или ореха На портретах того времени многие вельможи изображены в костюмах с этим аксессуаром.

Современные помандеры — копии старинных или созданные в их стиле. Но есть и уникальные авторские экземпляры, которые представляют уже современные артефакты. Несколько лет назад появилась мода на кулончики в виде амфор, которые плотно закрываются и которые также можно наполнить парфюмом. Эти украшения тоже одна из разновидностей помандера.

ДАРА ИОАННИДИ, СОФИЯ ЗАГРЯЖСКАЯ, АЛЕКСАНДРА ЗАГРЯЖСКАЯ РЯБИЧЕВА, ДАНИЭЛА РЯБИЧЕВА, ЕЛЕНА БУДОВНИЦ. Авторы фотосессий в ТВОРЧЕСКОЙ МАСТЕРСКОЙ РЯБИЧЕВЫХ

Фотосессии в Творческой Мастерской Рябичевых — это художественные концептуальные снимки, отсылающие к истории искусств. С самого начала работы команда поставила задачу на исключительность и художественность изображений, поэтому для каждой темы создается несколько вариантов костюмов, авторских украшений и дизайнерских аксессуаров. Референсами служат шедевры искусства, описание исторических событий, легендарные персонажи. Подготовка к каждой фотосессии занимает иногда больше месяца, чтобы получить в день съемки несколько уникальных кадров. Но результат стоит кропотливой работы, созданные снимки выходят в топ лучших фотографий известных фотоконкурсов, появляются в публикациях о моде и стиле жизни, на художественных выставках. А истоки этого проекта для участников Мастерской Рябичевых уходят корнями в то время, когда на стендах одной из самых престижных московских Выставок Арт-Манеж несколько лет подряд появлялись их новые, вошедшие в каталоги художественные снимки, которые, благодаря размеру и оформлению некоторые зрители принимали за живописные произведения.

София Загряжская искусствовед, стилист фотосессий Творческой Мастерской Рябичевых

София Загряжская
искусствовед,
стилист фотосессий
Творческой Мастерской Рябичевых

София Загряжская искусствовед, стилист проекта:
«Сначала изображения появляются в набросках, в воображении, в мыслях. Образ читается не напрямую, а через ассоциации, через детали, через атмосферу кадра. А когда выбираем локацию — через антураж или предметы интерьера. «Ренессанс» — любимый проект в соавторстве с Дарой Иоанниди, Еленой Будовниц, Александрой Рябичевой и Даниэлой. Прекрасная эпоха, великолепный век! С этими авторами мы также сделали серии «Воительница», «Русская охота», «Царевна», снимки для нашего авторского проекта «Первая Выставка на Луне».

Александра Загряжская автор аксессуаров для фотосессий

Александра Загряжская
автор аксессуаров
для фотосессий

Александра Загряжская Рябичева, автор аксессуаров:
«В образе с высокой короной мы постарались совместить традиции двух культур — России и Индии. Многослойность аксессуаров и платья уравновесила цветовая гамма, выбрали золотисто-терракотовые оттенки, в которых выполнено все — топ-корсет из органзы, шелковая юбка и главный аксессуар — высокий, очень высокий кокошник. Получился образ, несмотря на избыточность деталей, достаточно лаконичный. Больше всего меня заботила устойчивость короны при ее высоте в сорок пять сантиметров, в ней должно было удобно двигаться. Удивительно, но при том, что она расшита мелкими и средней величины бусинами, она получилась легкой, и не понадобилось никаких дополнительных креплений, кроме традиционных атласных лент. Я ахнула, когда увидела то, что получилось на снимках, меня это очень вдохновило! Эта фотосессия вошла в выставочный проект «Индия, любовь моя!», в котором участвовали работы художников, посвященные разнообразию и единству мировых культур.»

Даниэла Рябичева  художник

Даниэла Рябичева
художник

Даниэла Рябичева художник: «Фотосессия в стиле эпохи Ренессанс – результат нашей общей любви к красоте и искусству. Особенное волшебство — невероятная трансформация внешности с помощью макияжа и прически! Среди украшений на мне были длинные массивные серьги, созданные специально для фотосессии, но интересно, что называются они «Русский Ренессанс», и в них использованы фигурки маленьких покрытых матовым золотом матрешек, а читаются они в этом образе как затейливые византийские подвески. В комплекте с настоящими винтажными, повторяющими старинные украшения того времени, эти серьги сделали мой образ. Во время съемок мы увлеклись обсуждением фильмов и сериалов о Возрождении. Мой образ у всех вызвал ассоциации с Лукрецией Борджиа в исполнении Холлидей Грейнджер. «Борджия» один из моих любимых сериалов, где каждый кадр как произведение искусства».

Дара Иоанниди фотограф

Дара Иоанниди
фотограф

Дара Иоанниди, фотограф:
«Я вдохновляюсь эстетикой прошлых эпох – древней Грецией, Рыцарской Готикой, Эпохой Модерна… Каждая наша съемка — это прыжок на машине времени в минувшие столетия (даже плейлист на съемку подбираю тематический, чтобы создать правильную атмосферу). Нас всех объединяет любовь к искусству, и иногда картина какого-то художника становится референсом к съемке, например «Сикстинская Мадонна» Рафаэля стала вдохновением для самой первой моей фотосессии в мастерской Рябичевых, где мы строили декорации своими руками.
Я использую достаточно кропотливую «картинную» обработку, чем-то напоминающую масляную живопись своими густым и темными цветами. Я люблю когда образ как бы «высвечивается» из мрака фона.
Одна из моих любимейших серий – рыцарская. Для съемки была взята реплика миланского готического доспеха, весом почти 40 кг. В сочетании с воздушными тканями образы получились завораживающими…»

Елена Будовниц визажист, стилист причесок

Елена Будовниц
визажист, стилист причесок


Елена Будовниц, визажист:
«Эпоха Ренессанса — время, когда художники и мыслители начали исследовать человеческую природу, подчеркивая красоту, гармонию и изящество. Я вижу в этом времени сосредоточение на деталях, изысканные прически с витьеватыми элементами, которые способны превратить простое в великолепное, и легкий свежий макияж, подчеркивающий свет божественного в человеке.
Моя задача не просто воссоздать образ с помощью макияжа и прически, а перенести душу эпохи в современность, сохраняя её магию.
В образе с кокошником соедининяется русская традиция с восточной экзотикой, здесь читается образ русской царевны в украшениях и наряде, которые перекликаются с образами индийских богинь. Это уникальное сочетание культур позволяет передать красоту и величие, присущие обеим традициям. Я хотела подчеркнуть утонченность и в то же время силу (здесь вспоминаются индийские богини), переплетая изящество с царственностью и могуществом, используя современные тренды в макияже.
Каждый наш проект — это попытка интегрировать культуру и традиции, чтобы создать нечто уникальное и современное.»

МАРИНА ЗВЯГИНЦЕВА. Проект УСКОЛЬЗАЮЩИЙ СОН в выставочном пространстве творческого института ИГУМО

Сон наяву: художник и студенты превратили обычные подушки в произведения
искусства. Поражающие воображение арт-объекты из подушек станут частью партиципаторной выставки «Ускользающий сон». В совместном паблик арт-проекте известного художника Марины Звягинцевой и студентов ИГУМО искусство станет мостом между сознанием и подсознанием. Участники проекта переосмыслили бессознательные процессы, которые происходят с человеком во время сна, и визуализировали их в своем творчестве.
«Каждый человек проводит во сне 1/3 своей жизни, и именно в процессе сна наши скрытые эмоции приобретают образы. Сон – это дверь в наше подсознание, а с помощью искусства можно расшифровывать сновидения», — говорит автор проекта «Ускользающий сон» Марина Звягинцева.
В своем новом проекте известный паблик-арт художник Марина Звягинцева предлагает погрузиться в мир сновидений. Путешествие сквозь ночные грезы символично начнется в Международный день сна, который во всем мире отмечают 14 марта.
Инсталляция будет представлена в выставочном пространстве творческого института ИГУМО. Посетители экспозиции увидят инсталляции и картины Марины Звягинцевой, созданные методом «биотипия». В своих работах «Лабиринты подсознания», «Медитация», «Ворох подсознаний», «Полнолуние», «Депрессия» художник визуализировала различные состояния сна: от легкого перехода в мир отдыха до глубокого умиротворенного сна и ярких эмоциональных сновидений.
«Когда я писала первую картину к этому проекту, то думала только о бессоннице и о том, как она поглощает нас. Держит в своих оковах, и кажется, что из нее не вырваться. И в связи с тем, что один из главных героев бессонницы – подушка, внутри нее может отразиться что угодно», — рассказывает художник.
При помощи подушки свое неповторимое художественное высказывание сделали и студенты. Участие в паблик арт-проекте «Ускользающий сон» приняли не только учащиеся дизайн-направления, но и психологи и фотографы.
«Вот интересно, что бы было, если бы подушка могла хранить всю полученную информацию от своего хозяина? Просто представьте себе такую возможность», — размышляет автор проекта Марина Звягинцева.
Идея создать паблик арт-проект в формате партиципаторной выставки «Ускользающий сон» принадлежит Марине Звягинцевой. После завершения сессии, когда все студенты только и мечтают о сне, художник раздала им подушки. «Облака грез» стали главным медиумом выставки. Коридоры альма-матер превратились выставочное пространство, и каждая их подушка — в отдельное высказывание.
«Проект «Ускользающий сон» дает возможность молодым авторам переосмыслить тему сновидения посредством искусства. Сон – это состояние, в котором прерывается сознательная связь с реальным миром. Не удивительно, что такое состояние привлекало художников на протяжении всей истории искусств», — говорит сокуратор проекта, заместитель ректора по творческой деятельности ИГУМО Елизавета Землянова.
Схожую схему Марина Звягинцева реализовала в 2009 году в проекте «Спальный район», где каждому художнику выдавалась своя кровать, а далее из них была собрана тотальная инсталляция.
В проекте «Ускользающий сон» художник размышляет о сне, визуализируя
бессознательные процессы, которые происходят с человеком в моменты сна.
В трудах известных психоаналитиков подушка также служит своеобразной метафорой. Не спроста к арт-проекту Марины Звягинцевой присоединились специалисты в области психологии – эксперты Московского института психологии (МИП). Они помогут больше узнать о бессознательном и объяснить те или иные сновидения с точки зрения науки, изучающей проявления и механизмы психики человека. «По мнению Зигмунда Фрейда, сон – это не бессмыслица, а замаскированное осуществление желания. Согласно теории Фрейда, неосуществленные желания вытесняются из области сознания и переходят в область бессознательного, где сохраняются», — считают психологи МИП.
Открытие выставки 14 марта. Закрытие выставки 9 апреля.
Расписание экскурсий: 22.03 в 16:00, 29.03 в 16:00, 09.04 — закрытие выставки, объявление результатов конкурса.
***
Выставка «Ускользающий сон» художника Марины Звягинцевой
Место проведения: Галерея ИГУМО (Институт гуманитарного образования и
информационных технологий)

Адрес: ИГУМО, ул. Верхняя Первомайская, 53 (пешком 7 минут от м. Первомайская)

Даты выставки: 14 марта – 9 апреля

Пресс-показ и открытие: 14 марта в 16.00

Сайт ИГУМО

Сайт художника Марины Звягинцевой
***
Дополнительная информация:
Возраст: 12+
Вход: бесплатно

Регистрация на Timepad:
14 марта, начало в 16.00: https://marina-zvyagintseva.timepad.ru/event/3261819/
22 марта, начало в 16.00: https://marina-zvyagintseva.timepad.ru/event/3261820/
29 марта, начало в 16.00: https://marina-zvyagintseva.timepad.ru/event/3261821/
Посетителям, оформившим бесплатный электронный билет, для прохода на выставку
«Ускользающий сон» необходимо предъявить на входе паспорт.

В Галерее БЕЛЯЕВО выставка ДИНАСТИЯ КЕДРИНЫХ. Куратор ДМИТРИЙ БУТКЕВИЧ при участии Галереи ARTSTORY. Адрес: МОСКВА, улица ПРОФСОЮЗНАЯ, дом 100


Партнер проекта: галерея современного искусства ARTSTORY
Ссылка на сайт организатора

В галерее Беляево Объединения «Выставочные залы Москвы» открылась Выставка «Династия Кедриных», которая объединяет работы большой творческой династии художников: ее основателя Вениамина Кедрина, его сына Александра и его внучатого племянника – Дмитрия, а также поэтические произведения еще одного представителя известной семьи – советского поэта Дмитрия Кедрина. В построении экспозиции четко прослеживается линия, ведущая от фигуративных и абстрактных работ старших представителей династии к творческим поискам младшего, совмещающего оба направления.

Вслед за художником Вениамином Николаевичем Кедриным (1899 – 1979) посетители выставки окажутся в Старом Ташкенте, в других городах Узбекистана, познакомятся с бытом и портретами жителей Советского Востока. В отдельный раздел в юбилейный год 80-летия Победы в Великой Отечественной войне будут вынесены военные агитплакаты, сделанные разными художниками в выпусках «Окна УзТАГ», которые инициировал и возглавил В.Кедрин в 1941 г. Здесь же можно будет прочитать стихи поэта и переводчика, троюродного брата Вениамина, Дмитрия Борисовича Кедрина (1907 – 1945), знаменитого, в том числе, и патриотическими, военно-фронтовыми стихами.

Разные этапы творческого и жизненного пути Александра Вениаминовича Кедрина, отмечающего в этом году своё 85-летие, включают восточный и «керамический», андеграундный и абстракционистский периоды. В работах этого живописца и монументалиста гармонично сосуществуют идеи западного искусства вместе с глубоким погружением в традиционную культуру Азии. Экспрессивные натюрморты и пейзажи, сюжетные композиции, портреты и яркие абстракции, – всё это присутствует в его творчестве. Апогеем своего творчества этот самобытный мастер второй половины XX – начала XXI века считает беспредметную живопись. В ней А.Кедрин видит возможность для высшего проявления свободы творчества.

Дмитрий Олегович Кедрин родился в Москве в 1962г. Он внук поэта Д.Б. Кедрина и внучатый племянник художника В.Н. Кедрина. В 1986г. окончил Московский Полиграфический институт по специальности «художник-график». Работал в области рекламы, графического дизайна и иллюстрации. На выставке будут представлены как фигуративные, так и абстрактные работы Дмитрия Кедрина. Во всех присутствуют свои пластические связи и закономерности. А, главное, прослеживается явная логическая связь и с фигуративами Вениамина и абстракциями Александра Кедриных.

Куратор выставки: Дмитрий Буткевич.

ЛАБИРИНТ. Символ и образ от доисторических времен до современного искусства

На Соловецких островах в Белом море обнаружено около 30 каменных лабиринтов. Древнейшие из них, по мнению археолога Александра Мартынова, были созданы во II–I тыс. до н. э., а некоторые относятся к Средневековью. Назначение этих загадочных сооружений до сих пор остаётся предметом споров. Одни исследователи считают их частью ритуалов, другие — древними ловушками для рыбы или даже астрономическими календарями.

На Соловецких островах в Белом море обнаружено около 30 каменных лабиринтов. Древнейшие из них, по мнению археолога Александра Мартынова, были созданы во II–I тыс. до н. э., а некоторые относятся к Средневековью.
Назначение этих загадочных сооружений до сих пор остаётся предметом споров. Одни исследователи считают их частью ритуалов, другие — древними ловушками для рыбы или даже астрономическими календарями.


Интересно, что лабиринт, как образ, символ и архитектурная форма появился издавна во многих культурах, не имеющих общих корней и связей. Существует объяснение, что лабиринты — нерукотворные, а естественно образованные временем, ветрами и стихиями, — встречаются на разных континентах, и таким образом идея могла быть заимствована у природы, а позднее трансформирована в художественном воображении, наделив лабиринты загадочными особенностями в мифах и легендах. Но и природные лабиринты в скалах или пещерах зачастую выглядят как запутанные дороги, и, как правило, образ лабиринта, в первую очередь, олицетворяет путь со множеством преград, загадок, вариантов решений. Так лабиринту можно придать множество философских смыслов, от символа мироздания до скрытых глубин человеческого разума. Лабиринт в произведениях изобразительного искусства и архитектуры выглядит эффектно с точки зрения геометрических построений, и маняще из-за попытки при первом же взгляде добраться до его решения.

На фото: Каменный город — одно из самых живописных мест Западного Урала, которое создала сама природа. Каменные лабиринты из величественных скал развернулись на огромной площади в 30 гектаров.

Панно «Тесей и Минотавр» из Алмазного дворца в Ферраре (Италия), 1493–1503 гг., хранится в Лувре

Панно «Тесей и Минотавр» из Алмазного дворца в Ферраре (Италия), 1493–1503 гг., хранится в Лувре

В лабиринт легко войти, но трудно найти путь назад. Самый известный лабиринт связан с именем Минотавра — заточенного чудовища, которому в качестве дани присылали самых красивых девушек и юношей.

Тесей — легендарный герой, добровольно отправился с молодыми людьми, чтобы не только победить Минотавра, но и найти путь назад. Влюбленная в Тесея Ариадна научила его, как выбраться из лабиринта с помощью нитей, которые помогли юноше проложить путь от входа и по ним вернуться обратно.

Эдуард Мхоян скульптура выставки  "В гостях у Минотавра" в Музее Эрарта, 2025 г.

Эдуард Мхоян
скульптура выставки
«В гостях у Минотавра»
в Музее Эрарта, 2025 г.

Благодаря мифам о чудесных спасениях, преодолениях многих испытаний в трудном запутанном пути и обретению правильного выбора, лабиринт стал символом возрождения ведущего к новой жизни. Прохождение через лабиринт символизирует новое рождение человека, его преображение после многих испытаний.

Образ лабиринта в некоторых культурах использовался как оберег. Согласно древним представлениям, нечистая сила могла двигаться только по прямой, а повороты лабиринта завлекали ее в ловушку.

На фото: произведение голландского художника Крийна де Конинга, который специально для британской галереи современного искусства Turner Contemporary в Маргите создал яркий архитектурный лабиринт Dwelling. Инсталляция выполнена из окрашенных в разные цвета деревянных балок с вырезанными дверными и оконными проемами.

КОНСТАНТИН ЕЛИХОВ. Выставка в МЫТИЩИНСКОМ ИСТОРИКО-ХУДОЖЕСТВЕННОМ МУЗЕЕ

Мытищинский историко-художественный музей открывает выставку современного художника- колориста Константина Елихова. На ней представлено 60 произведений мастера; картины, портреты, пейзажи — связанные одной темой. Экспозиция сформирована как пространство, которое пронизывают незримые нити взглядов, поколений, образов и времен — это придает особый эмоциональный накал, внутреннее напряжение, которое не сразу понятно, но в котором и существует зритель, лишь как один из участников художественного действия.

«Любим и чувствуем- значит живем» эпиграф выставки известного
художника. Цвет как самостоятельная субстанция, передающая энергию проходящему через время типу-образу. Особое внимание уделено символу желтого цвета в русской живописи, в произведениях Константина наблюдается та особенность что есть у великих мастеров отечественного искусства – это
восприятие цвета, через срез многовековой культуры. На холстах живописца
лики «глубинных» образов и современных «зумеров», идет столкновение
восприятий на сломе эпох. Все это существуют параллельно «здесь и
сейчас», достаточно погасить гаджет с его одномоментным событием, свернуть с автострад постиндустриального мема, и узреть вечность мига в осколки родного и вечного.

«Образы и смыслы» – философский взгляд мастера на жизнь, в его пейзажах и портретах – вехи пути каждого человека. Это выставка раздумий художника Константина Елихова» — говорит директор МБУК Мытищинского историко-художественного музея Мария Клычникова, сама выставка проходит в рамках проекта «Мытищи -100. Герои. События».

Художник Константин Юрьевич Елихов, родился в 1973 г. Окончил Вятское
художественное училище им. А.А. Рылова и с отличием МГАХИ им. В.И. Сурикова. Лауреат Всероссийских выставок, награжден нагрудным знаком от
ВТОО «Союз художников России». Участник международных и Российских
выставок, в том числе в Государственной Третьяковской галерее. Крупные
персональные выставки проходили в музеях России, в Администрации
Президента РФ, в парижской галерее «Cite Internationale des Arts», в галерее «Московского союза художников». Произведения находятся в музеях, в том числе и в Государственном историческом музее, и в частных коллекциях.

Выставка проходит по адресу: г. Мытищи, ул. Мира 4.
Мытищинский историко-художественный музей
с 10-18 ч.
понедельник, вторник — выходные дни

СОЛНЕЧНЫЕ СНЫ. Художник ИЛЬЯ КОМОВ готовит новую выставку в НОВОСИБИРСКОМ ГОСУДАРСТВЕННОМ ХУДОЖЕСТВЕННОМ МУЗЕЕ. Открытие 5 февраля 2025 года

Илья Комов Выставка  "Солнечные сны"

Илья Комов
Выставка
«Солнечные сны»

Новосибирский художественный музей представляет выставку работ известного российского живописца, члена-корреспондента Российской академии художеств Ильи Комова. В экспозиции размещены 70 произведений – пейзажи и портреты. На картинах мастера жизнь предстает яркой и радостной, как солнечный день.

Неповторимый стиль его невероятно яркой и темпераментной живописи сложился из нескольких составляющих: отечественного академизма, древнерусского искусства и цветовых откровений французской школы рубежа XIX–XX веков. Уникальная манера Ильи Комова характеризуется выразительностью и тем, что искусствоведы называют непростой простотой.

Портрет для Ильи Комова — это прежде всего целостный и запоминающийся образ. Портретное сходство, характер и душа человека передаются подчеркнуто яркой цветовой палитрой. С пейзажами же художник предпочитает работу на пленэре, в его работах вы не найдете дробящих композицию подробностей, нет там и сюжетности, скорее, его полотна представляют собой цветовую и пластическую метафору пейзажа, открывают нам его (пейзажа) гармонический смысл.

Илья Олегович Комов родился в 1965 году в Москве в творческой семье скульптора Олега Комова и архитектора Нины Комовой. Учился в школе имени В.Д. Поленова, в Московской средней художественной школе и МГАХИ имени В.И. Сурикова (мастерская народного художника СССР Таира Салахова). В 2012 году избран членом-корреспондентом Российской академии художеств. С 1987 года принимает активное участие в выставках в России и за рубежом, среди которых более 50 персональных.

РИММА ЮСУПОВА представляет новую персональную выставку ТРИУМФ СВЕТА И ЦВЕТА. С 6 февраля до 21 февраля 2025 года в МОСХ на БЕГОВОЙ

Московский художник Римма Юсупова представляет персональную выставку уникальных авторских произведений — серии декоративно-станковых картин, выполненных в технике текстильной живописи по натуральному шелку: «Экология и силы природы», «Дыхание гор», «Лес», «Взгляд солнца», «Пионы», «Московские окна». Также серию акварельных пейзажей, декоративную живопись и ряд графических работ. Безупречное владение секретами живописного мастерства по натуральному шелку позволяет передать глубину созвучия цвета и света. Творчество Риммы Юсуповой поднимает статус современного декоративного искусства. Произведения Риммы Юсуповой находятся в российских и зарубежных музеях и частных коллекциях.

«Триумф света и цвета» — название персональной выставки члена Московского Союза Художников, Союза Художников России Риммы Юсуповой.

«Ощущение солнца и тепла дарят картины московской художницы Риммы Юсуповой.»

«Огромный интерес вызывает свечение лучей солнца в серии работ, посвященных лесным пейзажам»

«Сияние цвета блестяще передано автором в серии «Пионы».

При чтении статей о работах Риммы Хамзаевны возникает убеждение, что художник создает сложную световую партитуру с помощью осветительных приборов, но нет – Римма Юсупова — мастер живописи по натуральному шелку.
Убедительная материальность изображения, и в то же время воздушность и светоносность объекта, точность деталей и единство целого, жизнеподобие и тончайшая живописность – этот сплав в произведениях Юсуповой создается благодаря безупречному владению техникой росписи по ткани, которая основана на большой практике и знании теории цветоведения.

Выставка пройдет с 6 февраля по 21 февраля
в Выставочном зале Московского отделения Союза Художников России
Москва, Беговая, 7
Выставочный центр МОСХ России на Беговой.

Адрес: улица Беговая, дом 7.

Ближайшая станция метро – «Беговая».

Время работы: понедельник – суббота с 11:00 до 19:00, воскресенье – выходной день.

Посещение выставочного зала – бесплатно.

Сайт МОСХ России
Телефон МОСХ России: +74959452995
Контакты для связей с художником: +79168766018

СОФИЯ ЗАГРЯЖСКАЯ. Искусствовед о моде и стиле в своем новом блоге

Блог об искусстве

Блог о стиле и моде

Галерея ARTSTORY представляет выставочный проект: ВЛАДИМИР МАРТИРОСОВ. ТРАЕКТОРИИ ОЩУЩЕНИЙ до 16 февраля 2025. Адрес: МОСКВА, СТАРОПИМЕНОВСКИЙ переулок, дом 14


Первая выставка в галерее ARTSTORY в новом 2025 году «Владимир Мартиросов.Траектории ощущений» продлится до 16 февраля. Все пространство галереи подчинено непрерывному движению, дирижером которого выступает художник, скульптор, сценограф Владимир Мартиросов. Выставка, приуроченная к 50-летию художника — ретроспективная: на ней представлены результаты творческих исканий Владимира Мартиросова за последние два десятка лет, включая и новые работы, которые показаны впервые. Работы Владимира Мартиросова представляют сложные механизмы, преимущественно сделанные из металла, в которых, вместе с тем, присутствует легкость и плавность, хрупкость и даже романтичность. При этом все объекты «стремятся» к абстрактности. За счет неконкретности образов работы кажутся не только емкими и выразительными, но они будто приглашают зрителя к сотворчеству. В кинетическом искусстве важным является не конечный результат, но сам процесс преобразования и изменения, в том числе это касается и восприятия.

Объекты Владимира Мартиросова завораживают на расстоянии и в непосредственной близости. Издалека заметны ритмичность движения, траектория раскрытия объектов. Вблизи зритель получает возможность увидеть, рассмотреть механизм, который приводит объект в движение. Художник намеренно не маскирует двигатели, но превращает в полноправные концептуально обоснованные части объектов. Экспозиция включает несколько тематических зон. Это и сад с работами из серий «Цветы» и «Насекомые», и своеобразный парк с крупными объектами. Представлены и малые формы: уже известные «Веера», а также «Облака», которые экспонируются впервые. В одном из залов сделан акцент на творческий процесс. В другом представлены новые настенные объекты, которые Владимир Мартиросов делает вместе со своей супругой – Анастасией Кислициной. По словам автора, увлечением кинетическими объектами он, во-первых, своему отцу – художнику Александру Мартиросову, чьи работы произвели большой впечатление на сына, хотя они работают теперь в совершенно разных техниках. А еще – детскому кружку авиамоделирования, в котором Владимир провел несколько месяцев в детстве.

Владимир Мартиросов, художник:
«Я научился склеивать „деревяшечки“, начал какие-то конструкции делать для себя, но это еще были не мобили, а некие авангардные формы. Потом я приделал к ним моторчики, которые их трясли. Ну, и постепенно пришел к тому, что делаю сейчас».

Как известно, кинетические объекты построены на идее постоянного изменения. Это символическое закрепление мысли о бесконечной динамике и трансформации живой материи. Область искусства исследует возможности работы с пространством и временем, обращается к феномену процессуальности и изменениям объектов в пространстве и времени. Движение объектов создает динамическое восприятие, где время становится частью художественного процесса.
Кинетическое искусство связано с философией движения. Это мысль, уходящая корнями еще в античность. Поиск универсальной характеристики объектов приводил мыслителей к пониманию того, что движение присуще всему живому – констатация непостоянства материи и непрерывной изменчивости бытия.
Стоит напомнить, что самая первая выставка галереи Artstory в 2014 году была посвящена творчеству знаменитой группы художников-кинетистов «Движение», в которую входили представителям неофициального искусства советской эпохи.

***
Владимир Мартиросов родился 27 января 1975 года в Тбилиси. Его отец — художник, мать — искусствовед. В 2000 году окончил Российскую Академию Театрального Искусства (ГИТИС) — факультет сценографии под руководством С.М. Бархина, мастерская С.Ф. Морозова, где они учились вместе с Анастасией Кислициной. С 1999 года начал работать как театральный художник, с 2007 года – в киноиндустрии. В послужном списке художника не один десяток спектаклей, среди которых такие известные постановки, как: «Шинель» Н.Гоголя, реж. Н.Чусова, РАМТ (Москва); «Мамапапасынсобака» Б.Срблянович, реж. Н.Чусова, театр «Современник» (Москва); «Тартюф» Ж.-Б.Мольера, реж. Н.Чусова, МХТ им. А. П. Чехова (Москва). Лауреат премий «Триумф» (2001), «Чайка» (2006). Но по словам художника, для него театр и арт-объекты
— «две совершенно параллельные, не соприкасающиеся друг с другом линии жизни».

***
Галерея ARTSTORY: Москва, Старопименовский пер., д. 14 (м. «Тверская»,
«Маяковская»). Ежедневно, кроме понедельника, с 12.00 до 20.00.
Вход по билетам (100–200 руб.).
Тел. 8 (495) 650-75-54
Контакты для СМИ: 8-916-674-11-69; artstorypr@gmail.com