Архивы рубрики ‘Классики и современники’

КУПЮРИЗМ. ХАСЕГАВА ЙОСУКЕ. ПИТ КИЛКЕННИ. ДЖАСТИН СМИТ. Какие художники создают картины из денег. История купюр. Деньги, как произведение искусства

Хасегава Йосуке оригами  материал: купюры

Хасегава Йосуке
оригами
материал: купюры

Японец Хасегава Йосуке назвал своё направление moneygami. Это оригами, которое делают из бумажных денег. Таким способом он создал целую портретную галерею из изображённых на купюрах президентов.

Немецкий художник ирландского происхождения Пит Килкенни приобрел особенную известность в современном искусстве после того, как стал использовать наряду с традиционными материалами газеты и бумажные деньги.

А дизайнер Джастин Смит превращает деньги в цветы, используя купюры разных государств.

Деньги, как искусство — явление современное и молодое, во всяком случае, ему не может быть более двух с половиной столетий, именно в это время появились первые бумажные деньги в Европе и в Америке, и мало кто мог в те далекие времена догадаться, какое применение спустя годы найдет бумажным деньгам фантазия художников.

Джастин Смит "Орхидеи" Работы Джастин сегодня находятся в главной Британской Коллекции, а также очень много работ выполнено на заказ или же приобретено уже готовыми Мировыми Финансовыми Институтами и Международными Корпорациями.

Джастин Смит
«Орхидеи»
Работы Джастин сегодня находятся в главной Британской Коллекции, а также очень много работ выполнено на заказ или же приобретено уже готовыми Мировыми Финансовыми Институтами и Международными Корпорациями.

Пит Килкенни фрагмент картины, написанной на купюрах

Пит Килкенни
фрагмент картины, написанной на купюрах

Художник Анатолий Орлов — один из первых российских авторов, использующих купюры в своих картинах. В 1991-1999 годах художник создал первые свои коллажи из бумажных денег с использованием фотографий политиков.

Антаолий Орлов "Малевич. Черный квадрат"  1999 г.

Антаолий Орлов
«Малевич. Черный квадрат»
1999 г.

Денежные купюры  из коллекции Владислава Студеникина

Денежные купюры
из коллекции
Владислава Студеникина

История российских бумажных денег
Бумажные деньги в России появились 9 января 1769 года. С этого времени они стали не только свидетелями исторических и политических событий, они выступают их материальными свидетельствами. Многие перипетии истории нашли отражение на купюрах.

Коллекционеро Владислав Студеникин — автор выставки «История денег России в монетах и банкнотах» представил проект, который с 2014 года путешествует по российским музеям. Его экспозиция представляет в том числе и то, как более двух с половиной столетий назад Екатерина II подписала манифест о введении в России ассигнаций.

Владислав Студеникин: «В это время Россия вела войну с Турцией, нужно было чем-то пополнять казну. Денег у государства не хватало, поэтому по примеру Франции ввели ассигнации, — рассказал коллекционер Владислав Студеникин. — Фактически ассигнационный банк заявлял: дайте золотую или серебряную монету в долг государству. А через какое-то время люди могли получить свои монеты уже с процентами».

Изначально все ассигнации, независимо от номинала, выглядели одинаково. В 1786 году они впервые вышли цветными. Цвет использовался как защита от мошенничества. Чтобы бороться с фальшивомонетчиками, которые умело меняли «5″ на «25″ или «50″, ассигнациям придали цвет: 5-рублевка стала синей, 10-рублевка — красной, ассигнация на 100 рублей — желтой. Эта традиция перешла в дальнейшие выпуски российских денег и дошла до XX века».

Ассигнация достоинством 10 рублей 1819 года Государственный ассигнационный банк

Ассигнация достоинством 10 рублей 1819 года
Государственный ассигнационный банк

К середине 30-х годов XIX века в России ходили разные деньги — бумажные ассигнации, золотые, серебряные и медные монеты. В это время большинство развитых стран уже перешили на серебряный стандарт, то есть приравняли все деньги к серебру.
В 1810 году Россия переходит на серебряный стандарт. На серебряных монетах появилось точное обозначение, сколько граммов чистого серебра они содержат. Меняется и вид ассигнаций — на них появился государственный герб и сложные водяные знаки.

Но на финансовом положении страны негативно сказались войны с Наполеоном. Военные действия требовали расходов, государство выпускало ассигнации в больших количествах. Ситуация усугубилась с появлением фальшивых ассигнаций, которые Наполеон выпускал для покупки у населения продовольствия. Подделки отличались от настоящих ассигнаций только тем, что подпись была факсимильной, а не поставленной чернилами. Правда, фальшивые ассигнации Наполеона имели хождение лишь на ограниченной территории, но их появление способствовало тому, что теперь уже доверие к любым ассигнациям было окончательно подорвано.

Ассигнации просуществовали до 1849 года. И хотя изначально они пользовались большой популярностью, их курс падал. Люди более охотно продавали товары за серебро и менее охотно — за бумажки. К началу XIX века курс ассигнаций резко упал: рубль ассигнациями составлял 25–27 копеек серебром.

С 1840 года можно говорить о появлении в России настоящих бумажных денег. Согласно манифесту «Об устройстве денежной системы», с 1 января 1840 года в России главным средством платежа становится серебряный рубль с содержанием чистого серебра 18 грамм, все сделки начали исчисляться исключительно в серебре.

«Страна более-менее пришла в себя от военных передряг. Начали подниматься промышленность, сельское хозяйство, торговля. Прошла еще одна денежная реформа: если раньше конвертировался только рубль, то теперь к серебру привязываются и медные монеты», — рассказал коллекционер Студеникин.

Денежные купюры  из коллекции Владислава Студеникина

Денежные купюры
из коллекции
Владислава Студеникина

Владислав Студеникин, коллекционер: «В конце XIX века курсы золота и серебра начали меняться относительно друг друга. С развитием металлургии добыча серебра упростилась, как следствие, оно начало обесцениваться. Цена на золото при этом оставалась стабильной.

«Серебро всегда ценилось меньше золота, но если в 1840 году за грамм золота давали 16 граммов серебра, то в конце века — 40 грамм серебра, Страны поняли, что золото более надежно, и начали переходить на золотой стандарт».

Хасегава Йосуке оригами  материал: купюры

Хасегава Йосуке
оригами
материал: купюры


История доллара
Голландцы и некоторые другие поселенцы в Северной Америке использовали в качестве валюты талеры. После провозглашения независимости США доллары были выбраны в качестве национальной денежной единицы. В Англии (где произношение названия валюты изменилось на «доллар») «долларами» называли любые серебряные монеты, похожие на талер, а в американских колониях таким образом наименовали испанские серебряные песо, которые получили хождение во время войны за независимость США.

До 1861 года США фактически не имели единой банкнотной системы. Большинство денежных операций осуществлялось через частные банки или через «звонкую монету» (в этом случае под этот термин попадают также золотые и серебряные слитки). После начала Гражданской войны обеим враждующим сторонам потребовались гигантские суммы денег. 17 июля 1861 года Конгресс США принял акт, обязывающий казначейство выпустить новые денежные знаки на астрономическую по тем временам сумму — 60 миллионов долларов. Заказ был направлен в нью-йоркскую печатную компанию «American Bank Note Co.» Учитывая, что акт 17 июля санкционировал выпуск только номиналов 5, 10 и 20 долларов, можно представить, какое огромное количество банкнот пришлось изготовить. Печатники подошли к делу с чисто практической стороны: они проверили, прежде всего, запасы краски на складах и выяснили, что больше всего зелёной.

Таким образом, и были выпущены миллионы банкнот с зелёной оборотной стороной. В народе они тут же получили прозвище «гринбаки» (англ. greenbacks — «зелёные спинки»), которое закрепилось за всеми видами американской валюты, независимо от её расцветки. В XIX веке в США существовала политическая партия гринбекеров. Позднее и само казначейство приняло эту традицию, долгое время выпуская банкноты только с зелёным оборотом. Лишь в 2004 году стали выпускаться банкноты других цветов. Изменения коснулись банкнот достоинством 10, 20 и 50 долларов США.

Все федеральные банкноты США, выпущенные, начиная с 1861 года, по сей день являются законным платёжным средством. С 15 августа 1971 года отменена обеспеченность доллара США золотым резервом.

В свободном обращении присутствуют и выпускаются банкноты с номиналами:
1 доллар;
2 доллара;
5 долларов;
10 долларов;
20 долларов;
50 долларов;
100 долларов.
Также существуют поныне действительные банкноты номиналом в 500, 1000, 5000, 10 000 долларов. Они выпускались до 1945 года, а с 1969 года официально изымаются из обращения (по причине использования электронных банковских платежей). Их бонистическая стоимость намного выше номинала. К примеру стоимость пятитысячной банкноты на аукционах может доходить до 10 000 долларов США. Из всех выпущенных банкнот номиналом 10 000 долларов, количество которых отслеживается ФРС и последний выпуск которых был в 1944 году (серия 1934 года), не изъяты из обращения только 336 штук, а номиналом 5 000 долларов — 342 штуки.

Банкноты 100 000 долларов выпущены в 1934 году, в обороте не находились и использовались только во внутренних расчётах ФРС и казначейства.
Ныне наибольшая банкнота имеет номинал 100 долларов.

По теме: Сколько весит миллион долларов США?

Вес миллиона долларов в зависимости от достоинства купюры:

купюрами по $1 —1000 кг;
купюрами по $2 — 500 кг;
купюрами по $5 — 200 кг;
купюрами по $10 — 100 кг;
купюрами по $20 — 50 кг;
купюрами по $50 — 20 кг;
купюрами по $100 — 10 кг.

КОМАКО САКАИ. Автор книг, иллюстратор. ЯПОНИЯ

Камако Сакаи ...

Японская художница Комако Сакаи является одним из самых популярных детских авторов-иллюстраторов в Японии.

Обложка книги  "Потерянный котенок" автор  Комако Сакаи

Обложка книги
«Потерянный котенок»
автор
Комако Сакаи

Произведения Комако Сакаи изображают мир романтически добрым, мечтательным и отличаются особенной трогательностью и нежностью в описании героев. «Потерянный котенок» Ли — одна из популярных книг Комако Сакаи — изящная книжка с картинками о воспитании привязанности и верности через общение с животными.

Комако Сакаи родилась в провинции Хёго в 1966 году. Живет и работает в Токио. После окончания Токийского национального университета изящных искусств и музыки Комако Сакаи работала в компании по дизайну тканей для кимоно. Ее книги были опубликованы во многих странах. Среди прочих наград Комако Сакаи получила премию Japan Picture Book Award за иллюстрацию к «Лисиной фее».

Камако Сакаи   .

Камако Сакаи    .

Камако Сакаи         .

Комако Сакаи     ...

Комако Сакаи  .

В рамках фестиваля искусств SWISSARTEXPO 2022 в ЦЮРИХЕ будут показаны работы русского художника НИКОЛАЯ ЧЕРЕДНИЧЕНКО

Художник  Николай Чередниченко Swissartexpo 2022

Художник
Николай Чередниченко
Swissartexpo 2022

В конце августа 2022 года Николай Чередниченко покажет подборку знаковых для своего творчества работ от абстракций до скульптуры из строительных материалов. Экспрессионистский стиль Чередниченко, часто описываемый как моновизуальный кинематический, обусловлен желанием приобщить зрителя к чуду момента созидания и открыть новые грани восприятия.

Николай Чередниченко прошел путь от лесоруба и радиста до успешного предпринимателя и художника, чьи выставки показывают и любят в России и зарубежом. В 1989 году Николай увлекся скульптурой из цельного дерева и оставил все занятия, чтобы полностью посвятить себя творчеству. В результате чего стал известным плодовитым автором.

Николай Чередниченко  "Наездник" холст, масло 700х700 2021 г.

Николай Чередниченко
«Наездник»
холст, масло
700х700
2021 г.

В его работах сюжеты заменяются образами, образы формоцветом. В начале своего творческого пути Николай искал вдохновения у своих «учителей» от живописи — Леонардо да Винчи, Пикассо, Дали, Валлоттона, Матисса и от христианских мыслителей — Дионисия Ареопагита, Фомы Аквинского, Августина Блаженного. В итоге Николай сосредоточился на абстрактной живописи, которая при этом всегда затрагивает глубокие актуальные темы.

«Соревноваться с Богом в реализме не имеет никого смысла, потому что все, что реалистично, всегда превосходит изображенное художником на холсте. Напишет ли кто-нибудь природу такой, какая она есть? Никто! Это невозможно. Потому что начинать нужно на уровне клетки. Те, кто с утра до ночи топчется на одном месте и рисует дерево, ничего не привнося нового, — это не художник. Художник — это двигатель прогресса. Сначала появляется произведение художественное, а потом научное открытие», — считает Николай.

Поворотным моментом в творчестве Николая Чередниченко стали выставки в Австралии (1995) и в Швейцарии (1997). В музеях Перта, Сиднея и Мельбурна его поразило искусство аборигенов с его мощной и тонкой колористикой. В Швейцарии Николай побывал в музее Базеля и воочию увидел картины Пикассо, Матисса, Валлоттона. После этих поездок у Чередниченко появляется всё больше концептуальных работ. В его стиле проскальзывают отголоски «аборигенного» опыта.

Николай Чередниченко "Орхидея" теплоизоляция/ строительная пена/ дерево/ пробка/ акрил 13х21х19 2022 г.

Николай Чередниченко
«Орхидея»
теплоизоляция/ строительная пена/ дерево/ пробка/ акрил
13х21х19
2022 г.

Художник признается, что почти никогда заранее не ищет идею для картины, всё рождается в момент работы. Абстракция позволяет экспериментировать, импровизировать, искать смыслы в процессе и после завершения работы.

«Развитие — вот о чем идет речь, человек счастлив тогда, когда он получает какое-то развитие, движение, понимание той же гармонии. Вот, что есть счастье. Не каждого вселенная приводит к чему-то, а только ищущих».

Подробнее о биографии Николая Чередниченко и его проектах можно найти на его сайте.

Николай Чередниченко "Идея" теплоизоляция/ строительная пена/ дерево/ пробка/ акрил 49х55х34 2022 г.

Николай Чередниченко
«Идея»
теплоизоляция/ строительная пена/ дерево/ пробка/ акрил
49х55х34
2022 г.

Художник МАРИЯ ЯЦКИНА. Серия HOMO (линогравюра, эстамп) и серия ЧЕЛОВЕК (живопись)

 Мария Яцкина  серия гравюр  "HOMO"  200х150

Мария Яцкина
серия гравюр
«HOMO»
200х150

Мария Яцкина. Серия «HOMO» (линогравюра, эстамп) и серия «Человек» (живопись). Обе серии дополняют друг друга и базируются на образе человека.

Мария Яцкина, художник о своем творчестве:

Тема «От человека первобытного, до человека настоящего времени», мне кажется актуальным посылом. Гротескный образ гравюр, обращённый к первобытному началу человека, который построен путём линии, пятна и нарочитой искаженности, отсылает зрителя к темам инстинктивным, животным, первородным. Рождение как символ эволюции, синтеза матери и ребёнка, старого и нового человека. В живописной серии человек изображен в более привычной манере, расставлены акценты на цвете, пятне и орнаментальности, к этническим мотивам.

Художник Мария Яцкина ставит задачу максимально объять неисчерпаемую тему «человек», с его метаморфозами, временными, физическими и внутренними изменениями.

 Мария Яцкина  серия гравюр  "HOMO"  200х150

Мария Яцкина
серия гравюр
«HOMO»
200х150

 Мария Яцкина  серия гравюр  "HOMO"  200х150

Мария Яцкина
серия гравюр
«HOMO»
200х150

Мария Яцкина  Из серии портретных композиций "Человек"

Мария Яцкина
Из серии портретных композиций
«Человек»

Мария Яцкина  Из серии портретных композиций "Человек"

Мария Яцкина
Из серии портретных композиций
«Человек»

Мария Яцкина  Из серии портретных композиций "Человек"

Мария Яцкина
Из серии портретных композиций
«Человек»

Галерея VAN VERDEN совместно с кофейней и арт-галереей PROSVET представляют выставку эскизов для тканей творческой династии художников ЗАБИРОНИНЫХ. С 15 декабря до 18 января 2022 года. Адрес: МОСКВА, улица ФАДЕЕВА, дом 10

А_Забиронин_Самолетики_1980_е_Крок_Бум_см_техн арт-релиз. рф

Галерея Van Verden в коллаборации с кофейней и арт-галереей Prosvet с 15 декабря 2021 по 18 января 2022 проведут выставку эскизов для тканей от художников творческой династии Забирониных. Проект «Страна березового ситца» посвящен крокам — текстильным дизайнам, нарисованным на бумаге художниками.

Известный искусствовед Осип Брик в своей статье «от картины к ситцу» призывал не ограничивать художественную культуру только выставочными предметами и картинами: «Ситец такой же продукт художественной культуры, как картина, — и нет оснований проводить между ними какую-то разделительную черту». И этот призыв не остался без внимания: эскизы для тканей «амазонок авангарда» Л. Поповой, В. Степановой, известного авангардиста Н. Суетина и других художников эпохи по уровню продуманности и мастерства не уступали лучшим картинам этих авторов.

Ярким примером стали работы династии художников Забирониных, которые будут показаны на выставке «Страна березового ситца». В своем творчестве они вдохновлялись как традиционными узорами, так и цветочными мотивами, и элементами многих народных промыслов. Также художники обращались к современным предметам обихода, которые они мастерски вписывали в канву узора, превращая машинку, самолетик, городской вид или ночной пейзаж в часть орнамента. Композиции Забирониных лаконичны, изящны, не перегружены лишними деталями и цветовыми подробностями. Не теряя в качестве, художники с равным вниманием обращаются в своих работах к темам семьи, детства, истории и современности.

Prosvet. Москва, ул. Фадеева, д.10. Ежедневно с 8.00 до 23.00. Вход свободный.

Галерея Van Verden. Куратор проекта Карина Борисенок. info@van-verden.ru; +7 925 585-70-14

СТРАНА БЕРЁЗОВОГО СИТЦА — выставка текстильных дизайнов — Онлайн-галерея Van Verden (van-verden.ru)

Контакты для СМИ: artgalera@gmail.com; 8-916-674-11-69

А_Забиронин_Зеленые_огурцы_1984_Крок_Бум_см_техн_г арт-релиз. рф

А_Забиронин_Спорт_1988_Крок_Бум_см_техн арт-релиз. рф

АЛЕКСАНДР СИЛЬЯНОВ. Талантливому скульптору, почетному члену РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ исполнилось 65 лет. Рубрика КЛАССИКИ И СОВРЕМЕННИКИ

Александр Сильянов "Торс" 2013 г. бронза "Хотел воссоздать торс классической Афродиты, чтобы передать красоту женского тела. У меня получился свой вариант" Александр Сильянов

Александр Сильянов
«Торс»
2013 г.
бронза
«Хотел воссоздать торс классической Афродиты, чтобы передать красоту женского тела.
У меня получился свой вариант»
Александр Сильянов

9 февраля 2021 года исполнилось 65 лет скульптору, почетному члену Российской академии художеств Александру Алексеевичу Сильянову.
Александр Алексеевич Сильянов родился в семье военного на Камчатке. Потерял слух в 1 год, вместе с родителями переехал в Москву, где учился в специальной школе для глухих детей №101, потом – в Московском художественно-промышленном училище им. Калинина. Занимался графикой, живописью. С 2005 года с окончательной потерей зрения стал заниматься скульптурой.

Всеми своими произведениями автор стремится донести до людей мысль: невозможность видеть и слышать – еще не конец жизни. А.А.Сильянов — участник многочисленных фестивалей, групповых выставок, персональные выставки прошли в Москве и Подмосковье. Когда президент Российской академии художеств Зураб Церетели увидел его работы на выставке лауреатов Премии «Филантроп», он счел их создателя достойным звания Почетного члена Академии. Мужественный и разносторонне одаренный человек, Александр Сильянов в последнее время все больше времени отдает творческой работе над скульптурами, руководит благотворительной «Организацией попечения о слепоглухих и людях с синдромом Ушера «Ушер-Форум», а также участвует в театральном проекте «Прикасаемые». Его работы получили признание профессионалов.

Александр Сильянов 2013 г. бронза "Птичка устроилась на голове слепого человека, она рассказывает ему обо всех событиях в мире, которые он не может увидеть" Александр Сильянов

Александр Сильянов
2013 г.
бронза
«Птичка устроилась на голове слепого человека, она рассказывает ему обо всех событиях в мире, которые он не может увидеть»
Александр Сильянов

Биография
1956
Александр Алексеевич родился в семье военного, на Камчатке. Потерял слух в 1 год, и родители переехали в Москву.

1963
1975
учился в специальной школе для глухих детей №101 в г. Москве

1977
1982
учился в Промышленном художественном училище им. Калинина в Москве, имеет специальность «Художественная обработка камня и кости». Зрение ухудшилось.

1987
получил инвалидность 1 группы по зрению

2005
директор БАНО (Благотворительная Автономная некоммерческая организация) попечения о слепоглухих и людях с синдромом Ушера “Ушер-Форум”. Занимается графикой, живописью. С потерей зрения стал заниматься скульптурой.

2013
Член ТСХР — Творческий Союз Художников России

2014
Получил звание лауреата премии им. Островского «За мужество, крепость духа и творческие успехи».

2015
Получил звание “Человек года”

Женат, имеет дочь.

2017
Получил звание «Почетный академик Российской Академии Художеств»

Александр Сильянов "Ветер в гриве" 2013 г. бронза "Я всегда любил лошадей! Это благородное, сильное, умное и грациозное животное, которое всегда служило и радовало человека" Александр Сильянов

Александр Сильянов
«Ветер в гриве»
2013 г.
бронза
«Я всегда любил лошадей! Это благородное, сильное, умное и грациозное животное, которое всегда служило и радовало человека»
Александр Сильянов

ГАЛЕРЕЯ ИМЕНИ БРАТЬЕВ ЛЮМЬЕР. Один из самых успешных частных музеев МОСКВЫ. Скоро — в новом формате.

фото: The Lumiere Center for Photography (Галерея имени братьев Люмьер)

фото: The Lumiere Center for Photography
(Галерея имени братьев Люмьер)

Центр фотографии им. братьев Люмьер
24 февраля 2021 года, спустя 11 лет работы, на «Красном Октябре» закрывается один из самых успешных частных музеев Москвы, и уходит в формат галереи. «Галерея Люмьер» откроется уже в марте в собственном особняке на Большой Полянке.

«Галерея Люмьер» откроется уже в марте в собственном особняке на Большой Полянке. Проект, созданный в сотрудничестве с архитектором Евгением Ассом и его бюро, профессионально подготовлен для работы с коллекционной фотографией.

фото: The Lumiere Center for Photography (Галерея имени братьев Люмьер)

фото: The Lumiere Center for Photography
(Галерея имени братьев Люмьер)

Деятельность в новом формате будет сосредоточена на работе с коллекционерами, частными коллекциями, развитии собственного издательства, которое выпустило более 15 книг по российскому и западному фотоискусству. В планах — начало клубной деятельности, запуск обучающих лекционных программ, мероприятий.

КОНСТАНТИН АНДРЕЕВИЧ УХТОМСКИЙ (1819—1881) — русский художник-акварелист, мастер интерьерной живописи, архитектор, академик ИМПЕРАТОРСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ

портрет работы Александра Вегнера 1858 г. Константин Андреевич Ухтомский  (1819—1881) русский художник-акварелист, мастер интерьерной живописи  архитектор  академик Императорской Академии художеств сын академика гравирования А. Г. Ухтомского

портрет работы Александра Вегнера
1858 г.
Константин Андреевич Ухтомский
(1819—1881)
русский художник-акварелист, мастер интерьерной живописи
архитектор
академик Императорской Академии художеств
сын академика гравирования А. Г. Ухтомского

Константина Андреевича Ухтомского можно назвать одним из основоположников интерьерной живописи в России. Художник писал только интерьеры и делал это мастерски.

В Государственном Эрмитаже в настоящее время хранится около 50 акварелей Константина Ухтомского. По этим произведениям можно изучать виды залов, какими их застал художник в середине 19 века.

Константин Ухтомский родился в 1819 году в семье академика и художника-гравёра. В 1838 году окончил Императорскую Академию живописи со званием художника архитектуры и награждён, как талантливый выпускник за достижения в живописи, шпагой.
После окончания академии отправился в путешествие за границу, где изучал европейскую живопись и плодотворно работал.

В 1843 году Константину Андреевичу Ухтомскому было присвоено звание академика живописи.
В 1858 году художник был удостоен звания Почётного вольного общника Академии.
С 1850 по 1859 годы Ухтомский был хранителем академического музея. Умер художник в 1881 году. Похоронен на Смоленском кладбище в Санкт-Петербурге.

Аванзал.
Первый зал Парадной Невской анфилады. Создан по проекту Растрелли, перестроен в 1793 году Д. Кваренги, восстановлен архитектором В. П. Стасовым после пожара 1837 г. с сохранением интерьеров Д. Кваренги. Используется для проведения временных выставок.

Константин Ухтомский Виды залов Зимнего дворца Аванзал

Константин Ухтомский
Виды залов Зимнего дворца
Аванзал

Николаевский зал.
Создан архитектором Д. Кваренги, воссоздан В. П. Стасовым после пожара 1837 года со значительными изменениями. Главный зал Невской парадной анфилады предназначался для официальных церемоний и балов.

Константин Ухтомский Виды залов Зимнего дворца Николаевский зал

Константин Ухтомский
Виды залов Зимнего дворца
Николаевский зал

Арапский зал или Большая столовая.
Зал создан А. П. Брюлловым после пожара 1837 года, в отделке использованы лепные медальоны по рисункам Б. Торвальдсена.Название получил от того, что когда он использовался как столовая в нём прислуживали арапы (эфиопы). В настоящее время используется для проведения временных выставок.

Константин Ухтомский Виды залов Зимнего дворца Арапский зал или Большая столовая

Константин Ухтомский
Виды залов Зимнего дворца
Арапский зал или Большая столовая

Георгиевский зал.
Создан в начале 1840-х гг. В. П. Стасовым, который сохранил композиционное решение Дж. Кваренги.

 Константин Ухтомский Виды залов Зимнего дворца  Георгиевский зал

Константин Ухтомский
Виды залов Зимнего дворца
Георгиевский зал

Концертный зал.
Создан архитектором Д. Кваренги, восстановлен В. П. Стасовым после пожара 1837 года со значительными изменениями. В 1979—1981 годах была проведена капитальная реставрация росписей.

 Константин Ухтомский Виды залов Зимнего дворца  Концертный зал

Константин Ухтомский
Виды залов Зимнего дворца
Концертный зал

Константин Ухтомский Виды залов Зимнего дворца  Гостиная великой княжны Марии Николаевны

Константин Ухтомский
Виды залов Зимнего дворца
Гостиная великой княжны Марии Николаевны

Константин Ухтомский "Лоджии Рафаэля" акварель, лак   42х25  1860 г.

Константин Ухтомский
«Лоджии Рафаэля»
акварель, лак
42х25
1860 г.

Лоджии Рафаэля.
Возведённая в период с 1783 по 1792 год Джакомо Кваренги галерея с копиями рафаэлевских фресок повторяет (с некоторыми отступлениями) известное сооружение Папского дворца в Ватикане. Зодчий разместил лоджии в специально возведенном вдоль Зимней канавки корпусе, примыкавшем под прямым углом к зданию Старого Эрмитажа. Перед отъездом из Италии в Россию зодчий произвёл обмер ватиканской галереи. Строительные работы велись под наблюдением И. Ф. Дункера и каменных дел мастеров М. Кеза и Дж. Лукини. В процессе строительства обнаружилось несоответствие размеров новой галереи и размеров прибывших из Италии холстов с живописью, что привело к отстранению от работы Дж. Лукини.

Ещё до того, как началось сооружение этого корпуса, по заказу Екатерины II группа художников под руководством Х. Унтербергера в 1778 году приступила к копированию фресок Рафаэля и его школы в галерее папского дворца. Копии исполнялись на холстах, которые в закатанном виде доставлялись в Петербург. Здесь перед установкой полотен живопись приводил в порядок художник Я. Меттерлейтер. Когда сооружался Новый Эрмитаж, корпус с Лоджиями также подвергся полной перестройке, холсты были временно сняты и вновь водворены на место по окончании работ.

При эвакуации в 1941 году, в связи с опасением за сохранность живописи, было принято решение холсты не снимать. Специальные щиты плотно закрывали окна лоджий. Меры предосторожности вполне себя оправдали — за время Великой Отечественной войны помещение не получило никаких повреждений.

Архитектурный замысел лоджий прост. Галерея состоит из ряда отсеков (лоджий), образованных полуциркульными арками, которых находятся на равном расстоянии друг от друга и создают ясный и спокойный ритм. Проемы вдоль наружной стены застеклены (в Ватикане они были открытыми), в противоположной стене устроены забранные зеркалами окна (в Ватикане они освещают соседнее помещение). Вся поверхность стен и сводов, исключая панель ниже окон, покрыта причудливой росписью. Нигде не повторяясь, в строгом и ясном ритме, сливаясь в единую композицию, бегут завитки аканта, цветы, в них вплетаются изображения фантастических животных, играющих амуров, человеческих лиц и фигур, переходящие в лиственный орнамент. Таковы прославленные «гротески», созданные Рафаэлем под влиянием античных росписей.

МОЛЕНИЕ КХОНСУ. ГИЗА. ПОМПЕИ. СЦЕНА ИЗ РИМСКОЙ ЖИЗНИ. В ПРИЕМНОЙ МЕЦЕНАТА. ГРЕЧАНКА У МОРЯ. Художник СТЕПАН БАКАЛОВИЧ. Искусствоведы о мастере исторической картины

Степан Бакалович  "Моление Кхонсу"  50х100  холст, масло  1903 г.  Коллекция Русского Музея  Санкт-Петербург

Степан Бакалович
«Моление Кхонсу»
50х100
холст, масло
1903 г.
Коллекция Русского Музея
Санкт-Петербург

“Моление Кхонсу” – одна из самых известных картин Степана Бакаловича, впечатляющая своей красивостью и медитативностью. Картина была написана в жанре мифология после посещения художником Египта. Главные темы художника – античность и древний Рим. Бокалович проживал в Риме с 1883 года и до конца своей жизни (то есть, в Риме он прожил 64 года), принимал участие в археологических раскопках.
Степан Бакалович – классик академической живописи, родился на заре импрессионизма – в 1857 году, и проживший долгую жизнь (умер в 1947 году), однако, не ставший при этом на популярный в те времена «авангардный» путь в творчестве.

Степан Бакалович «Соседки. Сцена из римской жизни»  1885 г.  дерево, масло  23 x 38.5  Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева

Степан Бакалович
«Соседки. Сцена из римской жизни»
1885 г.
дерево, масло
23 x 38.5
Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева

Степан Бакалович — польский живописец, представитель интернационального салонного академизма XIX века, писавший картины преимущественно на темы из жизни Древнего Рима, трактованные в бытовом плане; также успешно работал в жанре офорта. Получил образование в петербургской Академии художеств, с 1883 года поселился в Риме, где прожил более шестидесяти лет, при этом регулярно выставляясь в России; первая выставка в Варшаве прошла в 1903 году. После 1914 года его живопись вышла из моды, и он перестал посылать свои полотна на выставки в Санкт-Петербург. В Италии был также известен как портретист; в 1921 году провёл в Риме персональную выставку. В 1936 году вошёл в состав правления польского общества художников «Капитолий», основанного в Италии. Скончался в Риме в 1947 году, дожив до 90-летнего возраста. Был похоронен на кладбище Кампо-Верано.

Степан Бакалович "Помпеи. У стен"  1885 г.  Чувашский государственный художественный музей

Степан Бакалович «Помпеи. У стен»
1885 г.
Чувашский государственный художественный музей

Степан Бакалович состоял в Обществе художников исторической живописи (с 1895 года), был действительным членом Петербургского общества художников (в 1900—1917 годах), а также польского общества «Захента» (с 1903 года). В Риме в 1902 году открылась Русская библиотека имени Н. В. Гоголя, основу которой составило собрание прекратившего своё существование «Клуба русских художников в Риме». Располагалась библиотека в бывшей мастерской Кановы. В Комитет библиотеки, основанный в 1905 году, вошёл, среди прочих старожилов итальянской столицы, и Бакалович. В статье 1911 года, опубликованной в журнале «Нива», констатировалось, что Бакалович — последний «русский римлянин» из прежде многолюдной академической колонии. Однако там же признавалось, что по своим сюжетам и творческому методу Бакалович — художник европейский. Он работал систематически: живописью занимался при дневном свете — от девяти утра до полудня, — а по вечерам занимался графикой. На выставке 1906 года в Риме было представлено две его работы: «Вход в терем» и «Пристань на Ниле», оцененные, соответственно, в 550 и 5000 лир. Степан Бакалович считался последователем Семирадского, который в свою очередь сравнивался с Альма-Тадемой. Художественные особенности живописи Бакаловича определили круг его покупателей.

Степан Бакалович "В приемной Мецената"  авторское повторение картины 1887 г.  1890 г.  Музей-заповедник "Павловск"

Степан Бакалович
«В приемной Мецената»
авторское повторение картины 1887 г.
1890 г.
Музей-заповедник «Павловск»

В 1913 году Академия Художеств отказала Бакаловичу в устройстве персональной выставки, так как его картины «тематически устаревают». В 1914 году на XXII выставке Санкт-Петербургского общества художников он в последний раз показал свою работу в России. Её название символично — «Последние лучи». С этого времени связь художника с Россией обрывается. В 1921 году Бакалович провёл персональную выставку в Риме. В наше время картины художника выставлены в постоянной экспозиции Русского музея и Третьяковской галереи, Киевского музея русского искусства, в других музейных коллекциях и в частных собраниях.

Елена Нестерова, доктор искусствоведения, эксперт по русской живописи второй половины XIX – начала ХХ века:

«…небольшие вещи С. В. Бакаловича словно предназначены для буржуазной гостиной или профессорского кабинета, его археологические реконструкции античного быта, выполненные с музейной тщательностью и точностью, сами казались предметом антиквариата, моментальным фотографическим снимком далёкой эпохи». В то же время небольшие размеры его полотен и камерность вполне «перекидывали мостик» к ретроспективным реконструкциям мирискусников.

Александр Бенуа, художник, историк искусства, художественный критик, основатель и главный идеолог объединения «Мир искусства»:

«Единственная прелесть картин Бакаловича — это весьма порядочная и иногда даже не лишённая поэзии mise-en-scène, обнаруживающая большое знание помпейских раскопок. Его дворики, сады, в которые он сажает свои фарфоровые куколки, иногда очень милы по своему провинциальному уютному и «маленькому» характеру. Бакалович, видимо, вслед за Тадемой, понял прелесть мелкого, домашнего искусства древних, и это понимание, пожалуй, до некоторой степени может спасти его произведения от забвения».
«Истории русской живописи в XIX веке»

Степан Бакалович "Гречанка у моря" 1908 г.  Музей-квартира Исаака Бродского  Санкт-Петербург

Степан Бакалович
«Гречанка у моря»
1908 г.
Музей-квартира Исаака Бродского
Санкт-Петербург

Степан Бакалович  "Иаков узнает одежду сына своего Иосифа, проданного братьями в Египет"  1880 г.   Научно-исследовательский музей Российской Академии художеств

Степан Бакалович
«Иаков узнает одежду сына своего Иосифа, проданного братьями в Египет»
1880 г.
Научно-исследовательский музей Российской Академии художеств

ЕЛЕНА ШИРЕНИНА. Художник, график, живописец, член МОСХ и МСХ. Рубрика КЛАССИКИ И СОВРЕМЕННИКИ

Елена Ширенина Арт-Релиз.РФ

Художник Елена Ширенина на фоне своих работ

Художник
Елена Ширенина
на фоне своих работ


О художнике:
Елена Аполлоновна Ширенина родилась в Москве в 1962 году.
В 1985 году закончила Факультет Прикладного искусства МТИ им Косыгина. После института работала в НИИ, создавая текстильные рисунки, в оформительском бюро и преподавала рисунок, живопись, композицию в средних и высших учебных заведениях. Сейчас совмещает педагогическую и творческую деятельность.
Член Московского Союза художников, московского отделения Союза Художников России.
Постоянный участник выставок профессиональных художественных объединений МСХ и МОСХ и других творческих групп. Организует свои персональные выставки в России и других странах.
Работы находятся в музеях и галереях Москвы, Петербурга, Торжка, Симферополя, в зарубежных галереях и частных коллекциях.
Работает в темперной, акварельной, акриловой технике, монотипии, в технике сухой иглы, литографии, масляной постели, масляной живописи.
В каждой работе, независимо от выбора материала, выражена творческая позиция автора — уход от простого копирования натуры, стилизация изображения, создание композиции со свободной, но логично увязанной компоновкой пространства и элементов изображения, моделирование художественного образа со своей историей, содержанием, подтекстом.

Контакты: +7 903 689 52 37
elena_shirenina@mail

Елена Ширенина фото 2 Арт-Релиз.РФ

Елена Ширенина фото 5. Арт-Релиз.РФ

Елена Ширенина фото 6. Арт-Релиз.РФ

Елена Ширенина фото 7. Арт-Релиз.РФ

Елена Ширенина фото 9. Арт-Релиз.РФ

Елена Ширенина фото 10. Арт-Релиз.РФ

Елена Ширенина фото 11. Арт-Релиз.РФ
Елена Ширенина фото 8. Арт-Релиз.РФ
Елена Ширенина фото 4. Арт-Релиз.РФ

Елена Ширенина фото 3. Арт-Релиз.РФ