Архивы рубрики ‘Персоны’

ЛЮБОВЬ НОВА. Выставка БЕЗ ПОДОБИЯ. До 6 сентября 2020 года в Библиотеке имени А.Н.ТОЛСТОГО. Адрес: МОСКВА, КУТУЗОВСКИЙ проспект, дом 24

Любовь Нова на своей выставке "Без подобия"

Любовь Нова
на своей выставке
«Без подобия»

Любовь Нова
БЕЗ ПОДОБИЯ
22 марта — 6 сентября 2020
Библиотека им. А.Н. Толстого
Москва, Кутузовский проспект, 24

Любовь Нова — художник-философ, исследователь взаимосвязей мира через искусство. Работы ее отличают не только собственные манера и стиль, но и стремление познать нечто большее через красоту, атмосферу произведения, через собственный взгляд на натуру и даже произведенное на зрителя впечатление. Вот почему для художника важны творческие встречи на выставках — они, как продолжение разговора, начатого в размышлениях над сюжетом, как преддверие будущих работ, как взаимосвязь с миром, который бесконечен для познания и открытий.
Накануне финисажа Любовь Нова ответила на некоторые вопросы журналу АРТ-Релиз.РФ

AРТ-Релиз: Можно больше подробностей о философии названия?

Любовь Нова: Название возникло из игры слов: бесподобно — без подобия и из размышлений о том, насколько живопись стремится к зеркальному отображению мира или все же создаёт свой собственный мир. Думаю, искусство рождается как раз на стыке подобия и не — подобия реальности. (Подробнее об идее выставки есть в официальном релизе, он представлен ниже)

АРТ-Релиз: Много новых работ вошло в экспозицию, они были специально для выставки написаны? То есть связывались ли сюжеты с названием, как концепция?

Любовь Нова: Работы в экспозиции и новые, и старые, примерно пополам. Да, несколько работ созданы специально к выставке (например, триптих из серии «Альбинос»).

AРТ-Релиз: Оправдались ли ожидания?

Любовь Нова: Хотелось, чтобы выставка состоялась и чтобы люди пришли. Ожидания оправдались, хотя и в карантин, но гостей было много. Была обратная связь коллег — художников, искусствоведов и посетителей. Это даёт силы продолжать работу. Несколько работ были проданы.

AРТ-Релиз: Интересный опыт предоставил карантин. Выставка оказалась в несколько необычной ситуации, когда время как бы остановилось для всего мира, а картины продолжали экспозицию. Какое новое для Вас осмысление получила эта выставка?

Любовь Нова: Да, выставка попала в самый разгар пандемии и была на грани срыва. Но опыт ее открытия очень обнадежил: все же искусство нужно во все времена и, может особенно, в тяжёлые. Татьяна Евгеньевна Феоктистова, куратор, упомянула на открытии, что выставки организовывались в Москве даже во время войны. Думаю, опыт карантина мы ещё долго будем осознавать. Странно было понимать, что картины продолжают висеть в залах, а людей нет. Словно иллюстрация того, что искусство самодостаточно и не нуждается в нас — зрителях. Это мы нуждаемся в надежде и осмыслении, которые дарит искусство.

AРТ-Релиз: Влияют ли выставки на творческий процесс?
Любовь Нова: Конечно, влияют. Общение, люди всегда заряжают на новое. Сейчас готовлю совершенно новый проект, на стыке абстракции и фотоискусства. Если пандемия не помешает, надеюсь открыться в ноябре 2020.

AРТ-Релиз: Все говорят о том, что мы станем другими после пандемии. Так ли это? Как это выражается в художественном смысле в Вашем творчестве?

Любовь Нова: Да, думаю, конечно, станем иными. После пандемии появляются новые идеи и идёт поиск новых форм выставочной деятельности. Переход в онлайн режим, жизнь в цифровом мире заставляют задуматься о будущем. Пандемия показала нашу связанность друг с другом, хрупкость и в то же время волю к жизни. На фоне пандемии я снова занялась абстрактной живописью. Наверно, этот уход от предметности в идеальный мир форм и чистого цвета как-то связан с тем, что мы все пережили.

Любовь Нова выставка.фото 12 Арт-Релиз.РФ


Пресс-релиз выставки:

Выставка «Без подобия» посвящена уникальности индивидуального опыта и общности человеческих проявлений, своеобразию взгляда художника и тем связям и параллелям, которые тянутся от него к другим. Каждый художник одновременно подобен всем своим предшественникам и при этом исключителен и бесподобен. В одно и то же время, его произведения созвучны окружающей действительности и совершенно не связаны с ней, полны фантазии и вымысла. Живопись показывает мир, лишь напоминающий реальный, создавая альтернативное пространство, в котором можно жить. Именно в таком подобии «без подобия» состоит искусство, ведь «полное сходство вульгарно, а несходство – обман» (Ци Байши). В своих работах Л. Нова стремится приоткрыть неочевидную сторону вещей.
На выставке представлено более 40 живописных произведений в жанрах натюрморта, пейзажа, портрета.
Выставка Любови Нова «Без подобия» открылась в Москве 22 марта 2020, в самый разгар надвигающейся пандемии, за неделю до официального карантина. В те дни атмосфера была пронизана тревогой и сомнениями, и судьба вернисажа была под вопросом. Однако при поддержке куратора Татьяны Евгеньевны Феоктистовой и в согласии с официальными городскими постановлениями открытие состоялось!
Несмотря на пандемию, вернисаж прошел с успехом. Ограничение властей на посещение мероприятий не более 50 людьми одновременно было соблюдено. На входе гости получали маски и перчатки. На вечере выступила приглашённая гостья – певица, композитор Изабелла Бондаренко. Она исполнила свои авторские песни в рамках проекта «Neuppe».
Открытие было освещено Министерством Культуры Астраханской области, Кириллом Зимогорским и его порталом CULTOBZOR, а также арт-обозревателем CABINET DEL ART Ольгой Серегиной. В период карантина сюжет о выставке был показан в рамках Ночи Музеев 2020.
Выставка «Без подобия» должна была завершиться в конце апреля 2020, однако из-за известных событий была продлена до сентября. Сейчас идут последние дни посещения выставки, еще можно успеть посмотреть ее экспозицию.
Торжественный финисаж состоится 6 сентября в 17.00 в Арт-зале библиотеки.
Вход строго по приглашениям!

Биографическая справка
Любовь Нова родилась в Москве, выросла в г. Хельсинки, в художественной семье. Получила образование в МГАХИ им. В.И. Сурикова. Член ТСХР. Участница многочисленных выставок в России и за рубежом. Работы находятся в муниципальном собрании г. Бауска (Латвия), Астраханской картинной галереи имени П.М. Догадина, дома-музея Б. Кустодиева, а также частных коллекциях России, Европы и Китая.

Открытие выставки  "Без подобия" Библиотека им. А.Н. Толстого

Открытие выставки
«Без подобия»
Библиотека им. А.Н. Толстого

Любовь Нова выставка.фото 6 Арт-Релиз.РФ

Любовь Нова на своей выставке "Без подобия"

Любовь Нова
на своей выставке
«Без подобия»

Любовь Нова выставка Арт-Релиз.РФ

ОКНО В ПАРИЖ. ЛЮДМИЛА СКУБКО-КАРПАС. Живопись. Графика. Искусствовед ЕЛЕНА САДЫКОВА об арбатской француженке в Париже

ОКНО в ПАРИЖ
«Людмила Скубко-Карпас. Живопись. Графика».
Арбатская француженка в Париже.

Ярким выставочным проектом сезона стала выставка «Окно в Париж» в Доме русского зарубежья, представившая разнообразные сюжетные линии живописца и графика Людмилы Львовны Скубко-Карпас (1923-2012).
Эта выставка увидела свет в сложный период мировой пандемии, когда музейные и выставочные институции были вынуждены отказать от очных визитов посетителей и переходить в виртуальный режим. Экспонаты и развернутые сведения о выставке представлены на сайте Дома русского зарубежья.
Несмотря на значительный временной промежуток работы выставки, охватывающий период с 16 марта по 31 июля 2020 г., она оказалась скованной ситуацией карантина и была закрыта для публики вскоре после открытия. В связи с этим выставка не прозвучала в полной мере, но стала свидетелем эпохи, ведь подобную участь, в эту нелегкую пору, постигли выставки в ведущих музейных институциях от Лувра до Третьяковки.
В настоящее время Людмила Скубко-Карпас является одним из тех мастеров советского искусства, творчество которых востребовано в кругу профессионалов и вызывает растущий интерес публики. Художник занимал собственную нишу в разветвленной иерархии мастеров советского изобразительного искусства, отличную от магистральной линии соцреализма и пришедшего ему на смену «сурового стиля». При этом Людмила Скубко-Карпас еще более далека была и от изысканий, в том числе ментальных, нонконформистов, мастеров Лианозовской группы, волны второго авангарда.
Основу творческого метода Людмилы Скубко-Карпас составил импрессионизм, на который она опиралась в собственных художественных поисках, осуществляемых ей в лоне реалистического стиля. Импрессионизм как живописное явление не был под прямым запретом советской идеологии, к нему с удовольствием обращались обласканные властью «гуру», академики, авторы «ленинианы» и «сталинианы», воспевавшие советских вождей: Александр Герасимов, Федор Модоров, Дмитрий Налбандян и другие, увенчанные наградами академики.
В отличие от названных выше художников Людмила Скубко-Карпас была далека от политизированных сюжетов, воплощавших идейную концепцию советского строя и поднимавших дух советских граждан. Тонкой творческой натуре Людмилы Скубко-Карпас, преданной семье, верной супруги и чуткой любящей матери двух сыновей, очевидно, претила мысль о планомерной карьере в художественной среде, которая могла бы поднять ее по ступенькам к официальным званиям и регалиям.
Однако возможно именно эта осознанная отстраненность от карьерного принципа построения творческого пути, отсутствие жажды признания официальными структурами, позволили Людмиле Скубко-Карпас выполнять свидетеля эпохи; летописца, запечатлевшего советское общество без прикрас, но и без пессимистических критиканских нот, таким, каким оно представало в жизни творческой элиты и научной интеллигенции, и сотен советских граждан.
Произведения Людмилы Скубко-Карпас удивительно светлые по внутреннему настрою автора. Вне зависимости от жанра, в котором работает мастер, работы лирические и поэтизированные, мироощущение мажорное. Людмила Скубко-Карпас чужда патетики и напыщенности, ее картины, как правило, имеют достаточно простую, легко читаемую зрителями сюжетную основу – цветочные натюрморты, пейзажные мотивы, портретные образы. При этом следует отметить, что произведения написаны с высоким профессиональным мастерством, а манера мастера достаточно индивидуальна и узнаваема. В контексте эпохи, по жанровой и сюжетной основе работ, Людмила Скубко-Карпас сопоставима с Матильдой Булгаковой, мастером цветочного натюрморта.
Творческое наследие Людмилы Скубко-Карпас постепенно находит публику благодаря достаточно обширному количеству публикаций, посвященных мастеру, и выставочных проектов, выделяющих различные грани ее творчества. Инициатором и координатором проектов, связанных с исследованием творчества Людмилы Львовны Скубко-Карпас, является ее старший сын Юрий Скубко – кандидат искусствоведения, ученый-африканист. Благодаря беззаветной преданности сына наследию матери, его кипучей творческой энергии и организаторским способностям появился ряд издательских и выставочных проектов, освещающих различные грани ее творчества.
Вокруг мастера формируется круг ценителей, которые ждут новых встреч с ее живописными и графическими картинами. В последние годы работами Людмилы Скубко-Карпас публика могла любоваться на таких заслуженно любимых московской публикой выставочных площадках, как залы Товарищества живописцев на Тверской-Ямской, «Открытый клуб» на Спиридоновке, Дом-музей Марины Цветаевой, Государственный музей востока (ГМВ), Институт Африки Российской академии наук (РАН) и другие, включая последний выставочный проект в «Доме русского зарубежья».
И вот новый виток, представивший живопись и графику Людмилы Скубко-Карпас в Доме русского зарубежья, который славится изысканными выставочными проектами, удивляющими и трогающими за живое искушенную московскую публику. Выставка призвана осветить ту тонкую и вполне зримую нить, которая связывала Людмилу Скубко-Карпас с французской художественной культурой, с Парижем – городом-магнитом притяжения для мастеров искусства многих поколений, разных эпох и времен.
На выставке представлены работы, созданные художником непосредственно во время его пребывания во Франции. Мастер дважды побывала во Франции, полюбила Париж, запечатлела в своем творчестве ближний круг общения, пейзажные мотивы с присущей ей живостью кисти и карандаша и тонким лиризмом. Пласт работ, написанных в 1982 году, относится к советской эпохе, когда лишь избранные счастливчики пересекали рубежи границ и могли посещать европейские страны (и Людмиле Львовне сначала отказали в выезде во Францию по приглашению, но со второй попытки, вот уж неисповедимы пути господни, неожиданно разрешили). Работы, написанные во Франции, несомненно, относятся к удачным страницам творческого наследия мастера, отражают особенности ее манеры в полной мере.
Не менее значительны и произведения, написанные уже в эпоху девяностых, когда политические бастионы пали и Россия оказалась открытой как для Европы, так и для мирового сообщества, а эпоха железного занавеса все больше становилась призрачной. Художник провела семь плодотворных в творческом плане лет во Франции, с 1990 по 1997 годы, когда ей были созданы портретные сюиты, жанровые сцены, урбанистические пейзажи, природные виды. Вне зависимости от того, как мастер переживала интеграцию в иноземную среду, а пересадка на чужую почву далась совсем не легко (В1997г. Вернулась в Москву совсем больная, но родные стены и забота близких помогли быстро встать на ноги и подарили еще полтора десятилетия полноценной жизни), творчество ее не утеряло светлой направленности. То, насколько внутренне ей был легок или сложен статус иммигранта, эмоциональные переживания не сломили ее творческую натуру. Во Франции в период эмиграции в творчестве Людмилы Скубко-Карпас не угасли присущие ее мировоззрению живость и легкость, а также умение схватывать впечатления на лету, и воплощать их в портретных образах, пейзажных зарисовках. Мастер запечатлевала не только портретные черты, но и давала внутреннюю характеристику персонажей.
Возможно, этап французской эмиграции стал важным периодом переосмысления поворотных творческих и жизненных моментов. Несомненно, что жизненная и творческая судьба Людмилы Скубко-Карпас, дважды побывавшей во Франции — и в эпоху железного занавеса, когда советская страна не обладала открытостью границ, а зарубежные вояжи были уделом избранных деятелей искусства, редких счастливчиков и баловней судьбы, и в эпоху девяностых, когда российский народ кинулся покорять европейские просторы, абсолютно уникальна. В девяностые годы художник не просто пребывала во Франции в статусе иммигрантки, переезд которой за рубеж был обусловлен личными причинами, но и вела выставочную деятельность. Художник интегрировалась в местную художественную среду, не в последнюю очередь благодаря Александру Гинзбургу, который в 1990 году помог с организацией ее первой выставки во Франции — прямо в редакции “Русской мысли”, где он тогда работал. В 1991 и 1993 гг. Л.Л. Скубко-Карпас принимала участие в Осенних салонах в Париже.
Подобное пребывание мастера в разновременные периоды творческого пути и представление в едином выставочном пространстве произведений изобразительного искусства, созданных в 1982 и в 1990-1996 годы, дает возможность публике осмыслить феномен взаимодействия российского общества с европейскими странами, всем миром.
Проблема русского зарубежья является одной из наиболее животрепещущих и актуальных для русского культурного сообщества. Людмила Скубко-Карпас является свидетельницей тех времен, когда для советского человека встреча с за границей равнялась культурному шоку. Попадал же член советского общества за границу порой неисповедимыми судьбами. Как, например, Булат Окуджава, всенародно любимый бард, воспевший Арбат, попавший в Японию не по линии официальной власти, а по приглашению японского коллекционера, оценившего его хобби создавать рамки для картин, и не подозревавшего, что он пригласил известного поэта и писателя.
Выставка Людмилы Скубко-Карпас, открывающая пласт работ мастера французского периода, представляет безусловный интерес в художественном плане. Не менее весома роль экспозиции в качестве катализатора осмысления тех страниц русской истории, которые связаны с пребыванием значительного числа представителей цвета русской культуры за рубежом в статусе иммигранта. Начиная с Николая Рериха, Натальи Гончаровой, Михаила Ларионова и многих других живописцев, покинувших Россию в далекие 1910-е – 1920-е годы.
Феномен русской иммиграции 1990-х годов на порядок менее изучен, и творчество Людмилы Скубко-Карпас представляет прекрасную возможность осмыслить это многогранное явление на примере судьбы художника, его произведений созданных во Франции.
Та тонкая грань, которая связывает художника с арбатскими двориками, парижскими крышами, выражается в прелестных пейзажных зарисовках, неспешное повествование которых дополняется портретными образами, созданными с натурами. Французское творчество Людмилы Скубко-Карпас представляет особую страницу ее наследия, которое, несомненно, достойно украсить собой новые выставочные проекты, которые продолжат развитие линий, заложенных экспозицией в Доме русского зарубежья.

Елена Садыкова
кандидат искусствоведения
член Московского союза художников (МСХ),
Международного совета музеев Иком России,
доцент ГИТИСа

Украшения с острова БАЛИ. Презентация новой ювелирной коллекции бренда ABOUT ANGELS by KAORA SANDARA «ALNILAM» в России. На презентации в Москве побывала эксперт-искусствовед ЕЛЕНА САДЫКОВА

В июне дизайнер Kaora Sandara провела презентации новой коллекции ювелирных украшений бренда About Angels в России.
Коллекция носит название ALNILAM.
Название коллекции – это имя планеты в созвездии Орион.

Каора Сандара   дизайнер, художник   основатель бренда  "About Angels"

Каора Сандара
дизайнер, художник
основатель бренда
«About Angels»

Каора Сандара – дизайнер и художник русского происхождения, основатель бренда About Angels. На протяжении долгого времени, более десяти лет, живет и работает на Бали, и коллекция создается на этом волшебном острове. Художник взаимодействует с кристаллами, воплощает трансформативные знания, космическую энергию. В основе ювелирной коллекции, имеющей современное звучание и тонкие художественные формы, лежат коды сакральной геометрии. Любимыми кристаллами мастера являются горный хрусталь, розовый кварц. В изделиях можно увидеть халцедон, черный агат, лунный камень, гранат, цитрин и другие натуральные камни, обрамленные серебром.

Украшения дизайнера  Каоры Сандары  на презентации ее  новой коллекции ювелирных украшений бренда "About Angels" в России

Украшения дизайнера
Каоры Сандары
на презентации
ее новой коллекции ювелирных украшений бренда «About Angels» в России

Каора Сандара является тем редким мастером, который выражает эзотерические знания в ювелирных изделиях. Украшения не просто обладают эстетической привлекательностью, но и несут в себе закодированные смыслы. Можно выделить два уровня смыслов. Первый из них закодирован на успех, богатство, любовь и другие традиционные ценности, второй же помогает раскрыть личностные качества и перейти на новый уровень сознания.
Ювелирная коллекция включает коды-шармы, тонкие браслеты с кодами сакральной геометрии, диадемы, кольца, кулоны и другие магические изделия. Украшения имеют названия – «Гармоническая Женщина», «Очиститель Сознания», «Новая Игра», «Поток», «Излучатель Любви», «Магнит Изобилия» и другие.

Каора ювелирные украшения.. Арт-Релиз.РФ

Анонс:
И вновь ювелирные изделия брэнда About Angels можно будет увидеть в Москве в рамках трехдневного шоурума 4,5 и 6 июля по адресу Большой Козихинский переулок, 19/6.
Наряду с новой коллекцией «ALNILAM» представлены и изделия прошлых коллекций.

Телефоны представителей +7 916-695-59-74 Людмила и + 7 926-056-70-30 Наталья
Часы работы показов: четверг 4 июля 15-22.00 пятница 5 июля 15-22.00 суббота 6 июля 12-19.00

Елена Садыкова эксперт-искусствовед

Каора Сандара   дизайнер, художник   основатель бренда  "About Angels"

Каора Сандара
дизайнер, художник
основатель бренда
«About Angels»

В ШКОЛЕ №1231 имени В.Д.ПОЛЕНОВА установлен скульптурный бюст работы СТЕПАНА МОКРОУСОВА-ГУЛЬЕЛЬМИ. На открытии побывала эксперт-искусствовед ЕЛЕНА САДЫКОВА

Арбатские новости. Скульптурный бюст художника Василия Дмитриевича Поленова установлен в школе 1231 им. В.Д. Поленова.

Скульптор Степан Мокроусов бюст Василия Дмитриевича Поленова

Скульптор
Степан Мокроусов
бюст Василия Дмитриевича Поленова

К 175-летнему юбилею Василия Дмитриевича Поленова! Бюст живописца работы скульптора Степана Мокроусова-Гульельми установлен в школе 1231 им. В.Д. Поленова.

Скульптор Степан Мокроусов, автор бюста Василия Дмитриевича Поленова  директор школы Виктория Викторовна Тиунова  искусствовед Елена Садыкова

Скульптор Степан Мокроусов, автор бюста Василия Дмитриевича Поленова
директор школы Виктория Викторовна Тиунова
искусствовед Елена Садыкова

Важное событие, приуроченное ко дню рождения Василия Дмитриевича Поленова, состоялось 20 июня 2019 года в районе Арбат. Событие приурочено к 175-летнему юбилею известного живописца.
Школа 1231 им. В.Д. Поленова – это одна из старейших школ Москвы, перешагнувшая 80-летний юбилей. Она славится добрыми традициями, широтой международных связей и художественных горизонтов, углубленным изучением иностранных языков, высокой культурой общения, которую педагоги прививают ученикам.

Степан Мокроусов-Гульельми. Бюст Поленова.....Арт-Релиз.РФ

Общеобразовательная школа была основана в далеком 1936 году в одном из уголков Арбата, в Спасопесковском переулке. С 1961 года школа № 12 получила статус специальной, с углубленным изучением французского языка.
Само расположение школы связало ее незримыми нитями с выдающимся русским художником, передвижником Василием Дмитриевичем Поленовым. Здание школы находится на том месте, которое Поленов запечатлел на своей знаменитой картине «Московский дворик» (1878, Третьяковская галерея). Храм Спаса Преображения на Песках белокаменный, с шатровой колокольней, является одним из образцов русского зодчества 17 столетия. Восстановленный после пребывания в нем студии Союзмультфильм храм Спаса на Песках, виден на картине, а ныне находится прямо напротив здания школы. В свое время школьники внесли лепту в восстановления этого храма. Ныне храм является одним из наиболее любимых и почитаемых жителями Арбата и москвичами.
При директоре Татьяне Александровне Маркевич (годы директорства 1958-1973) школа установила тесные связи с музеем-заповедником В.Д. Поленова. Ученики двенадцатой спецшколы традиционно проходили летние практики в Музее-заповеднике В.Д. Поленова на реке Оке. Практики проходили весело и задорно, ученики проводили экскурсии в залах музея. Важным этапом, связавшим спецшколу № 12 с именем Василия Дмитриевича Поленова, стало присвоение его имени школе.
В свое время в школе училась родная правнучка художника Наталья Федоровна Поленова, ныне являющаяся директором музея-заповедника. Выпускников школы, среди которых многие известные дипломаты, художники, писатели, искусствоведы, ученые, связывает содружество.
После Перестройки школа получила новый номер – 1231, и сейчас включает комплекс образовательных учреждений: в Спасопесковском переулке, Большом Афанасьевском переулке, на Пречистенке и др.
И вот новый этап, наглядно воплотивший это многолетнее содружество в произведении искусства – дар скульптора Степана Владимировича Мокроусова-Гульельми.
Скульптурный бюст В.Д. Поленова, установленный в холле первого этажа здания школы в Спасопесковском переулке, символизирует те нити, которые связывают тесным образом школу 1231 с Поленовым, как благодаря самому расположению школы в историческом месте, так и дружбе с Музеем-заповедником выдающегося живописца.

В школе №1231 перед открытием бюста Василию Дмитриевичу Поленову работы скульптора  Степана Мокроусова-Гульельми

В школе №1231 перед открытием бюста Василию Дмитриевичу Поленову
работы скульптора
Степана Мокроусова-Гульельми

Степан Мокроусов-Гульельми – известный российский скульптор. Автор скульптурных портретов и монументальных памятников, установленных в России и за рубежом, хранитель классических традиций.
Ведущую творческую тему составляют скульптурные портреты, посвященные русским деятелям культуры, историческим личностям, героям Великой Отечественной войны. Скульптуры и памятники Мокроусова-Гульельми украшают Нью-Йорк, Флоренцию, шотландский Эрлстон, Санкт-Петербург, Димитровград, и, конечно же, Москву, где он принимал участие в возрождении Храма Христа Спасителя.
В своем творчестве автор продолжает лучшие традиции русской скульптурной школы, ведущей свое начало от основоположника русской портретной скульптуры Федота Шубина.
Бюст Василия Дмитриевича Поленова, принесенный в дар школе, обладает художественной и коллекционной ценностью. Поленов представлен в «полторы натуры». Автор придал скульптурному образу характерность. Произведение не только достоверно передает портретные черты выдающегося живописца-передвижника, но и выражает полноту душевных движений. Образ, созданный Степаном Мокроусовым-Гульельми, имеет мажорное звучание, выполнен с высоким профессиональным мастерством.
Необходимо отметить, что Василий Дмитриевич Поленов является известным живописцем и просветителем. Усадьба художника на берегу реки Оки в свое время стала истинным центром просвещения. Художник открыл две школы в окрестностях усадьбы, проповедовал идеи труда на примере собственной семьи.
Прекрасны живописные картины Поленова, но не менее важен вклад, который художник внес в развитие образования.
На торжественной церемонии открытия выступили директор школы 1231 им. В.Д. Поленова Виктория Викторовна Тиунова, сам скульптор, ветераны, присутствовали и искусствоведы. Церемония прошла в теплой обстановке.
По словам Степана Мокроусова-Гульельми «картина «Московский дворик» Поленова – это картина, которая с детства для многих очень близка». Скульптор отметил, что он «счастлив, что Виктория Викторовна, директор школы, предложила идею создания бюста Поленова».
Необходимо отметить, что скульптора и Поленовскую школу связывает теплая дружба и сотрудничество. Несколько лет назад скульптор принес в дар школе бюст Гоголя. Это событие было приурочено к 200-летнему юбилею автора «Мертвых душ».
Несомненно, что принесенный в дар С.В. Мокроусовым-Гульельми бюст Поленова обрел достойное место экспонирования в Школе 1231 им. В.Д. Поленова. Здесь он будет являться символом просветительской деятельности выдающегося живописца, радовать взор учеников, преподавательского состава и гостей школы, ставшей одним из исконных символов района Арбат.
Данное событие является достойным продолжением исконно русской традиции меценатства и сотрудничества русских мастеров искусства с образовательными учреждениями, заложенной в эпоху Демидова, Левицкого и других персонажей, составивших гордость российской истории.

Елена Садыкова
кандидат искусствоведения
эксперт-искусствовед

Историк искусства, эксперт-икусствовед ЕЛЕНА САДЫКОВА приглашает присоединиться к ее авторскому проекту ДОКЛАДИЗО

Елена Садыкова  ведущая и автор интернет-проекта: кандидат искусствоведения, доцент кафедры ИЗО ГИТИС, эксперт по культурным ценностям Минкультуры России, автор научных трудов

Елена Садыкова
ведущая и автор интернет-проекта: кандидат искусствоведения, доцент кафедры ИЗО ГИТИС, эксперт по культурным ценностям Минкультуры России, автор научных трудов

Елена Садыкова, историк искусства, эксперт-искусствовед:

«Дорогие друзья, художники и искусствоведы, преподаватели и студенты!
В своей экспертной практике, в первую очередь связанной с международными перевозками произведений искусства, я регулярно общаюсь с авторами прекрасных художественных произведений: художниками, графиками и скульпторами, совсем молодыми и маститыми мастерами.
Не менее ярким является общение и с замечательными коллекционерами, владельцами собраний современного и старинного искусства. Преподавательский опыт в ведущем театральном вузе страны ГИТИСе также открывает передо мной широкие горизонты. С любознательными и талантливыми студентами мы изучаем различные этапы истории мирового искусства и посещаем заповедные уголки столицы, культурные проекты.
Для того, чтобы объединить этот богатый художественный и жизненный опыт в единое коммуникационное пространство мной был разработан ряд проектов, но самым успешным с точки зрения доступности и восприятия оказалось интернет-пространство.
Я приглашаю всех неравнодушных к изобразительному искусству в его различных проявлениях друзей присоединиться к моему проекту.
Вместе мы можем следить за новостями на арт-пространтсве, делиться впечатлениями от путешествий и прогулок, посещений выставок и мастерских, рассказывать о своих новых картинах, скульптурах, статьях и книгах и многом другом, что входит в границы культурного пространства.
Докладизо – это универсальное понятие, включающее в себя многообразие культурного и природного достояния.
В настоящее время я веду рубрику #докладизо в двух социальных сетиях: на Фейсбуке и Инстаграме. Присоединяйтесь!»

Подписывайтесь на хэштег #докладизо и следите за новостями.
Публикуйте свои фото и видеозарисовки, помечая их хэштегом #докладизо.
Контакты для связи: sadeke@yandex.ru 8-985-762-98-26
Facebook Elena Sadykova
Instagram @izosadykova
#докладизо

АРЦРУН АСАТРЯН. Живопись

 Арцрун Асатрян

Цвет и ритм. Картины Арцруна Асатряна раскрываются с помощью ярких красок и геометрической абстракции, которую художник использует в своих композициях наряду с фигуративным изображением сюжета. Сочетания линий и цвета создают почти вибрирующий эффект и объемность пространства, иллюзию преломления света и игру теней. Но, несмотря на такую сложность выразительных средств, увлекающих следовать за переходами оттенков, манера изображения не отвлекает внимания зрителя от образа, а усиливает его эмоциональное воздействие, подчеркивает характер, придает объем не только пространству полотна, но и внутреннему душевному состоянию. Портреты — излюбленный жанр Арцруна, и каждой модели художник находит свою линию рисунка, свой геометрический орнамент, позволяющий прочесть настроение и красоту внутреннего мира героя.

Художник Арцрун Асатрян.
Живопись.
Контакты:
artsrun2707@gmail.com
+37499807957

 Арцрун Асатрян

 Арцрун Асатрян

 Арцрун Асатрян

 Арцрун Асатрян

 Арцрун Асатрян

 Арцрун Асатрян

 Арцрун Асатрян

 Арцрун Асатрян

 Арцрун Асатрян

 Арцрун Асатрян

 Арцрун Асатрян

Арцрун Асатрян

Арцрун Асатрян
Контакты:
artsrun2707@gmail.com
+37499807957

ТОМОНА МИЯДЗАКИ. Известная японская пианистка, лауреат международных конкурсов, Посол по туризму префектуры КАГАВА, член РУССКОГО МУЗЫКАЛЬНОГО ФОНДА

Томона Миядзаки, Намгар (фото Александра Загряжская, Арт-Релиз.РФ

ТОМОНА МИЯДЗАКИ родилась в городе Такамацу, Япония. В 2000 г. закончила фортепианное отделение на Музыкальном Факультете Токийского Государственного Университета Искусств и Музыки. В 2003 г. закончила аспирантуру при Московской Государственной Консерватории им. П.И.Чайковского (Класс профессора С. Л. Доренского).
Уроки фортепианного исполнительского искусства Томоне преподавали такие мастера, как М. Харимото, H. Czerny-Stefanska, Валерий Владимирович Кастельский, Сергей Леонидович Доренский и Ада Моисеевна Трауб.
В 2004 году она стала лауреатом ( 1 премия ) на Международном конкурсе в Литве.
С 1996 года постоянно принимает участие в концертах, в том числе сольных. Гастролировала в различных городах Японии, России, по странам СНГ и Прибалтики, а также по Европе, США и Мексике. ТОМОНА неоднократно играла в сопровождении камерных и симфонических оркестров, в том числе Московского Государственного Академического Симфонического Оркестра под управлением Павла КОГАНА, а также в составе камерного ансамбля. Стремясь к расширению своего сценического диапазона, в 2007 году Томона присоединилась к группе мастеров этнической музыки «НАМГАР».
В 2003 году вышел её первый сольный CD-альбом “LUX EX TENEBRIS”, в 2005 году второй CD-альбом с видеорядами “VIA AD SECRETUM”, в котором, впервые в Японии записаны музыкальные произведения литовского композитора М.К.Чюрлениса, а в 2012 году третий «Dance+a».
С 2008 года Томона участвует в инициированном ею проекте «XXI Век / Повесть о доме Тайра / Современное толкование», представляющем публике лучшие образцы японского эпоса, положенные на музыку эпохи барокко.
Томона Миядзаки также продолжает принимать активное участие в различных Российско-Японских межкультурных проектах, в том числе с музыкантами Бурятской этнической группы «НАМГАР». А также, Томона курирует музыкально-художественный международный проект «Сакура с детьми», который провела с участьем школьников Японии, России, Америки, Мексики и Франции. С 2004 года является членом «Русского Музыкального Фонда».

Томона Миядзаки Концерт "Письмо из Японии" (фото: Александра Загряжская, АРТ-Релиз.РФ)

Томона Миядзаки
Концерт «Письмо из Японии»
(фото: Александра Загряжская, АРТ-Релиз.РФ)

Программа пианистки Томоны Миядзаки «Письмо из Японии» включает исполнение музыкальных произведений, которые сопровождаются слайдами и рассказами о японской культуре и людях.
В концерте «Письмо из Японии» звучат такие фортепианные произведения как: «Новый Год», «Весеннее море», «Песня праздника кукол», «Цветы Сакура», «Море», «Красный клен» и др.
Также в концерте «Письмо из Японии» принимают участие другие артисты, в одном из концертов выступила известная Намгар Лхасаранова — вокал, заслуженная артистка Республики Бурятия. Ведущая концерта продюсер Рейко Судзуки.

Томона Миядзаки  (фортепиано) и заслуженная артистка Республики Бурятия Намгар Лхасаранова (вокал).

Томона Миядзаки
(фортепиано)
и заслуженная артистка Республики Бурятия Намгар Лхасаранова (вокал).

Томона Миядзаки в Доме Гоголя  фото Александра Загряжская Арт-Релиз.РФ

Томона Миядзаки в Доме Гоголя (фото 3) Арт-Релиз.РФ

Томона Миядзаки в Доме Гоголя (фото 2)Арт-Релиз.РФ

ТАТЬЯНА МЕЖЕЛАЙТИС. Мастер психологического портрета и метафизических пейзажей

Фото: Татьяна Межелайтис

Фото:
Татьяна Межелайтис

В области фотографии Татьяна Межелайтис мастер многих жанров — ню, faishion, предметная и репортажная съемка. Но, как истинный профессионал, она выбирает свою тему в искусстве. И это, в первую очередь, проникновение в глубину души — модели, натюрморта, природы. Психологизм ее работ очевиден. Выбор цвета, постановка кадра, ракурс — все направлено на то, чтобы зритель увидел за изображением нечто большее, чем отражение реальности. Поэтому ее произведения на выставках вызывают интерес. Но есть еще одна привлекательная особенность ее творческих работ. Татьяна Межелайтис представляет мир полным гармонии и красоты, и эта эстетика объединяет и, созданную ею постановочную композицию, и сюрреалистический пейзаж восточного города, и задумавшуюся женщину, смотрящую в ее объектив.

Таня Межелайтис, фотохудожник.
Член Творческого Союза художников России. Участник более 30 выставок.
Окончила ВГИК им.С.Герасимова
Тел. +7 916 5757 312

Татьяна Межелайтис

Татьяна Межелайтис

Татьяна Межелайтис

Татьяна Межелайтис

 Татьяна Межелайтис

 Татьяна Межелайтис

 Татьяна Межелайтис

  Татьяна Межелайтис

 Татьяна Межелайтис

 Татьяна Межелайтис

 Татьяна Межелайтис

  Татьяна Межелайтис

  Татьяна Межелайтис

 Татьяна Межелайтис

  Татьяна Межелайтис

  Татьяна Межелайтис

  Татьяна Межелайтис

  Татьяна Межелайтис

ОМАР ЧХАИДЗЕ автор проекта архитектурного ансамбля ЦЕНТР СВЕТА. Основоположник нового направления в изобразительном искусстве свето-предметной живописи

Омар Чхаидзе автор проекта Центр Света Арт-Релиз.РФ

Художник Омар Чхаидзе – автор проекта «Центр Света». Воплощение этой идеи началось в 2000-х годах – сначала в его картинах, повторяющих форму и цвет прямоугольных колонн и воспроизводящих вибрацию духовного Света, а затем в разработке проекта центра. Центр состоит из цилиндрической колонны, проводящей энергию духовного Света, и прямоугольных колонн олицетворяющих восток, запад, юг и север. Его точно выверенная структура, по мнению автора концепции, заключает в себе код Вселенной. Она создает притяжение энергии духовного Света, генерирующего мощное поле защиты, очищающего душу и материю, объединяющего все народы и конфессии нашей планеты.
Автор этого инновационного проекта уверен в том, что в 3-ем тысячелетии началась новая эра – в искусстве, науке, философии, которую он, как художник-философ называет «эра Света».

Центр Света Омар Чхаидзе Арт-Релиз.РФ

Художник  Омар Чхаидзе Композиция  "Трансформация Света" 2010 г.

Художник
Омар Чхаидзе
Композиция
«Трансформация Света»
2010 г.

Об авторе: Омар Валерьянович Чхаидзе (род. 16 апреля 1944, Грузия) — художник, основоположник нового направления в изобразительном искусстве — свето-предметной живописи, член-корреспондент Российской академии художеств, член Европейской академии естественных наук, член Российской академии естественных наук, член Международной федерации художников ЮНЕСКО, член Творческого союза художников России, член Союза художников Грузии, член Международной Ассоциации изобразительных искусств — АИАП ЮНЕСКО, член Союза художников России.

«Истинное лицо Света – Тьма, а Тьмы — Свет»
Омар Чхаидзе

Релиз галереи Омара Чхаидзе:
Омар Чхаидзе – художник, который создал новую эстетику в живописи – эстетику Света и показал, как Свет можно трансформировать в цвет. Свет стал главным предметом в его творчестве. Омар Чхаидзе является основоположником нового направления в изобразительном искусстве – Свето-предметная живопись.
Родился Омар 16 апреля 1944 года в Грузии, в горах древней Колхиды. В 1966 году окончил художественное училище им. Я. Николадзе, в 1973 году — Тбилисскую Академию художеств, факультет живописи. С 1964 года он участвует в международных выставках.
Сейчас художник имеет всемирное признание. Его работы можно найти в музеях, галереях, многочисленных частных и корпоративных коллекциях многих стран. С 1994 года Омар живёт и работает в Москве. В 2000 году он открыл свою галерею в Центральном Доме художника.
Художник-новатор, Омар Чхаидзе фактически повторил путь первых авангардистов. Он развивает чистый язык живописи, отталкиваясь от их опыта. Последние работы художника, созданные в 2005–2017 гг., показывают, что эпоха неопластицизма и супрематизма, начатая в 1910-1920 гг. Мондрианом и Малевичем, а также пангеометрические традиции, которые продолжались в искусстве веками, завершены. Создав в 2013 г. картину «Выход в Свет», Омар Чхаидзе вырвался из пресловутого «черного квадрата» Малевича, олицетворяющего Тьму, в Свет – субстанцию Вселенной — и начал писать только Свет, только вибрацию духовного Света.
Омар Чхаидзе – член-корреспондент Российской академии художеств, член Союза художников России и Московского Союза художников, член Союза художников Грузии, член Российской академии естественных наук, член Европейской академии естественных наук, член Международной ассоциации изобразительных искусств АИАП ЮНЕСКО.
В 2016 году Российская академия художеств провела презентацию проекта Свето-предметная живопись, а также книги Мой путь Омара Чхаидзе. За создание нового направления в изобразительном искусстве художник был награжден золотой медалью академии художеств. Также на этой презентации Российская академия естественных наук присвоила ему почётное звание «Рыцарь науки и искусств» и наградила медалью. Европейская академия естественных наук наградила Омара Чхаидзе медалью Леонардо да Винчи и медалью Василия Кандинского за новое направление в изобразительном искусстве.
Круг интересов Омара Чхаидзе не ограничивается живописью. Он автор инновационного проекта Центр Света, созданного в 2016 году. Точно выверенная структура этого архитектурного ансамбля заключает в себе код Вселенной. Автор считает, что гравитационное (лат. gravitas – тяготение) и левитационное (лат. levitas – легкость) вещество Света и Тьмы – эфир (основной элемент периодической таблицы Дмитрия Менделеева) – создает электромагнитное, квантовое вибрационное поле. Оно заполняет пространство ансамбля и создаёт притяжение энергии духовного Света, который генерирует мощное поле защиты, очищает и исцеляет душу и материю и объединяет все народы и конфессии нашей планеты.
В 2017 году проект Центр Света получил государственный патент Российской Федерации. Реализация этого проекта ждет своего часа.
Омар Чхаидзе продолжает учение Владимира Вернадского и расширяет понятие сфера планеты: биосфера – сфера жизни (Эдуард Зюсс, 1875), антропосфера – сфера человека (Дмитрий Анучин, 1902), ноосфера – сфера разума (Эдуард Леруа, 1927) — до бесконечности Вселенной. Он полагает, что вся Вселенная создана из единой субстанции, которую Ксенофан в VI веке до н. э. назвал шаровидным существом.
Эта шаровидная всеобъемлющая духовная сфера имеет два аспекта: Свет и Тьму. Омар Чхаидзе предлагает назвать их люксосфера (лат. lux – свет) и тенебросфера (лат. tenebrae – тьма). Единство и гармония Света и Тьмы – это высшая стадия эволюции биосферы и ноосферы, и конечным пунктом их развития будет слияние с люксосферой и тенебросферой. О тенебросфере знали Галилео Галилей, Исаак Ньютон и другие, но у одного был страх повторить судьбу Джордано Бруно, второй опасался гнева королевской семьи, третьим не хватало уверенности.
За это открытие в 2017 году Российская академия естественных наук наградила Омара Чхаидзе золотой медалью Петра Капицы, а Европейская академия естественных наук наградила его медалью Вильгельма Лейбница.
По мнению Омара Чхаидзе, в единстве и гармонии люксосферы и тенебросферы, так же как в Ян и Инь (светлое и тёмное), в дживе и адживе (душа и материя) есть истинное лицо Вселенной (картина Вселенная. 2017). Сфера духовного Света и Тьмы не имеет начала и конца. Истинное лицо Света – Тьма, а Тьмы – Свет. Их неразделимость и гармонию создает вселенский эфир — гравитационное и левитационное вещество Света и Тьмы, которое квантами энергии генерирует электромагнитное поле, удерживая Вселенную в гармонии и жизнь в вечности.
Сейчас Омар Чхаидзе, следуя путём изобретателей, давших миру такие приборы, как микроскоп (Ханс Янсен, 1590), телескоп (Галилео Галилей, 1609), нооскоп (Антон Вайно, 2011), в содружестве с учеными намерен создать люксоскоп – прибор для определения гармонии духовного Света и Тьмы вокруг и внутри человека: в его костной, мышечной и нервной системах (имагинация, инспирация, интуиция).
Омар Чхаидзе считает, что причина всех болезней человека в дисгармонии духовного Света и Тьмы в его организме. Он предлагает создать исцеляющий аппарат «Люксосфера», гармонизирующий духовный Свет и Тьму во всех его органах и системах.
Последние картины Омара Чхаидзе (Выход в Свет, Люксосфера, Тенебросфера, Вселенная, Вечность,) показывают, что в своём творчестве он стремится соединить искусство, философию и науку, чего пытались достичь Леонардо да Винчи, Ханс-Георг Гадамер и др. Он уверен, только с Любовью, в единстве науки, философии и искусства человечество может выполнить свою миссию на нашей планете. Любовь – ключ ко всему. Как гармония, гравитация и левитация!

P.S. Будучи 13-летним школьником, на уроке физики Омар заявил, что знает, как сделать вечный двигатель. Тогда над ним посмеялись. Сейчас он готов поделиться информацией, полученной им 60 лет назад.

Открытия Омара Чхаидзе в искусстве, философии и науке

1. Свето-предметная живопись — в изобразительном искусстве.
2. Центр Света – в науке, медицине и эзотерике.
3. Люксосфера – в эзотерике и философии.
4. Тенебросфера – в эзотерике и философии.
5. Люксоскоп (измерительный прибор) – в науке и медицине.
6. «Люксосфера» (исцеляющий прибор) – в науке и медицине.

Награды Омара Чхаидзе

- золотая медаль Российской академии художеств;
- золотая медаль Союза художников России и Московского Союза художников;
- медаль Леонардо да Винчи Европейской академии естественных наук;
- золотая медаль Петра Капицы Российской академии естественных наук;
- медаль Василия Кандинского Европейской академии естественных наук;
- почётное звание и медаль «Рыцарь науки и искусств» Российской академии естественных наук;
- медаль Вильгельма Лейбница Европейской академии естественных наук.

www.omarchkhaidze-gallery.com
e-mail: omargallery@yandex.ru

ФАЗИЛЬ НАДЖАФОВ. Скульптор, основоположник авангардизма в скульптуре АЗЕРБАЙДЖАНА

Фазиль Имамверди оглы Наджафов (азерб. Fazil İmamverdi oğlu Nəcəfov) — азербайджанский скульптор, считающийся основоположником авангардизма в скульптуре Азербайджана, Народный художник Азербайджана (2002).

Фазиль Наджафов (р.1935 г.)  "Формула жизни" 1990 г. бронза, литье  Музей Востока, Москва

Фазиль Наджафов
(р.1935 г.)
«Формула жизни»
1990 г.
бронза, литье
Музей Востока, Москва

Не очень известное в Москве, искусство Фазиля Наджафова давно пользуется признанием в Азербайджане. Крепкая, уверенная пластика отличает его скульптуру. В ней есть ясная конструктивность целого и живое движение чувств.
Фазиль Наджафов — человек огромного, напряженного труда. В его мастерское, еще пять лет назад относительно просторной, буквально негде повернуться: повсюду завершенные, находящиеся в работе, существующие лишь пока на эскизах работы. Здесь и проекты памятников и фигуры и мелкая пластика, и декоративная скульптура — Наджафов полно и разнообразно выражает себя в своем творчестве.
Впрочем, полнота самовыражения для него не только в многообразии, но и одновременно в целеустремленности. В каждой из его работ чув­ствуются своеобразие творческого мышления, определенная художест­венная концепция. «Самое главное — быть художником современ­ным», говорит он. Признаками же современности он считает стрем­ление к большим проблемам и значительным по духовной насыщен­ности образам; умение не только анализировать, но и синтезировать виденное — воспринимать людей и мир в их целостности; принцип эко­номии художественных средств, четкость и убедительность пластиче­ского языка. «Внимание зрителя надо направлять на что-то одно; мно­гословность не только расслабляет напряжение, она уводит зрителя от основной мысли художника».
Именно поэтому Наджафов тяготеет к строгости композиции, к сосредоточенной форме, вбирающей в себя многообразие человеческих эмоций, стремится к весомости и конструктивности произведения, к тому, чтобы каждая деталь существовала лишь как необходимая частица общего.
Он работает в разных материалах, и нелегко определить, отдает ли предпочтение какому-либо из них. В некоторых работах, преимущест­венно в портретных, он идет от особенностей гранита, стараясь сохра­нить даже общую форму найденного в природе каменного блока. По­рой много и охотно рассуждает о том, что дерево в скульптуре «долж­но дышать, напоминать о себе каждой клеточкой своей структуры».
Иногда кажется, что он увлекается новыми материалами: алюминием, бетоном. На самом же деле материалы как таковые интересуют его мало, он ценит только отдельные выразительные их свойства. Поэтому может исполнить скульптуру в гипсе, не ориентируясь на определенный материал, а потом долго размышлять, в дереве или бетоне этот образ окажется более убедительным. Может перевести гипс одновре­менно в разные материалы и лишь затем отобрать лучший вариант.
О некоторых скульпторах говорят: думает в бронзе, думает в дереве. О Фазиле Наджафове так сказать нельзя. Образ зреет в его сознании независимо от материала. Более того, он способен порой использовать бетон, имитируя природный камень. Зато увиденные в действитель­ности дерево или камень — обкатанная волнами морена, острая, как наконечник пики, скала — могут взволновать его своей формой и под­сказать будущий образ.
Именно так возникла двухфигурная композиция «Двое»: старые жен­щины в длинных покрывалах, застывшие друг против друга в нетороп­ливой беседе. Только узкое, прихотливо изрезанное пространство разъединяет их — с некоторых точек зрения обе фигуры кажутся еди­ным целым. Немного тяжеловесные, словно оцепеневшие, они застав­ляют вспоминать о каменном монолите. «Я подумал об этой скульптуре, увидев скалу с узким, будто змеящимся в ней ущельем, — рассказы­вает Наджафов. — Хотел, чтобы в композиции «работали» не только фигуры, но и внутреннее пространство».
Компактная, обобщенная, сосредоточенная по эмоциям пластика близка Наджафову — он снова обращается к ней в фигуре «В пусты­не». В фигуре, укутанной в покрывало женщины, идущей против ветра, художнику прекрасно удалось передать напряжение: плечи, торс, со­гнутые колени женщины — все полно энергии, все противостоит жгу­чему напору пустыни. Наджафов работает крупными формами, мас­сивными объемами («Искал весовые отношения объемов, их динами­ческое звучание»), берет за первооснову формы не столько человече­ского тела, сколько неодушевленной природы, и тем не менее всегда остается верен реализму. Веками азербайджанские женщины ходили в длинных покрывалах, то ниспадающих тяжелыми складками, то вздувающихся под ветром, и эти одежды скрывали подлинные очер­тания их фигур, делая их похожими на причудливые скалы. «Уходящий». Так называется еще одна работа Наджафова. Старик, согнувшийся под грузом лет, вплотную подошедший к жизненному порогу, — об этом говорит печаль его лица и глаз. Но и уходящий, он неразрывен с землей, из которой вырастает, словно невысокое кряжи­стое дерево, плоть от ее плоти, неотъемлемая часть ее. Используя от­части декоративное решение, Наджафов дает возможность почувст­вовать среду, окружающую фигуру старика, его связь с миром.
Люди и скалы. Люди и пустыня. Старик, всю жизнь трудившийся на неласковой земле Апшерона. Наджафов не случайно так настоятельно ищет величественную монументальную форму — он стремится к боль­шим философским обобщениям, к выражению героического начала в своем народе.
Это же стремление — хотя и не так явственно — сказывается в его портретах. Скульптора привлекают лица, в которых ярко выражен характерный для народа тип человека. Стоит сравнить их с рисунками, зачастую являющимися первым этапом работы. Рисунки эти натурны, конкретны, психологичны. В них Наджафов внимательно вглядывается во внутреннюю жизнь портретируемых, старается под­метить свойственные им душевные движения. В скульптуре характер­ность эмоций приглушена, конкретность убрана, вдумчивое отношение к модели сменяется умением собрать воедино свои впечатления о ней, воплотить их в пластически-цельном обобщении. Типаж исчезает — рождается образ.
Образ современной девушки, сочетающей в своем характере лиризм и мужество. Азербайджанского рабочего-нефтяника, полного уваже­ния к человеческому труду, очень национального по авторской харак­теристике. Водолаза — представителя редкой и тяжелой профессии, изо дня в день требующей напряжения всех сил, своеобразного рыца­ря моря. В каждом из этих портретов сохранена основная черта ха­рактеров персонажей и вместе с тем подчеркнута их причастность к общему строю и ритму жизни — за лицом человека Наджафов видит те сложные силы, которые сформировали и вырастили его.
Творческий облик скульптора будет неполон, если не упомянуть о его композициях и памятниках. Сейчас он завершает работу над пятимет­ровым памятником Степану Шаумяну, его установят в Степанакерте; в фигуре и лице революционера передана романтика времен граждан­ской войны, горение духа большевиков.
Наджафов остро ощущает беды и несправедливости, трагическую дис­гармонию мира. Об этом свидетельствует его композиция «Освенцим». В гипсовом блоке, напоминающем по форме газовую печь крематория, заключены фигуры людей, переживающих последний страх смерти: их тела судорожно напряглись, на лицах застыло отчаяние.
В греческой трагедии существовало понятие «катарсиса», того наивыс­шего патетического взлета, который и в скорби несет очищение. Такое же ощущение переживаешь, глядя на «Освенцим». Боль и сострадание скульптора несут в себе гуманистическое начало и напоминают о том, ради чего сражались и погибали советские солдаты.
Ощущение светлого начала во мраке есть и в надгробии известному азербайджанскому актеру Гусейну Араблинскому: в трагической маске, разрубленной надвое (Араблинский был в 1919 г. зарублен фанатиками). Можно убить человека, как бы говорит этим памятни­ком скульптор, но нельзя убить искусство. Театр будет жить, и остав­шаяся об артисте память станет одним из проявлений его бытия, его истории.
Не все бесспорно в творчестве Наджафова. Порой он уходит от глу­бокого психологического анализа, порой расплывчатость замысла ве­дет за собой нечеткость формы или неоправданную усложненность конструкции. Но в целом в его искусстве есть и высокое профессио­нальное мастерство, и серьезное понимание специфики скульптуры, и стремление к большой форме. И — самое главное — желание и умение выразить в произведениях проблемы тревоги и радости нашего времени.
Источник: Воронова О.П., В мастерской Фазиля Наджафова//Советская скульптура/О.П.Воронова, М.,1978, С 120-125