коллекция | АРТ-РЕЛИЗ.РФ

Записи с меткой ‘коллекция’

ЧУДО ГЕОРГИЯ О ЗМИЕ. Рубрика РЕЛИГИОЗНОЕ ИСКУССТВО

25 Янв 2023 | От: арт-релиз.рф

Паоло Уччело
«Святой Георгий с драконом»
1465 г.
холст, масло
Национальная галерея, Лондон

Сказание гласит, что в окрестностях города Бейрута близ Ливанских гор, или, как следует в других источниках, в городе Ласия или Гевале, в земле Палестинской, или в городе Силена в Ливии, в озере жил змей, нападавший на людей. Правил городом царь идолопоклонник, беспощадный, немилосердный к верующим во Христа. Народ, напуганный чудовищем, пришёл к нему, царь предложил составить список горожан и по очереди отдавать своих детей на растерзание змею, пообещав, когда придёт его очередь, отдать на смерть свою дочь. Исполнив своё обещание, царь «нарядил свою дочь в пурпур и виссон, украсил золотом и драгоценными камнями, и перлами» и повелел отвести к змею.

В греческих редакциях сказания чудо описывается как единственное прижизненное (славянская традиция все чудеса Георгия считает посмертными) и сообщается, что Георгий был военачальником, «войско его было распущено, а сам он шёл в Каппадокийскую землю, своё отечество».

Увидев плачущую царевну, он спросил у неё о причине её скорби и, узнав о чудовище, пообещал её спасти. Затем «осенив себя крестным знамением и призвав Господа, со словами: — „во имя Отца, и Сына, и Святого Духа“, — устремился на коне своём на змея, потрясая копьем и, ударив змея с силою в гортань, поразил его и прижал к земле; конь же святого попирал змея ногами». В некоторых вариантах истории змей был поражён только силой молитвы святого. Затем Георгий приказал царевне связать змея поясом и вести его в город. Народ был удивлён возвращением царевны, а увидев змея в ужасе стал разбегаться. Георгий обратился к ним со словами:

«Не бойтесь! если веруете в Христа, в которого верую я, то увидите ныне спасенье своё».
Царь же, выйдя навстречу ему, сказал ему: «Как зовут тебя, мой господин?»
Он же ответил: «Георгием зовут».
Тогда воскликнули люди все как один, говоря: «Тобою веруем в единого Бога Вседержителя и в единого Сына его, Господа нашего, Иисуса Христа, и в Святой животворный Дух».

Георгий обезглавил мечом змея, тело жители вынесли за город и сожгли. Данное чудо способствовало обращению местных жителей в христианство, крещение по преданию приняло множество человек (в разных списках от 25 000 до 240 000), а в городе построили церковь в честь Богородицы.

Чудо Георгия о змие, с житием в 14 клеймах
Новгород. Первая половина XIV века
Дерево, левкас, темпера. 86 х 63 х 2,5
ДРЖ-2118
Пост. в 1898 году из Музея древнерусского искусства Академии художеств; ранее в собрании М. П. Погодина.
Новгород
Сведения о реставрации:
Раскрыта до поступления в музей, повторно в 1912 году в ГРМ Г. И. Чириковым.

Чудо Георгия о змие, с житием в 14 клеймах. Одна из самых интересных житийных икон, принадлежащих искусству Новгорода, крупнейшего центра средневековой Руси.
До 1851 года находилась в собрании М. П. Погодина (Москва), затем – в Синодальной ризнице и Мироваренной палате Московского Кремля, откуда в составе всей коллекции в 1870 году была передана в МАХ.
Раскрыта до поступления в музей, повторно в 1912 году в ГРМ Г. И. Чириковым.

Христианский мученик Георгий, казненный во время гонений на христиан при императоре Диоклетиане (правил с 284 по 305), был одним из самых популярных на Руси святых.
Особенно распространена легенда о спасении Георгием Елисавы-царевны, предназначенной в жертву змию, и освобождении «всей страны ливийской». В образе Георгия-змееборца воплотилось представление о доблестном воине, побеждающем силы зла, отсюда имя его на Руси – Победоносец. В нем видели и воина-защитника, и помощника в трудах земледельческих, а также покровителя невест.
Четырнадцать клейм вокруг центрального изображения – «средника» – иллюстрируют житие святого. В них преобладают сцены мучений («страстей»), призванные подчеркнуть духовную стойкость и мужество героя и сопровождаемые надписями:
– Георгий раздает свое богатство нищим
– Воины везут связанного Георгия
– Георгий перед царем
– Георгий в темнице
– Мучения на колесе
– Георгий сокрушает идолов
– Мучения удицами
– Избиение дубовыми прутьями
– Георгия камнями трут
– Мучение свечами
– Георгия в котле варят
– Мучение пилой
– Мучение кипящей смолой
– Усекновение главы Георгия

Чудо Георгия о змие
Втора половина XVI века
Государственный исторический музей, Москва, Россия

Светлый образ Георгия Победоносца, поражающего Змея – олицетворение неизбежной победы добра над злом. Существует множество вариантов жития Святого Георгия, как канонических, так и апокрифических. Согласно каноническому житию, Георгий пострадал во время Великого гонения при императоре Диоклетиане и после восьмидневных тяжких мучений в 303 (304) году был обезглавлен. Согласно византийскому житию, изложенному преподобным Симеоном Метафрастом, святой Георгий родился в III веке в Каппадокии. В некоторых источниках названы имена его родителей и приведены краткие о них сведения: отец Георгия — воин Геронтий (сенатор из Севастополя Армянского, имевший достоинство стратилата), мать — Полихрония (владела богатыми имениями около города Лидда, Сирия Палестинская). После смерти отца переехали в Лидду. Поступив на военную службу, Георгий, отличавшийся умом, мужеством и физической силой, стал одним из тысяченачальников и любимцем императора Диоклетиана. Его мать скончалась, когда ему было 20 лет, и он получил богатое наследство. Георгий отправился ко двору, надеясь достичь высокого положения, но когда начались гонения на христиан, он, будучи в Никомидии, раздал имущество бедным и перед императором объявил себя христианином, его арестовали и стали пытать.

Одним из самых известных сказаний о его чудесах является «Чудо о змие». Образ «Чудо Георгия о Змие» украшает герб столицы России.

Чудо Георгия о змие
Около середины XV в. (Возможно, вторая половина — последняя четверть XV в.)
58,5 × 42.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия
Инв. 2123
Происхождение. Из церкви в с. Манихино близ устья р. Паши Волховского района Ленинградской области. Поступила в ГРМ из Областного музейного фонда через Комиссию по охране памятников в 1937 г. Из той же деревни происходят «Илья Пророк» и «Никола» (обе в ГРМ, кат. №№ 69, 70).

Икона «Чудо св. Георгия о змие»
(«Черный Георгий»)
Псков, конец XIVв.
Из собрания Британского музея,
Лондон.

Опубликовано в рубрике Религиозное искусство

Метки: Георгий Победоносец, икона, коллекция, Русский Музей, Чудо Георгия о Змие

Комментариев нет »

КУПЮРИЗМ. ХАСЕГАВА ЙОСУКЕ. ПИТ КИЛКЕННИ. ДЖАСТИН СМИТ. Какие художники создают картины из денег. История купюр. Деньги, как произведение искусства

11 Ноя 2022 | От: арт-релиз.рф

Хасегава Йосуке
оригами
материал: купюры

Японец Хасегава Йосуке назвал своё направление moneygami. Это оригами, которое делают из бумажных денег. Таким способом он создал целую портретную галерею из изображённых на купюрах президентов.

Немецкий художник ирландского происхождения Пит Килкенни приобрел особенную известность в современном искусстве после того, как стал использовать наряду с традиционными материалами газеты и бумажные деньги.

А дизайнер Джастин Смит превращает деньги в цветы, используя купюры разных государств.

Деньги, как искусство — явление современное и молодое, во всяком случае, ему не может быть более двух с половиной столетий, именно в это время появились первые бумажные деньги в Европе и в Америке, и мало кто мог в те далекие времена догадаться, какое применение спустя годы найдет бумажным деньгам фантазия художников.

Джастин Смит
«Орхидеи»
Работы Джастин сегодня находятся в главной Британской Коллекции, а также очень много работ выполнено на заказ или же приобретено уже готовыми Мировыми Финансовыми Институтами и Международными Корпорациями.

Пит Килкенни
фрагмент картины, написанной на купюрах

Художник Анатолий Орлов — один из первых российских авторов, использующих купюры в своих картинах. В 1991-1999 годах художник создал первые свои коллажи из бумажных денег с использованием фотографий политиков.

Антаолий Орлов
«Малевич. Черный квадрат»
1999 г.

Денежные купюры
из коллекции
Владислава Студеникина

История российских бумажных денег
Бумажные деньги в России появились 9 января 1769 года. С этого времени они стали не только свидетелями исторических и политических событий, они выступают их материальными свидетельствами. Многие перипетии истории нашли отражение на купюрах.

Коллекционеро Владислав Студеникин — автор выставки «История денег России в монетах и банкнотах» представил проект, который с 2014 года путешествует по российским музеям. Его экспозиция представляет в том числе и то, как более двух с половиной столетий назад Екатерина II подписала манифест о введении в России ассигнаций.

Владислав Студеникин: «В это время Россия вела войну с Турцией, нужно было чем-то пополнять казну. Денег у государства не хватало, поэтому по примеру Франции ввели ассигнации, — рассказал коллекционер Владислав Студеникин. — Фактически ассигнационный банк заявлял: дайте золотую или серебряную монету в долг государству. А через какое-то время люди могли получить свои монеты уже с процентами».

Изначально все ассигнации, независимо от номинала, выглядели одинаково. В 1786 году они впервые вышли цветными. Цвет использовался как защита от мошенничества. Чтобы бороться с фальшивомонетчиками, которые умело меняли «5″ на «25″ или «50″, ассигнациям придали цвет: 5-рублевка стала синей, 10-рублевка — красной, ассигнация на 100 рублей — желтой. Эта традиция перешла в дальнейшие выпуски российских денег и дошла до XX века».

Ассигнация достоинством 10 рублей 1819 года
Государственный ассигнационный банк

К середине 30-х годов XIX века в России ходили разные деньги — бумажные ассигнации, золотые, серебряные и медные монеты. В это время большинство развитых стран уже перешили на серебряный стандарт, то есть приравняли все деньги к серебру.
В 1810 году Россия переходит на серебряный стандарт. На серебряных монетах появилось точное обозначение, сколько граммов чистого серебра они содержат. Меняется и вид ассигнаций — на них появился государственный герб и сложные водяные знаки.

Но на финансовом положении страны негативно сказались войны с Наполеоном. Военные действия требовали расходов, государство выпускало ассигнации в больших количествах. Ситуация усугубилась с появлением фальшивых ассигнаций, которые Наполеон выпускал для покупки у населения продовольствия. Подделки отличались от настоящих ассигнаций только тем, что подпись была факсимильной, а не поставленной чернилами. Правда, фальшивые ассигнации Наполеона имели хождение лишь на ограниченной территории, но их появление способствовало тому, что теперь уже доверие к любым ассигнациям было окончательно подорвано.

Ассигнации просуществовали до 1849 года. И хотя изначально они пользовались большой популярностью, их курс падал. Люди более охотно продавали товары за серебро и менее охотно — за бумажки. К началу XIX века курс ассигнаций резко упал: рубль ассигнациями составлял 25–27 копеек серебром.

С 1840 года можно говорить о появлении в России настоящих бумажных денег. Согласно манифесту «Об устройстве денежной системы», с 1 января 1840 года в России главным средством платежа становится серебряный рубль с содержанием чистого серебра 18 грамм, все сделки начали исчисляться исключительно в серебре.

«Страна более-менее пришла в себя от военных передряг. Начали подниматься промышленность, сельское хозяйство, торговля. Прошла еще одна денежная реформа: если раньше конвертировался только рубль, то теперь к серебру привязываются и медные монеты», — рассказал коллекционер Студеникин.

Денежные купюры
из коллекции
Владислава Студеникина

Владислав Студеникин, коллекционер: «В конце XIX века курсы золота и серебра начали меняться относительно друг друга. С развитием металлургии добыча серебра упростилась, как следствие, оно начало обесцениваться. Цена на золото при этом оставалась стабильной.

«Серебро всегда ценилось меньше золота, но если в 1840 году за грамм золота давали 16 граммов серебра, то в конце века — 40 грамм серебра, Страны поняли, что золото более надежно, и начали переходить на золотой стандарт».

Хасегава Йосуке
оригами
материал: купюры

История доллара
Голландцы и некоторые другие поселенцы в Северной Америке использовали в качестве валюты талеры. После провозглашения независимости США доллары были выбраны в качестве национальной денежной единицы. В Англии (где произношение названия валюты изменилось на «доллар») «долларами» называли любые серебряные монеты, похожие на талер, а в американских колониях таким образом наименовали испанские серебряные песо, которые получили хождение во время войны за независимость США.

До 1861 года США фактически не имели единой банкнотной системы. Большинство денежных операций осуществлялось через частные банки или через «звонкую монету» (в этом случае под этот термин попадают также золотые и серебряные слитки). После начала Гражданской войны обеим враждующим сторонам потребовались гигантские суммы денег. 17 июля 1861 года Конгресс США принял акт, обязывающий казначейство выпустить новые денежные знаки на астрономическую по тем временам сумму — 60 миллионов долларов. Заказ был направлен в нью-йоркскую печатную компанию «American Bank Note Co.» Учитывая, что акт 17 июля санкционировал выпуск только номиналов 5, 10 и 20 долларов, можно представить, какое огромное количество банкнот пришлось изготовить. Печатники подошли к делу с чисто практической стороны: они проверили, прежде всего, запасы краски на складах и выяснили, что больше всего зелёной.

Таким образом, и были выпущены миллионы банкнот с зелёной оборотной стороной. В народе они тут же получили прозвище «гринбаки» (англ. greenbacks — «зелёные спинки»), которое закрепилось за всеми видами американской валюты, независимо от её расцветки. В XIX веке в США существовала политическая партия гринбекеров. Позднее и само казначейство приняло эту традицию, долгое время выпуская банкноты только с зелёным оборотом. Лишь в 2004 году стали выпускаться банкноты других цветов. Изменения коснулись банкнот достоинством 10, 20 и 50 долларов США.

Все федеральные банкноты США, выпущенные, начиная с 1861 года, по сей день являются законным платёжным средством. С 15 августа 1971 года отменена обеспеченность доллара США золотым резервом.

В свободном обращении присутствуют и выпускаются банкноты с номиналами:
1 доллар;
2 доллара;
5 долларов;
10 долларов;
20 долларов;
50 долларов;
100 долларов.
Также существуют поныне действительные банкноты номиналом в 500, 1000, 5000, 10 000 долларов. Они выпускались до 1945 года, а с 1969 года официально изымаются из обращения (по причине использования электронных банковских платежей). Их бонистическая стоимость намного выше номинала. К примеру стоимость пятитысячной банкноты на аукционах может доходить до 10 000 долларов США. Из всех выпущенных банкнот номиналом 10 000 долларов, количество которых отслеживается ФРС и последний выпуск которых был в 1944 году (серия 1934 года), не изъяты из обращения только 336 штук, а номиналом 5 000 долларов — 342 штуки.

Банкноты 100 000 долларов выпущены в 1934 году, в обороте не находились и использовались только во внутренних расчётах ФРС и казначейства.
Ныне наибольшая банкнота имеет номинал 100 долларов.

По теме: Сколько весит миллион долларов США?

Вес миллиона долларов в зависимости от достоинства купюры:

купюрами по $1 —1000 кг;
купюрами по $2 — 500 кг;
купюрами по $5 — 200 кг;
купюрами по $10 — 100 кг;
купюрами по $20 — 50 кг;
купюрами по $50 — 20 кг;
купюрами по $100 — 10 кг.

Опубликовано в рубрике Коллекция

Метки: Джастин Смит, история денег, картины из денег, коллекционер Владислав Студеникин, коллекция, купюризм, Пит Килкенни, Хасегава Йосуке

Комментариев нет »

НЕФЕРТИТИ И ЭХНАТОН. История правления, революции, любви и искусства. СОФИЯ ЗАГРЯЖСКАЯ. Искусствовед, автор коллекции ВИНТАЖ И ОММАЖ. ЕГИПТОМАНИЯ

10 Ноя 2019 | От: арт-релиз.рф

Стела с изображением Эхнатона и Нефертити
Новый музей
Берлин

Древнеегипетские хроники, рисунки и скульптурные изображения царицы Нефертити и её супруга фараона Эхнатона повествуют о самом интересном периоде в жизни Древнего Египта и отсылают нас на три тысячи четыреста лет назад в историю.

Скульптурное изображение Эхнатона
Каирский египетский музей

Время у власти фараона, поначалу известного как Аменхотеп IV, и его супруги Нефертити описано как «амарнский период». Именно тогда впервые была предпринята попытка сломить могущество фиванских жрецов и старой знати, при которых власть фараона была чисто номинальной. Аменхотеп IV намерен был положить конец поклонениям идолам и провозгласить новый государственный культ Бога Атона, Бога Солнца, а своей столицей он сделал город Ахетатон (Пространство Атона, основан в 1346 г. до н. э. и просуществовал до 1370 г. до н. э ) в стороне от Фив (ныне Амарна). Тогда же фараон взял имя Эхнатон (угодный Богу), под которым он и вошёл в историю Древнего Египта. Позже египтяне отвергли его реформу, но уже после смерти Эхнатона.

Нефертити
Подношение Атону
Фото: Джон Бодсворт
(Author
Jon Bodsworth)

Город Ахетатон был заброшен, занесён песками, и, возможно, благодаря этому забвению удивительно хорошо сохранились памятники искусства амарнского периода, расцвета древнеегипетского искусства.

Имя Нефертити у всех на устах. Сегодня она известна едва ли не более, чем ее венценосный супруг, известна, в первую очередь, как самая красивая женщина в истории мира, но в ее время Нефертити можно было бы назвать и известным политиком. Она не только сопровождала фараона во время религиозных празднеств и важных событий, но, главное — поддерживала его реформу.

Фараон Эхнатон был умным и мыслящим правителем, желающим превратить Египет в сильное государство. Только так можно было выстоять против нападения врагов. Ассирийцы, хетты, ливийцы были главными врагами Египта, грабившими страну и угонявшими жителей в рабство.
Народ, пребывавший под гнетом жрецов и налогов, поддержал религиозную реформу фараона. Религия утратила таинственность, обряды стали проще. Поклонение новому Божеству Атону было удобнее. Лицезрение Солнца доступно всем, и оно не требовало щедрых жертвоприношений. Жрецы и знать вынуждены были уступить реформам, выжидая возвращения прежнего политического и религиозного уклада.

Семейная сцена царственной четы: Эхнатон целует дочь Макетатон, на коленях Нефертити сидит дочь Меритатон, Анхесенамон на плече играет с серьгами матери.

Нефертити и Эхнатон вызывали симпатии народа во многом благодаря мудрой политики, а сегодня нам более известна их история любви. Произведения искусств эпохи Эхнатона часто изображают супругов в проявлении своих чувства друг к другу. На одном из рельефов, обнаруженном в Ахетатоне, запечатлён поцелуй Эхнатона и Нефертити.

Дворец Нефертити окружали роскошные сады с аллеями и бассейнами, столь любимые египтянами. Полы в нем были украшены цветной мозаикой, а потолки, стены и колонны — росписями. На стенах обычно изображали сцены из жизни фараона и его семьи или же рисовали правителя в окружении наложниц. Дорогая мебель, предметы быта из золота или украшенные драгоценными камнями наполняли жилище египетской царицы.

Роспись стен
из Зеленой комнаты
Северного дворца
Амарны (Ахетатона)
Факсимиле
Королевский музей Онтарио
Канада

Амарна
руины Северного дворца
древнего города
Ахетатон

Нефертити была хрупкой и миниатюрной женщиной с красивой фигурой. Чтобы оставаться любимой супругой фараона, она много времени посвящала уходу за собой: принимала ванны с морской солью, рабыни натирали ее кожу ароматическими маслами, красили ей ногти хной или жидким золотом. В качестве пудры царица использовала порошок из растертых минералов, подводила глаза сурьмой и наносила на губы бальзам.

В гардеробе Нефертити были всевозможные дорогие полупрозрачные платья-калазирисы — подобие узкого сарафана длиной от груди до середины щиколоток, на одной или двух бретелях. Представители высших слоев общества шили такие платья из легких дорогих тканей, бедняки покупали одежду из грубой материи.

Нефертити
Мастерская скульптора
Тутмоса
Амарна

«Бюст царицы 47 сантиметров в высоту. В высоком срезанном сверху парике, перевязанном посередине широкой лентой. Краски – как будто только что нанесены. Превосходная работа. Описывать бесполезно. Надо видеть…» – такую запись сделал в своем дневнике 6 декабря 1912 года Людвиг Борхард, археолог и атташе по вопросам науки при прусском консульстве в Каире. Артефакт был обнаружен при раскопках мастерской придворного скульптора Тутмоса в городе Тель-эль-Амарна, бывшей столице Эхнатона Ахетатон. Бюст изготовлен из известняка, покрыт гипсовой штукатуркой и полностью окрашен. На нем имеются незначительные повреждения: левый глаз не инкрустирован, одно ухо царицы немного отломано, имеются сколы и повреждения на головном уборе. Датировать цветной бюст Нефертити традиционными для археологов естественно-научными методами сложно, поскольку он сделан из камня. Однако критический анализ все же возможен. Споры о подлинности знаменитого артефакта ведутся уже давно и удар по защитникам версии его аутентичности нанес в своей книге “Бюст Нефертити – египтологическое надувательство?”, вышедшей в 2009-м году, швейцарский искусствовед Анри Стирлин (Henri Stierlin).

Нефертити
высота бюста 19 см
материал — жёлтый кристаллический песчаник
считается незаконченным портретом Нефертити Мастерской Тутмоса

Амарнское искусство.
Амарна стала переломной эпохой и для египетской словесности: новоегипетский язык с этого времени окончательно вытесняет более древний среднеегипетский; создаются шедевры египетской поэзии — любовная лирика, получившая широкое распространение в Египте во второй половине Нового царства, и «Гимн Атону», авторство которого иногда приписывается Эхнатону. Джеймс Брэстед усмотрел в нескольких метафорах параллели между «Гимном Атону» и 104 библейским псалмом. Однако возможная связь между текстами оставалась туманной. Современные исследователи склонны считать подобия результатом использования сходных аналогий, а не культурного влияния.

Основные черты амарнского искусства — реалистичные изображения природы и людей. Даже в изображении фараона уже нет подчеркнутой идеализации, он часто изображается как отец семейства, знатный вельможа в окружении комфорта и роскоши. Его часто изображают с дочерьми на коленях, нежно обнимающим жену, нередки семейные сценки и сцены богослужений и поклонения Атону всей семьей.
Впервые в египетском искусстве амарнского периода появляются светские образы царя (кресты анх) и царицы, изображенных в светской и непринужденной обстановке. Скульптурные изображения царицы Нефертити, созданные в мастерской скульптора Тутмоса — яркий пример особенностей амарнского искусства.
Причина создания этого нового канона скорее всего была в том, что пока идеалом был совершенный Бог, то и человек идеализировался. В традиционном египетском искусстве хотя и была портретная точность, человек изображался преображенным, одухотворенным, стремящимся к вечности и Богу. Но если бог — это царь, то он теперь и является идеалом. Значит нужно изображать его максимально реалистично, и задача подданных теперь — соответствовать этому новому идеалу. Амарнский период длился недолго (около 20 лет), как и правление самого Эхнатона. После смерти царя Ахетатон с его храмами и мастерскими был заброшен, поскольку само это место считалось у египтян проклятым, и город оказался засыпан песками пустыни.
Среди исследователей нет единства в интерпретация амарнского искусства. Одни полагают, что странные изображения людей и прежде всего фараона несут религиозную символику. Другие египтологи склонны считать, что амарнское искусство было своего рода экспрессионизмом Древнего Египта.

Есть мнение, что общепризнанные каноны красоты в древнем Египте довольно сильно отличались от современных. И одним из главнейших признаков любой красавицы считалась очень длинная шея. И не в последнюю очередь именно благодаря своей шее, царица Нефертити считалась абсолютно совершенной красавицей.
Хотя не исключено так-же и то, что скульпторы и художники, своими стараниями угодить, несколько преувеличили некоторые пропорции, отдельных частей её тела.

Опубликовано в рубрике История в изобразительном искусстве Метки: Винтаж и оммаж, Египет, Египтомания, искусствовед, история в изобразительном искусстве, коллекция, Нефертити, София Загряжская Комментариев нет »

АЛЕКСАНДР БЕЛУГИН. ОТ КЛАССИКИ ДО АВАНГАРДА. Коллекция СОФИИ ЗАГРЯЖСКОЙ

1 Сен 2018 | От: арт-релиз.рф

Искусствовед
София Загряжская
куратор художественных выставок
и художник Александр Белугин

Коллекция Софии Загряжской «От классики до авангарда» пополнилась картиной Александра Белугина «Сад чудовищных овощей». По легенде, именно так назвал архитектор Лe Корбюзье собор Василия Блаженного, впервые побывав в Москве. И это не единственный эпитет, которым Ле Корбюзье наградил шедевр мировой архитектуры. «Целое откровение в области искусства» — так звучит наиболее лояльная критика известного архитектора в адрес зодчих, сумевших воплотить в единую композицию сказочное богатство и многообразие форм храма. Картина Александра Белугина образно рассказывает именно эту историю. Абстрактная композиция художника Александра Белугина была торжественно вручена автором искусствоведу на выставке Ансара Галина «Каландар», которую курировала София Загряжская в Творческой Мастерской Рябичевых.

Александр Белугин
и художник Ансар Галин
автор выставки «Каландар»
в Творческой Мастерской Рябичевых

Опубликовано в рубрике Коллекция Метки: Алесандр Белугин, коллекция, От классики до авангарда, София Загряжская Комментариев нет »

Коллекция СОФИИ ЗАГРЯЖСКОЙ. Винтажные украшения известных дизайнеров. История происхождения видов ювелирных изделий

5 Авг 2018 | От: арт-релиз.рф

Брошь (от фр. broche) — ювелирное изделие, прикалываемое на одежду. Обычно изготавливается из металла, часто драгоценного — золота или серебра — и украшается драгоценными камнями или эмалевыми вставками. Как правило, брошь используется только в качестве украшения, однако она может нести и утилитарную функцию — например, застёжки.

1928 Jewelry
Брошь
Винтаж
Коллекция
София Загряжская
компания 1928 Jewelry получила право на эксклюзивный выпуск украшений, вдохновлённых всемирно-популярным британским сериалом «Аббатство Даунтон». При создании коллекции в дизайне были воспроизведены подлинные детали и мотивы викторианского стиля.
Также компания приобрела право копировать музейные украшения византийской эпохи из коллекции Ватикана

Самые ранние металлические броши, появившиеся уже в бронзовом веке, имели первоначально утилитарное предназначение — скреплять одежду, например, плащ. Античные и раннесредневековые застежки, скрепляющие одежду, называются фибулы. Известны как простые фибулы без какого бы то ни было декора, так и ювелирные, выступающие не только застежкой, но и ювелирным украшением. Нередко фибулы изготавливались из золота или серебра и украшались жемчугом, драгоценными камнями, чеканными орнаментами и т.д.

Monet
Брошь
Винтаж
Коллекция Софии Загряжской
Monet (США) — компания основана в 1928 году, существует по настоящее время. Братья Майкл и Джей Чернов, основавшие Monet, начали бизнес с изготовления позолоченных монограмм на сумочки. с 1940-х годов компания начала использовать в качестве основного металла серебро и позолоченное серебро для изготовления бижутерии. Изделия Monet ценятся за особую прочность и добротное качество исполнения. У Monet есть несколько патентов, в частности, на фирменную застёжку на цепочках, крепления на клипсах, застёжки в серьгах.

Weiss
Брошь
Винтаж
Коллекция София Загряжская
Weiss (США) — Компания существовала с 1942 по 1971 гг. Создатель бренда — ювелир Альберт Вайс, ранее работавший в Coro. Бижутерию отличало высокое качество и обильное использование австрийских кристаллов высокой прозрачности и чёткости различных цветов, в том числе aurora borealis. Коллекционерами высоко ценятся украшения в виде насекомых. Именно Weiss впервые использовали серый горный хрусталь в украшениях. Существуют изделия Weiss без маркировки, так как компания выпускала украшения на заказ для продажи в крупных магазинах, такие украшения продавались в фирменных упаковках магазинов без указания фирмы-производителя. Пик расцвета компании — 50-е — 60-е гг. ХХ века.

Дизайн брошей часто менялся с течением времени.

И поэтому они могут служить хорошим хронологическим индикатором, позволяющим датировать другие археологические находки.

Утилитарная функция броши сохраняется большую часть Средневековья.

В эпоху готики кольцевидные и дисковидные фибулы сменяются аграфами, представляющими собой более сложный вид застежки.

Появление броши в современном виде — как самостоятельного украшения, несущего исключительно декоративную функцию — относится к XVII веку.

Изобретение броши приписывается французской придворной даме, маркизе де Севинье.

В эпоху барокко одежду украшали многочисленными подвесками, которые пришивались к одежде или привязывались при помощи лент.

Мадам де Севинье стала носить на корсаже брошь, состоящую из атласного банта и пришитого к нему подвеска, с таким украшением она была запечетлена на портретах.

Украшение стало очень популярным у европейских аристократок и в XVIII веке привело к появлению корсажных брошей.

Первоначально корсажные броши повторяли вид «броши Севинье» и изготавливались в форме банта с одним или несколькими, как правило, тремя, подвесками.

В XIX веке появляется многообразие брошей самых различных форм и материалов — из золота, драгоценных камней, жемчуга, эмали, слоновой кости, с использованием технологии микромозаики, глиптики, таксидермии, миниатюры и другие.

Trifari
Винтаж
Коллекция София Загряжская
Trifari (США) — марка основана в 1918 г. эмигрировавшим из Италии Густавом Трифари — потомственным ювелиром. Компания Trifari считается одной из самых крупных фирм по производству бижутерии. Многие изделия от Trifari приравнивались по качеству исполнения и дизайну к ювелирным украшениям. Этому в немалой степени поспособствовал приглашённый ювелир Альфред Филипп, создававший бижутерию в Trifari с 1930 по 1968 гг. Ранее он работал в брендах Cartier и Van Cleef & Arpels. Многие идеи и художественные приёмы именитых домов были адаптированы в бижутерии Trifari, что объясняло высокой качество исполнения и художественную ценность изделий. В дальнейшем качество марки и особый стиль поддерживали другие известные ювелиры, пришедшие в Trifari — Жан Пари (1958 -1965), Андре Беф (1967 — 1979), который работал для Cartier, и Диана Лав (1971-1974). У коллекционеров пользуются высоким спросом украшения 30-40-х гг. ХХ века, а также известное изобретение Trifari — украшения Jelly Bellies (броши с крупными люцитами-кабошонами по центру композиции).
Компания Trifari производит бижутерию до сих пор, хотя уже не является семейным бизнесом, бренд выкупили.

Trifari
Брошь
Винтаж
Коллекция София Загряжская

Серьги, серёжки
Этимология слова по одной версии относит к древнерусскому «усерядзи», и обозначает ушные кольца.
По другой версии древнерусское слово «серУже в древней Азии 7 тысяч лет назад делали серьги. Для древних египтян и ассирийцев серьга символизировала высокое положение в социуме. Серьга в древнем Риме обличала раба. Древние греки, носившие серьги, зарабатывали себе на жизнь проституцией. Центурионы Цезаря носили кольца в сосках как знак храбрости. Богатые гречанки и состоятельные римлянки с удовольствием носили серьги с жемчугом, демонстрируя окружающим свой достаток и высокое положение. Представительницы же высшей знати предпочитали роскошь и магию более ярких и пестрых камней, выбирая для светских выходов серьги с топазами, с гранатом или с сапфиром.

Givenchy
Серьги
Винтаж
Коллекция София Загряжская
Givenchy (Франция) — существует с 1952 г. по настоящее время. Украшения прославленного кутюрье отличают высокое качество исполнения, крупные детали, приятная тяжесть сплавов с покрытием под золото, серебро. В дизайне активно используются стразы, искусственный жемчуг, люцит.

Среди бесчисленного множества найденных в египетских гробницах ювелирных украшений серьги из золота занимают одно из первых мест. Большой любовью серьги, золотые и серебряные, пользовались в странах Древнего Востока. Серьги с сапфирами, рубинами и изумрудами — фантазия восточных мастеров не знала границ и находила своё отражение в самых роскошных ювелирных украшениях. Серьги носили в Ассирии, Индии и Китае. Слово «sсерьга» восходит к тюркскому «syrγa» — «кольцо». Серьги буквально — «ушные подвески в виде кольца».

Miriam Haskell
Серьги
Винтаж
Коллекция София Загряжская
Miriam Haskell (CША) — империя Мириам Хаскелл началась с 500 долларов. Кстати, по довоенным временам это была не очень маленькая сумма. Но впоследствии бизнес принес Мириам, девушке из семьи эмигрантов, славу и большие деньги. Хаскелл владела своей империей до 50-х годов, пока у нее не начались проблемы со здоровьем. Она была талантливым бизнесменом и невероятным дизайнером. Впрочем, на нее работали и другие дизайнеры. До сих пор авторство некоторых колье с клеймом Хаскелл спорно.

В Средние века в Европе серьги то входили в моду, то подвергались гонениям. Например, в XIII веке католическая церковь, вооруженная религиозной догматикой, запретила изменять тело, сотворенное «по образу и подобию». Этот запрет коснулся и прокалывания ушей. Поскольку сфера влияния церкви в то время была довольно широкой, законопослушное большинство перестало носить серьги. Что до меньшинства, состоящего из пиратов, воров и цыган, то они отказываться от проколов не торопились. Причины для ношения серег у них были разные. Цыгане продевали в ухо серьгу мальчику, родившемуся после смерти предыдущего ребёнка, а также единственному сыну в семье. Воры серьгой демонстрировали бесстрашие перед церковным судом и принадлежность к социальному «дну». У пиратов серьга означала захваченный им корабль. Мореход мог надеть серьгу после того, как обогнул Мыс Горн, на котором почти круглый год стоит штормовая погода. Такой моряк имел право в портовых кабаках на одну бесплатную кружку спиртного, а также безнаказанно класть ноги на стол.

Эпоха Возрождения реабилитировала серьги и их носителей. Де-юре запрет никто не отменял, де факто опала была снята: о ней попросту забыли. На портрете французского короля Генриха III заметно, что правое его ухо украшает серьга.

Miriam Haskell
Серьги
Винтаж
Коллекция София Загряжская

Miriam Haskell
Серьги
Винтаж
Коллекция София Загряжская

До XII века витязи прокалывали себе одно ухо. В ту пору украшение называлось «одинец», а мужчина, его носивший, — «серьгач». В Древней Руси серьги были не просто украшением, по ним можно было прочитать историю и социальное положение семьи. Так, простолюдины носили серьги из меди и дерева, зажиточные торговцы могли позволить себе более дорогие серьги из серебра.
В Московском царстве от прокалывания ушей отказались. В петровскую эпоху серьги тоже не пользовались популярностью: украшения были мало видны под длинными париками. Зато серьги красовались в ушах слоев непривилегированных. Ими вовсю «щеголяли» холопы. Серьга в ухе для них была символом принадлежности хозяину. В елизаветинские времена парики стали короче и мочки придворных модников украсились серьгами.
Серьги-голубцы — в средневековой Руси, по форме напоминающие силуэт птицы или двух птиц.
Серьги-жирандоль — (от франц. girandole — бриллиантовые серьги, подвеска; канделябр; сноп водяных струй) по форме напоминающие подсвечник для нескольких свечей или фонтан в несколько струй. «В старину такое название давалось бриллиантовым серьгам с подвесками из крупных алмазов или жемчуга. В настоящее время так называют также серьги, выполненные с другими драгоценными камнями, но обязательно подобной формы».
Серьги-одинцы, двойчатки или тройчатки — в средневековой Руси. В виде прикрепленных к толстой проволочной мочке одного, двух или трех стерженьков с нанизанными на них сверлеными камнями, жемчугом, бусинами кораллов, стеклами, литыми серебряными орнаментированными цилиндриками.

Современные модные тенденции не делают различий по половому признаку, позволяя носить серьги как женщинам, так и мужчинам. Вот уже много лет не теряют своих позиций в мире моды золотые серьги с благородными камнями: серьги с цитрином, серьги с хризолитом, серьги с бриллиантами.
В настоящее время альтернативой серёг являются украшения, не требующие проколов, такие как клипсы и каффы.

Кулон — ювелирное украшение, надеваемое на шею. Разновидность подвески. Носится на цепочке или шнурке.
Распространённое со времён палеолита у многих народов мира одно из древнейших украшений (в силу простоты изготовления и удобства ношения). Первые кулоны делали из дерева, камней и костей (клыков, когтей) животных, раковин моллюсков.

Человечество широко использовало это украшение, как в ритуальных целях, так и в целях выражения своего личного места в социальной сфере. Самые разнообразные кулоны служили в качестве талисманов и амулетов. Мужчины носили коготь или клык убитого медведя, волка на шнурке из кожи как знак охотника.
С развитием культуры и технологии обработки металлов кулоны и подвески становились все изящнее и изысканнее, их стали изготовлять мастера-ювелиры из драгоценных металлов (серебро, золото), а техника обработки камней позволяла оформлять украшения разнообразными по цвету вставками.
Со Средними Веками связано возникновение именных кулонов, представляющих собой монограммы, сочетания двух букв или слов исполненные в металле. Кулоны и подвески ювелиры соединяли в целые ожерелья, из которых возникло новое проявление в ювелирном искусстве — изготовление колье.
«Двенадцать алмазных подвесок» — один из сюжетообразующих предметов в романе Александра Дюма «Три мушкетёра».

Чокер (от англ: «choker» — душитель) — короткое ожерелье, которое плотно прилегает к шее, оснащено регуляторами размера. Такое украшение имеет множество разновидностей. Чокеры изготавливаются из ракушек, дерева, кости, драгоценных металлов, драгоценных и полудрагоценных камней, кожи, пластмассы, бархата, атласа и тому подобное. Этот подвид ожерелья впервые появился в ІІ веке до нашей эры и поныне сохраняет свою популярность. Стоит отметить, что это украшение имеет глубокий подтекст, трактовка которого зависит от типа микросоциума.

Чокеры из фаянсовых бусин, датированные серединой III тыс. до н.э. и относящиеся к эпохе Древнего царства, находили на территории Египта[1][2]. Однако, по всей видимости, эта форма украшений не была распространена, так как наиболее известным типом древнеегипетских ожерелий являются оплечья из бусин и/или золота, покрывающие плечи и большую часть груди.
Считается, что первыми чокеры носили коренные жители Америки. Первая такая находка датирована II веком до н.э. и относится к цивилизации майя. У американских индейцев ожерелье-чокер являлось символом власти вождя, а также выполняло сакральную защитную функцию, выступая в качестве талисмана от злых духов. Чокеры изготавливались из костей птиц и зверей, из дерева или ракушек.
В некоторых регионах Азии (например, Мьянма) и Африки (народ ндебеле, ЮАР) с глубокой древности до настоящего времени практикуется «вытягивание шеи» при помощи узких и высоких ожерелий из множества колец. Обычай практикуется в основном в отношении женщин, начиная с детского возраста. Женщина с вытянутой шеей считается очень привлекательной для соплеменников.
В античности ошейник с медальоном являлся признаком раба. На ошейнике содержалась надпись, кому принадлежит раб, а также указывалось наказание за кражу раба или помощь ему.

Браслет (от фр. bracelet — запястье, браслет) — ювелирное изделие, надеваемое на руку, со времён палеолита, распространённое у многих народов мира.

Браслеты, в зависимости от конструкции, бывают мягкими и жёсткими.
Жёсткие браслеты могут быть:
Замкнутыми — имеют форму неразъемного кольца.
Пружинящими — имеют вид разорванного кольца.
Шарнирными — состоят из двух половинок, с одной стороны скреплены шарниром, а с другой соединяются замком.
Мягкие браслеты подразделяются на:
Глидерный браслет состоит из звеньев (глидеров) с шарнирным или пружинящим соединением.
Цепной браслет представляет собой участок цепи заданного размера.
Плетёные браслеты представляют собой ажурную конструкцию, сплетённую из тонкой металлической проволоки.
Кожаные браслеты, имеющие небольшие ремешки для фиксации на руке.
Размер браслета определяется путём измерения длины внутренней окружности и обычно колеблется от 130 до 220 мм.

В древнерусских текстах браслет назывался запястьем («то, что находится за пястьем», пясть — это тыльная сторона ладони). Также встречается название обручье («то, что опоясывает руку»). Словом наручи назывался широкий браслет, закреплявший рукава одежды.

Опубликовано в рубрике Коллекция Метки: Fotofashion day, Винтаж, искусствовед, коллекция, София Загряжская, стилист, украшения Комментариев нет »

TRIFARY. Ювелирная компания ТРИФАРИ. С 1910 года до наших дней

3 Ноя 2016 | От: арт-релиз.рф

Серьги 60-е годы 20 века Crown Trifari
бант с золотистой отделкой
(коллекция Софии Загряжской «Великолепный век»)

Ювелирная компания Trifari.
Слава компании «Трифари», как и большинства американских компаний, проявилась на талантах эмигрантов. Создатель компании Густаво Трифари родился в Неаполе, в Италии, в 1883г. Обучался ювелирному делу у своего деда Луиджи, и эмигрировал в Америку в 1904 г. Со своим дядей организовал компанию «Trifari and Trifari» в 1910 г., но вскоре отошел от общего дела и начал выпускать высококачественные украшения под именем Трифари.
Логотип «TRIFARI» появился в 1910 г. В 1917 г. к компании присоединился Лео Крассман, а в 1918 г. — Карл Фишел. С тех пор фирма стала называться «Трифари, Крассман энд Фишел» и использовать логотип «KTF» до 1935 года. После 1955 года использовалось клеймо «TRIFARI»с короной или без. Корона над буквой Т и знак копирайта означают, что брошь была сделана после 1955 года, но не позже конца 60-х гг. Игра фактур основывается на контрасте между матовым текстурным эффектом от обработки металла жёсткой щёткой и гладким полированным черешком. Эта техника обработки поверхностей — браширование — очень характерна для украшений 60-х гг, в то время, как в 40-х и 50-х металл в украшениях предпочитали полированным.
Уже к середине 30-х годов компания стала вторым по величине ювелирным домом в Америке. В разработке дизайна бижутерии принимал участие и Альфред Филипп, который долгое время работал и с Cartier and Van Cleef & Arpels.
В течение многих лет главным дизайнером фирмы был Альфред Филиппе, создававший ювелирные украшения также для Картье. Среди других дизайнеров, работавших на «Трифари», были Джин Перис, Люциус Пассаванти, Андре Беут и Диана Лав. В разное время «Трифари» входила в состав фирм «Холмарк», «Моне» и «Кристалл Бренде».
Об успехе и качестве украшений можно судить по тому, что компания существует до сих пор, пережив несколько экономических кризисов. До настоящего времени менялись владельцы, менялись ведущие дизайнеры, но в итоге Trifari стала частью Monet Group, купленной Liz Claiborne в 2000 году. И сегодня компания остается одной из самых престижных по производству ювелирных украшений, которые очень популярны и очень дороги. Они успешно продаются на аукционах, но самые ценные экземпляры находятся в частных коллекциях и время от времени выставляются на показах.

Опубликовано в рубрике Коллекция Метки: Trifari, Великолепный век, Винтаж, коллекция, серьги, София Загряжская, Трифари, украшения, ювелирная компания Комментариев нет »

ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ЦЕНТРАЛЬНЫЙ МУЗЕЙ СОВРЕМЕННОЙ ИСТОРИИ РОССИИ. Выставка «ЦВЕТЫ» из коллекции ГАЛЕРЕИ «Т», частных собраний и фондов ГЦМСИР

22 Июл 2015 | От: арт-релиз.рф

О символизме цветов в изобразительном искусстве известно с древних времен.
Египтяне считали лотос священным цветком, в античной Греции покровительницей цветов и садов считалась богиня любви — “фиалкоувенчанная” Афродита. Древние верили в одушевленность растений, полагая, что в каждом из них живет волшебное существо — дриада или нимфа.
Цветы — прекраснейшие из созданий на земле, одна из самых популярных тем в искусстве.
Экскурсию по выставке «Цветы» в ГЦМСИР специально для АРТ-релиз.РФ провела участник экспозиции художник Елена Гурвич.

Художник
Елена Гурвич
участник выставки
«Цветы»
в ГЦМСИР

Из пресс-релиза выставки:
Цветы – символ весны, молодости, плодородия, воплощение богатства и разнообразия природы. Во все времена они вдохновляли поэтов и музыкантов, скульпторов, живописцев, в произведениях которых их хрупкая красота обретает бессмертие. Благодаря мастерам прикладного искусства, цветы искусной вышивкой распускаются на тканях и кружевах, отливаются в золоте и серебре.
Красота цветка, волнующая творцов на протяжении многих веков и не потерявшая актуальности в современности, объединяет представленные на выставке живопись и графику из коллекции «Галереи «Т» и частных собраний, а также экспонаты из собрания Государственного центрального музея современной истории России.
Гордость выставки – ее живописная и графическая составляющие. Экспозиция знакомит зрителя с творчеством таких ярких художников как Витория Афонская, Анна Бирштейн, Наталья Вигилянская, Елена Гурвич, Лариса Наумова, Вячеслав Павлов, Николай Пономарев, Наталья Пономарева, Лев Табенкин, Зинаида Толстая, Ирина Старженецкая, Тамара Старженецкая, Владимир Шишков.
Посетители выставки также смогут увидеть уникальные образцы декоративно-прикладного искусства из отделов вещевых фондов ГЦМСИР: знаменитые жостовские подносы, лаковые шкатулки из Мстеры, филигрань из села Казаков Нижегородской области, фарфоровые и резные деревянные вазы, кружево, резную кость из села Ломоносово.

Художник
Виктория Афонская
«Тюльпаны»
1992 г.
95х80
Из собрания
Государственного центрального музея
современной истории Росии.
Выставка
«Цветы»

Афонская Виктория Николаевна
Окончила МХУ памяти 1905 года, а также Московский государственный художественный институт имени В.И.Сурикова. Постоянный экспонент и дипломант отечественных и зарубежных выставок, участник выставки 5-ти российских художников в ООН в 1995 года.
Призер международной выставки «Золотая кисть – 2002 г.»
Работы художницы находятся в коллекции Государственного центрального музея современной истории России, Государственной картинной галереи Сербии, а также в частных коллекциях в России и за рубежом.

Художник
Тамара Старженецкая
«Пионы»
1994 г.
60х80
Выставка
«Цветы»

Старженецкая Тамара Георгиевна (1912 – 2002 гг..)
Член Союза художников СССР.
Окончила институт живописи, скультуры и архитектуры имени И.Е. Репина.
Художник театра и кино. Художник – постановщик Государственного Большого театра СССР.
Главный художник VI Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве в 1957 году.

Художник
Вигилянская Наталья
род 1919 г.
«Букет красных роз и лимоны», фрагмент
Выставка
«Цветы»

Вигилянская Наталья Валентиновна
Член Союза художников СССР.
Окончила Художественный институт имени В.И. Сурикова, где училась у Александра Осьмеркина и Александра Дейнеки.
Автор агитационных плакатов на различные темы, в том числе посвященные детям и школе.

Художник
Анна Бирштейн
«Натюрморт с цветами»
холст, масло
50х50

Бирштейн Анна Максовна.
Член Союза художников Россиию
Член-корреспондент и лауреат Серебряной медали Российской Академии Художеств.
Окончила Художественную школу при МГХИ имени В.И.Сурикова.
Стажировалась в Париже в Cite des Arts.
Работы художницы находятся в Государственной Третьяковской галерее, Киевском музее Русского искусства, а также в Архангельском, Ижевском, Кемеровском музеях.

Художник
Ирина Старженецкая
«Тюльпаны»
холст, масло
70х50
Выставка
«Цветы»

Старженецкая Ирина Александровна
Действительный член Российской Академии художеств.
Член Союза художников СССР.
Лауреат Государственной премии Российской Федерации в области искусства.
Окончила Московский государственный художественный институт имени В.И. Сурикова.
Работы художницы находятся в фондах Государственной Третьяковской галереи, Государственном Русском музее, музее Музыкальной культуры им.Глинки, художественном музее в США, а также частных собраниях в России, США, Германии, Франции, Великобритании, Италии, Испании.

Художник
Николай Пономарев,
(1918 — 1997 гг.)
«Окно мастерской», фрагмент
1960 г.
46х53
холст, масло
Выставка
«Цветы»

Пономарев Николай Афанасьевич (1918-1997 гг..)
Действительный член Академии художеств СССР, Народный художник СССР, лауреат Государственной премии СССР в области искусства.
Почетный член Союза художников.
Окончил Московский художественный институт имени В.И. Сурикова, многие годы преподавал в этом институте.
Президент Академии художеств (1991 – 1997 гг.)
Работы художника находятся в фондах Государственной Третьяковской галереи, а также многих других музейных собраниях.

Художник
Лев Табенкин
«Флора»
холст, масло
2005 г
80х70 и 80х90

Лев Табенкин
Член Союза художников России.
Окончил Московский полиграфический институт.
Постоянный участник отечественных и зарубежных выставок.
Произведения художника находятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее и других отечественных и зарубежных музейных собраниях и частных коллекциях.

Художник
Зинаида Толстая
(1882—1959 гг..)
«Возвращение с прогулки»
1930 г.
холст, масло
82х57
Выставка
«Цветы»

Толстая Зинаида Александровна (1882 – 1959 гг.)
Художник, актриса.
Графиня, в эмиграции жила в Германии, Франции.
С 1927 по 1951 год выставляла художественные работы в салоне Независимых, участвовала в Осеннем салоне 1930 г.
В 1927 играла в Русском театре в Париже. Во время Второй мировой войны зарабатывала адана жизнь служащей на вокзале Монпарнас.
После войны вступила в Союз советских патриотов (ССП), выступала на собраниях ССП с0020тением стихов, как художник постоянно участвовала в выставках.

Художник
Владимир Шишков
«Цветы будущего.
Кентавр с золотыми яйцами»
2014 г.
холст, масло, акрил
70х60
Выставка
«Цветы»

Шишков Владимир Леонидови
Член Союза художников СССР.
Окончил Московский полиграфический институт. Участник многочисленных отечественных и зарубежных выставок.
Работы художника находятся в фондах Государственного Русского музея, Ярославского художественного музея, Историко-художественном музее «Зарайский Кремль», а также во многих музейных собраниях и частных коллекциях.

Художник
Елена Гурвич
у своих работ
на выставке
«Цветы»

Художник
Елена Гурвич
«Цветы»
2015 г.
холст, масло
80х75

художинк
Елена Гурвич
«Натюрморт с двумя букетами»
2015 г.
холст, масло
80х70
Выставка
«Цветы»

Скульптор
Александр Рябичев
и художник Елена Гурвич
на выставке
«Цветы»

Опубликовано в рубрике Выставки Метки: Анна Бирштейн, Виктория Афонская, Выставка "ЦВЕТЫ", ГАЛЕРЕЯ "Т", ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ЦЕНТРАЛЬНЫЙ МУЗЕЙ СОВРЕМЕННОЙ ИСТОРИИ РОССИИ, Елена Гурвич, Ирина Старженецкая, коллекция, Лев Табенкин Комментариев нет »

Художник ОЛЬГА ЗЕЛИНСКАЯ.

16 Июл 2015 | От: арт-релиз.рф

Художник
Ольга Зелинская
«Девы Ундины»

Ольга Зелинская
«Саламандра»

Ольга Зелинская
«Сфинкс»

Ольга Зелинская

Ольга Зелинская
«Сова»

Контакт художника Ольги Зелинской: 8(906)7440380

Опубликовано в рубрике Коллекция Метки: дизайнер, картина, коллекция, художник Ольга Зелинская Комментариев нет »

Коллекция СОФИИ ЗАГРЯЖСКОЙ «ОТ КЛАССИКИ ДО АВАНГАРДА»

28 Апр 2015 | От: арт-релиз.рф

«ОТ КЛАССИКИ ДО АВАНГАРДА». Коллекция Софии Загряжской.
Одно из направлений деятельности Творческой Мастерской Рябичевых – презентация художественных выставок и знакомство на вернисажах с творчеством современных художников и скульпторов.
София Загряжская куратор художественных проектов также представляет собственную коллекцию «От классики до авангарда» на разных выставочных площадках Москвы. Соприкосновение с творчеством замечательных живописцев, графиков, фотографов, скульпторов и дизайнеров подарило возможность собрать целую экспозицию произведений, с которой успели познакомиться многие зрители.

Название коллекции «От классики до авангарда» звучит достаточно претенциозно, но качество работ и имена авторов выдерживают критику. Это работы Игоря Павловича Обросова, Виктора Федоровича Орловского, Маргариты Юрковой, Леонида Гландина, Валерия Секрета, Олины Вентцель, Омара Чхаидзе, Жана-Луи Бодонне, Константина Малютина, Зураба Пачулии, Тенгиза Мирзашвили, Йосихиро Сагавы, Омара Годинеса Лансо, Фернандо Химено Перес, Сан-Сан Кара, Ксении Черномор, Антона Кетова, Ив Средина, Ларисы Белимы, Татьяны Еленок, Ираиды Маркеловой, Ильи Комова, Тамары Аксеровой, Салавата Вахитова, Искандера Ильязова, Пита Килкенни и других художников. Коллекция «От классики до авангарда» была представлена в Дизайн-студии BRIART (2013 г.) ARTPLAY, в Культурном Центре им.Ф.П. Гааза (2014 г.), в Творческой Мастерской Рябичевых.

Также работы художников этой коллекции можно увидеть в проектах организованных Творческой Мастерской Рябичевых совместно с Творческим объединением Зураба Пачулии «Богема Мы Вместе», которые посвящены дружбе народов и творческих людей из разных стран, живущих в едином культурном пространстве.

Художник
Омар Годинес Лансо
и куратор проекта
«От классики до авангарда»
София Загряжская
Выставка
в студии дизайна BriArt
май 2014 г.

Омар Чхаидзе
Композиция

Опубликовано в рубрике В Творческой Мастерской Метки: выставка, коллекция, От классики до авангарда, София Загряжская, студия дизайна BriArt, Творческая мастерская Рябичевых Комментариев нет »