Марина Звягинцева. #РАЗБЛОКИРОВАТЬ Персональный проект в Галерее 21 24 октября – 15 января 2018 Вернисаж 24 октября 19.00 В рамках открытия – перформанс «Точка доступа»
Галерея 21 представляет с 24 октября по 15 января 2018 персональную выставку художника Марины Звягинцевой #Разблокировать. В проекте поднимаются важные для художника и в целом для нашего времени вопросы взаимодействия личности и города, которые выражены в контрасте ярких цветных всплесков монотипии и серой массы бетонных стен и панелей. Как считает художник, при помощи искусства человек может разблокировать эту давящую массу. Термин «разблокировать» также прочно связан с медиа-пространством, которое, в свою очередь, постоянно давит и на людей, и на сам город.
Марина Звягинцева использует два авторских бренда: уникальную технику монотипии и тему городской окраины, так называемого «спального района». Она последовательно развивает идею вторжения современного искусства в культурный вакуум городских окраин. На её счету – организация и проведение множества значимых паблик-арт проектов. Способность договариваться со сложным заказчиком по имени город и без всякого пессимизма работать с московской серостью, сделали ее одной из самых заметных фигур столичного паблик-арта.
Новый проект Марины Звягинцевой проходит не в открытом городском пространстве, а в стенах Галереи 21 на Винзаводе. Главный герой проекта #Разблокировать – бетонный блок, часть современного города, внесенная в помещение. Основное выразительное средство – монотипия – старинная техника 17 века, которую художник вводит в ткань современного искусства и сочетает с такими неожиданными материалами, как бетон или канализационные трубы. Цветной отпечаток на холсте или объекте движения краски по водной поверхности, хоть и управляем, но до конца не предсказуем (монотипии «Линия жизни»; «Внутреннее замыкание»; «Разблокируйте»; «Погружение»). Вода – природная стихия. Отсюда рождается важный для автора контраст серого бетона и живого искусства. Под воздействием красочного потока монотипии трескается серый монолитный бетон (инсталляции «Информационное давление»; «Разрыв повседневности»).
Разблокировать художник пытается и информационное поле, и отношения между людьми. К графично-абстрактной стене добавлены живописные мобильные устройства, трубы, проекции и красный цвет, преобладающий в монотипиях.
По словам искусствоведа Александры Рудык: «Важная оптическая настройка для просмотра проектов художника – эмоциональная. В своем неутомимом стремлении достучаться до всего живого Звягинцева напоминает писателей «Новой искренности», уставших от постмодернистских концептуальных игр, стремящихся вернуться к человеку. Кроме того, вербальное искусство, где текст важнее изображения; маргинализированность этики; всеядность потребительского общества; эпатажные художественные акции на поле политики; шутливые концептуальные приемы; искусство постинтернета, проникшее на
международные биеннале, подтолкнули художника к созданию искреннего и даже чуть лирического героя. Его гуманистическое дело – разблокировать подлинные эмоции, связать их материализованными коммуникациями и запустить по новой душевное движение. А монументальная физическая оболочка, приправленная спецэффектами, вроде бегущих строк и видеопроекций – эффектный прием, помогающий сокровенному обрести реальную физическую оболочку».
Марина Звягинцева – номинант VII Всероссийского конкурса в области современного визуального искусства ИННОВАЦИЯ (2012), Премии АРХИWOOD (2012), дважды номинант Премии Кандинского (2008 и 2009). Является идеологом и куратором программы паблик-арт проектов «Спальный район» в рамках Московских биеннале современного искусства (2009, 2011, 2013). Участник фестиваля «Архстояние-2010». Арт-объекты Звягинцевой находятся в Высшей школе экономики в Хитровском переулке («Медиадвор», 2013), в центре дизайна ARTPLAY («Как ни крути», 2014-2016); в детской Морозовской больнице («Арт-прививка», 2014; «Игровые коммуникации, 2015); в Политехническом музее; ИЦ «Сколково» («Знаки», 2015); на фасаде публичной библиотеки города Норильска («Вечная теплота», 2016); городская арт-навигация «Культурный код» проложена на тротуарах в Тимирязевском районе Москвы (2017).
В рамках выставки 12 декабря в 19.00 состоится перформанс «Атипичная монотипия».
Галерея 21. www.gallery-21.ru
ЦСИ ВИНЗАВОД, Москва, 4-й Сыромятнический пер., 1, стр.6 +7-910-463-04-04; gallery@gallery-21.ru
Вход свободный.
Сайт художника: www.artmarin.ru Контакты для СМИ: +7-916-674-11-69; artgalera@gmail.com
МАРИНА ЗВЯГИНЦЕВА. #РАЗБЛОКИРОВАТЬ. Персональный проект с 24 октября 2017 года – 15 января 2018года. Представляет «ГАЛЕРЕЯ 21″, ЦСИ ВИНЗАВОД
ЕЛЕНА САДЫКОВА. Новости мирового арт-рынка, обзор АРТПРАЙС за первое полугодие 2017
Рынок оборота культурных ценностей и произведений искусства отражает основные макроэкономические процессы. Произведения искусства рассматриваются как инвестиционный продукт, служащий для преумножения вложенных средств.
Ежегодный обзор арт-рынка, представленный лидерами аналитиками данной области Аrtprice и Art Market Monitor of Artron (AMMA) в сентябре 2017 г. обнародовал следующие аналитические данные касательно 1 половины 2017 г. по рынку изобразительного искусства (живопись, скульптура, графика, фотография, печать, инсталляция).
Сегмент современного искусства ведет к общему выздоровлению рынка, прибавившего 5%. Выделяются следующие ключевые моменты.
1. Мировой оборот художественных аукционов достиг в 1-м полугодии 2017
6,9 млрд. долларов США.
2. Цены в сегменте современного искусства выросли на 9,6%.
3. США с оборотом 2,2 млрд. долларов США обогнали Китай с 2 млрд. долларов США.
4. Великобритания и Франция внесли свой вклад в восстановление арт-рынка до 13% и 7%.
5. Современное искусство составляло 15% мирового оборота арт-рынка против 3% в 2000 году.
6. Цена на работу Жана-Мишеля Баскиа (род. в 1960) достигла $ 110,5 млн.
Глобальный обзор.
На глобальном уровне арт-рынок находился в лучшей форме в первом полугодии 2017 года, завершив, таким образом, двухлетний период регрессии. По мнению Тьерри Эрманна, основателя и генерального директора компании artprice, начиная с 2000 года арт-рынок функционирует в сторону снижения активности, сопротивляясь кризису NASDAQ. В числе факторов, повлекших снижение арт-рынка девять-одиннадцать атак, второе вторжение в Ирак и, конечно, беспрецедентный финансовый и экономический кризис, который начался в 2007 году. Он также сопротивлялся значительному росту глобальной геополитической напряженности и появлению негативной процентной ставки, которая наносит ущерб сбережениям. На протяжении последних 17 лет арт-рынок демонстрировал свою способность адаптироваться к условиям, тем самым избегая видимых в финансовой сфере мелочей. Поэтому он сыграл важную “актива-убежища” роль, не превращаясь при этом в мыльный пузырь.
Полугодичный оборот аукционов изобразительного искусства:
Мировой арт-аукционный оборот вырос на 5,3% по сравнению с первым полугодием 2016 года. Восстановление произошло главным образом за счет показателей американского рынка, оборот которого вырос на 28%.
Другие крупные западные державы также активно способствовали восстановлению. Как Великобритания, так и Франция – третье и четвертое место в мировом рейтинге рынка – приняли участие в новой динамике, завершив период первого полугодия с ростом показателей оборота на 13% и +7% соответственно. Среди других растущих рынков отметим Австралию – прирост на 18%, Южную Корею – прирост на 42%.
С другой стороны, сокращение рынка Германии на 6% было незначительным ввиду ее глобального рейтинга (6-е место) и объема сделок (1,5% мирового оборота). Однако Испания представила резкое -30% падения с $7 млн. в оборот за 6 месяцев, что поставило страну на 28 место в рейтинге мировом рынке, оказавшись позади Польши ($18 млн.), Турции ($14 млн) и Израиля ($8,5 млн.).
Китай и США, «ноздря в ноздрю».
В дуэли «мягкой силы» между Китайской Народной Республикой и Соединенными Штатами Америки баланс никогда не был таким близким, причем обе страны располагали почти равными объемами сделок и цифрами оборота.
В США, 38,000 проданных лотов изобразительного искусства на общую сумму $2,2 млрд. за шесть месяцев, в то время как в Китае, 37,900 проданных лотов изобразительного искусства, составивших в общей сложности 2 миллиарда долларов. Каждый год, начиная с бума китайского арт-рынка (около. 2008-вторая половина 2013), одна из двух сверхдержав берет незначительное превосходство над другой. По итогам первого полугодия 2017 года разница незначительна.
Однако этот беспрецедентный новый паритет является плодом двух диаметрально противоположных центров развития по обе стороны океана. В то время как оборот торгов поднялся на 28% в США, Китай пострадал на 12%, что подтвердил официальный китайский партнер Артпрайса Арт-мониторинг рынка Артрона (АММА).
За развитием соперничества между двумя сверхдержавами будет интересно следить во 2-м полугодии 2017, поскольку Китай, как правило, показывает более высокие обороты во второй половине года (подтверждено за последние восемь лет), тогда как на Западном рынке, как правило, наблюдается более низкий уровень активности во 2-м полугодии.
Новая эпоха процветания на Западе
Продажи современного и послевоенного искусства, похоже, закрыли период корректив на западном рынке, который начался во второй половине 2015 года. Эта адаптация по существу была вызвана неизбежным сжатием доходов, вызванных растущей трудностью аукционных компаний в объединении высококачественных произведений искусства в современные и более ранние художественные периоды.
К счастью, активность в последние месяцы говорит о новой эре процветания, что началось с самого значимого сигнала, поступающего от продажи произведения Жана-Мишеля Баскии «Без названия» (1982 год). Цена $ 110,5 млн., оплаченная за этот современный холст иллюстрирует глубокое изменение в рыночном отношении: коллекционеры теперь совершенно готовы платить эквивалентные суммы за современные шедевры.
Эта новая динамика является результатом постепенной трансформации Арт-рынка. С 2000 года коллекционеры проявляют растущий интерес к произведениям, созданным во второй половине XX-начале XXI века. Так, тогда как послевоенное и современное искусство составляло 8% и 3% мирового аукционного оборота 17 лет назад, сейчас они составляют 21% и 15%.
Доля рынка по периодам создания в мировом аукционном обороте
Концентрация арт-рынка высокого класса в Нью-Йорке позволила самым мощным коллекционерам мира конкурировать на одном и том же и уникальном рынке. Новый владелец шедевра Жана-Мишеля БАСКИЯ, японский коллекционер, 41-летний Юсаку Миедзава, приобрел работу за такую сумму, до сих пор, зарезервированную для современных шедевров. С ценой $110,5 млн. его картина «Без названия» (1982) является 6-м самым дорогим произведением искусства когда-либо проданным на аукционе и эффективно продвигает нью-йоркского граффити-художника (умер от передозировки наркотиков в возрасте 27 лет) в пантеон истории искусства наравне с выдающимися мастерами на все времена, наряду с Пабло Пикассо, Амадео Модильяни, Альберто Джакометти, Фрэнсисом Бэконом и Эдвардом Мунком.
Новые предпочтения коллекционеров
Помимо нового ценового рекорда для Жан-Мишеля Баския, другой большой новостью на мировом арт-рынке в начале этого года, несомненно, является двойной новый рекорд для Василия Кандинского в Sotheby’s London 21 июня 2017. Во-первых, среднего размера холст, датированный 1909 годом, с изображением Мурнау достиг 26,8 млн. долларов; затем большая абстрактная картина 1913 года, «Bild mit weissenlinien» (Картина с белыми линиями), извлекла 42,3 миллиона долларов.
Другие крупнейшие художники первой половины 20-го века также достигли новых высот. Скульптура Константина Бранкузи «Спящая Муза» (1913) и шедевр экспрессиониста Макса Бекмана вызвали очень серьезные торги.
Топ результатов торгов первого полугодия 2017 года.
В целом, однако, современное искусство – это самый интересный сегмент рынка для коллекционеров. Этот факт наглядно иллюстрируется в целом динамикой цен для различных художественных эпох.
Индексы цен – рассчитанные по версии Artprice на основе всех результатов аукционов изобразительных искусств по всему миру – предоставят уникальный и абсолютно объективный взгляд на эволюцию Арт-рынка. Цифры ясно показывают, что за последние два года только сектор современного искусства (художники, родившиеся после 1945 года) предоставил рост цен.
В то время как Modern Art и более ранние периоды показали стабильные ценовые показатели после кризиса, послевоенному искусству в свою очередь, все труднее поддерживать темпы роста. Его звезды – Энди Уорхол, CY Twombly, Рой Лихтенштейн и Герхард Рихтер встречаются все реже на вторичном рынке. Это отражает тот факт, что “музей промышленности” (museum industry) (экономическое понятие, разработанное Artprice в начале 2000-х годов) последовательно приобретал их лучшие произведения на рынке. Напомним, что в период с 2000 по 2014 год было открыто больше музеев, чем на протяжении всего 20 века. Аналогичным образом, Artprice подтверждает, что, как и в 2016 году, еще 700 новых музеев с «международными художественными» профилями откроются в 2017 году по всему миру, тем самым укрепляя структуру мировой музейной экономики.
Новая эра процветания, в которую входит рынок искусства, впервые в своей истории движется посредством современным искусством. Это является историческим событием в истории искусства и неоспоримым показателем доверия арт-рынка к современным, ныне живущим художникам. Нынешняя сила рынка современного искусства (ранее составлявшего самый слабый сегмент рынка) иллюстрирует общую основательность современного рынка искусства в целом… основательность, которая добавляет безопасности и уверенности для новичков на рынке.
Как никогда ранее, арт-рынок доказывает свою роль как ликвидный и эффективный рынок, предлагая чрезвычайно привлекательную доходность, особенно в условиях, когда центральные банки демонстрируют негативные процентные ставки, которые действительно катастрофичны для вкладчиков.
Таким образом, очевидно, что мировая статистика аукционных продаж явно свидетельствует о большом будущем за современным искусством в коммерческом поле.
Арт-рынок относится к сегментам устойчивого экономического развития, наибольший потенциал в которой принадлежит современному искусству.
Источник информации: https://www.artprice.com/artprice-reports/global-art-market-in-h1-2017-by-artprice-com
Перевод подготовила Елена Садыкова
ПИЛИГРИМ. ТАТЬЯНА КУЗЬМИНА-ЧУГУНОВА. Лучшие произведения разных циклов
Фотографии для публикации сделали:
Сергей Погорелый
Алексей Шульгин (Ashu Shulgin)
Sergey V. Zharkov
Павел Товкач
Александра Загряжская
Эта публикация будет дополняться фотографиями и отзывами посетителей выставки Татьяны Кузьминой-Чугуновой «Пилигрим».
Эта выставка оставила сильное впечатление даже на тех, кто прекрасно знаком с работами и творчеством Татьяны Кузьминой-Чугуновой, дружен с ней, бывает в ее мастерской и видел многие из произведений, представленных в экспозиции «Пилигрим». Собранные здесь вместе, работы Татьяны обрели такое мощное звучание, которое можно сравнить с многоголосием — гармоничным, прекрасным, проникающим в глубины души. Разные истории нескольких циклов ее работ предстали в экспозиции как единое полифоническое произведение. Казалось бы, непросто в сравнительно небольшом пространстве вместить столь разные картины, каждая из которых обладает мощной энергетикой и характером, но неожиданно монументальные по значимости идеи полотна, нисколько не помешали друг другу, напротив — более явственно отразили свою единую сущность и характер автора.

Искандер Ильязов
(Искан)
художник, коллекционер, член Российской Академии народного искусства
на выставке Татьяны Кузьминой-Чугуновой
«Пилигрим»
ИСКАНДЕР ИЛЬЯЗОВ, художник, коллекционер (Творческий псевдоним ИСКАН): «Я не смог приехать на вернисаж, и поэтому специально приехал посмотреть выставку через день после открытия. И правильно сделал, потому что получился обстоятельный осмотр в спокойной обстановке. Сразу беру быка за рога и делюсь главным впечатлением: Татьяна Кузьмина-Чугунова выдающийся портретист. Есть, есть в Москве хорошие авторы!
Я увидел живые изображения людей с их характерами и полюбовался прекрасным исполнением портретов. Картины написаны в лучших академических современных традициях, при этом творчески, легко и ровно настолько подробно, насколько нужно для лучшей выразительности. Я считаю, что выставленные картины на самом высоком уровне письма в сегодняшней Москве.
Больше всего мне понравились автопортреты Татьяны. У Татьяны Кузьминой-Чугуновой хорошо получаются детские портреты. Родители! Имейте в виду!
В зале я познакомился с другими посетителями и обменялся мнениями с художником, со скульптором, с одной знакомой автора, а София Загряжская дала пояснения.
Спасибо Татьяне Кузьминой-Чугуновой и Творческой мастерской Рябичевых за хорошую выставку».
СТЕПАН ТОРГАШЕВ, художник: «Портреты Татьяны Кузьминой-Чугуновой меня очень впечатлили. В них чувствуется внутренняя сила художника, и особенный талант, с которым переданы чувства моделей. Очень сильный художник. Я сравниваю Татьяну с Николаем Фешиным — великим мастером портрета, с его темпераментностью, эмоциональностью и мастерством.»
ОЛЬГА ПЕТРОВА, исскусствовед: «О том, что Татьяна — художник-реалист высочайшего уровня я знала, но то, сколь глубоко и разнообразно ее творчество осознала впервые, на этой очень удачно сформированной выставке. Здесь были представлены самые разные циклы работ, начиная с дивных, трогательных детских портретов до очень глубоких, комплексных изображений великих поэтов. От проникновенного цикла «Пробуждение» до удивительных последних работ, посвященных непосредственно душевному состоянию художника в настоящий момент жизни. Привлекателен и цикл портретов современниц «Нестандартный формат». Каждая изображенная женщина (или девушка) представлена как значительная интересная личность, со своим внутренним миром, интеллектом и духовной жизнью. Стало очевидным, что Татьяна не только прекрасный живописец, мастерски выполняющий любые поставленные перед собой задачи, но и философ-экзистенциалист, в каждой своей работе фиксирующий существеннейшие проблемы бытия. Танечка! Очень хочется поблагодарить тебя за твой грандиозный труд, за талант и фантазию».
АЛЕКСЕЙ ШУЛЬГИН (АШУ ШУЛЬГИН), журналист: «На этот раз Татьяна Кузьмина-Чугунова показала несколько главных своих циклов, из которых следует выделить картины серии «Пробуждение», «Детское фэнтази», «Поэты России», Нестандартный формат (женские портреты), новые, полные драматизма картины.
Никогда не было сомнения, что она художник настоящий, в хорошем смысле слова профессиональный, чувствующая, «пульсирующая» и реагирующая на происходящее. Правда, в какой-то момент, признаюсь, было опасение, что художник «зациклится» на чересчур узком, личном. Слава Богу опасение так и осталось только лишь опасением.
Мне давно казалось, что Татьяне необходимо выставиться в таком помещении, где ее живопись будет смотреться сильно, победоносно, как собственно она (живопись) всегда у нее и создается. И экспозиция, родившаяся, развесившаяся, по стенам Рябичевского дворца — это то, чего следовало ожидать, что мне лично хотелось наконец увидеть.
Характерные черты лучших образцов живописи Кузьминой-Чугуновой — это полнокровность, насыщенность, фиксация живого, волшебно остановленного на холсте. Как возьми — и останови толпу, движущуюся в метро в час пик по переходу. Только в кино такое возможно. Оказывается возможно лучше, чем в кино. При то, что в случае с Кузьминой-Чугуновой, она старается «просканировать» изображаемый объект, помимо сходства передать те черты, какие ей показались важными. Утверждаю, что большинство портретов Татьяны комплиментарны, в меру салонны и относятся к категории предметов Высокого искусства. Хотя пороки не утаить… Но это уже проблемы портретируемых.
Несколько лет назад я писал, что Татьяна Кузьмина-Чугунова — один из лучших портретистов современности. Сейчас многое передумав и переосмыслив, я не отказываюсь от своих слов. Наоборот, хочу лишь добавить, сказать: «Татьяна, пожалуйста, не останавливайтесь, ради Бога — не слушайте Вы мнения тех, кто себя возомнил «культурной элитой». Бог Вам дал совершенный интсрумент — глаза и руки. Все в Вашей силе».
Выставка прошла. Мне жаль тех, кто не посетил ее. Надеюсь, еще будет возможность увидеть воедино собранные в одном пространстве картины художника.
А Татьяна Кузьмина-Чугунова, надеюсь, будет снова и снова радовать и удивлять своими новыми работами».

Татьяна Кузьмина-Чугунова, Анастасия (дочка Татьяны), София Загряжская, Александр Рябичев, Николай Наумов
СОФИЯ ЗАГРЯЖСКАЯ, искусствовед: «Конечно, мне нравится каждый из циклов. Каждая серия работ рисует яркий мир, в котором мы всегда видим отражения автора, но особенно меня поражают сложносочиненные композиции, в которых реальность и вымысел рисуют особенный духовный мир изображенных персонажей. И, безусловно, мне очень по душе серия портретов «Нестандартный формат», не скрою, еще и потому, что я и мои прекрасные сестренка и мама стали также героинями этой серии. И само название очень символично, здесь акцент, конечно, не на размере (все портреты горизонтальные и вертикальные имеют один размер 40х120), здесь важнее другое — нестандартный формат — это то обстоятельство, которое выводит реальность за рамки обыденности, это то, что рождает творческую мысль, будит воображение. Это то, к чему стремится художник во всех художественных смыслах. И мне нравится быть частью этого творческого замысла Татьяны».
ЕЛЕНА КАЧЕЛАЕВА. Выставка в залах РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ. Сценография, живопись, графика, плакат. До 29 октября 2017 года. Адрес: МОСКВА, улица ПРЕЧИСТЕНКА, 21

Торжественное открытие
выставки Елены Качелаевой
с Российской Академии художеств
Пречистенка, 21
10 октября 2017 года
Выставка произведений заслуженного художника России, члена-корреспондента Российской академии художеств Елены Качелаевой.
В экспозиции представлено около 50 работ художника – сценография, живопись, графика, плакат.

Елена Качелаева
театральный художник-постанощик,
член-корреспондент Российской Академии художеств
заслуженный художник России
Елена Качелаева родилась в Москве в 1948 году в Москве. Окончила Московскую среднюю художественную школу, а в 1973 году — Московский художественный институт им. В.И.Сурикова, где её педагогами были известные мастера театрально-декорационного искусства В.Ф.Рындин, М.М.Курилко, М.Н.Пожарская. С 1988 года – член Союза художников СССР, в том же году состоялась её персональная выставка в ЦДХ, а в 2000 году – персональная выставка в Марселе (Франция). Елена Качелаева — постоянный участник многих российских и международных художественных выставок, а также театральных выставок «Итоги сезона».
Елена Качелаева – один из интереснейших театральных художников Москвы. Сценический мир Елены Качелаевой можно назвать миром реальной фантастики. Она щедро дарит зрителю свой мир, яркий и богатый, счастливый и таинственный. Работы этого мастера необычайно выразительны и функциональны. Неповторимое своеобразие её творческой индивидуальности и высокий уровень художественного мастерства в последние годы неоднократно были отмечены театральной критикой и прессой.
С её именем связаны многие постановки в Центральном детском театре, в театрах имени В.Маяковского и Н.В.Гоголя, где с 1987 года она являлась главным художником этого театра, а также — постановки в других театрах России. Работая в театре им. Н.В.Гоголя, Е.Качелаева сумела заявить о своей сценографии как о полноценной составной части каждого спектакля, поставленного по произведениям русской и зарубежной классики, среди авторов которой имена – А.Н.Островского, Н.В.Гоголя, А.П.Чехова, А.Белого, а также У.Шекспира, Ф.Шиллера, К.Гольдони, Т.Уильямса, Ю.О’Нила, С.Моэма, Б.Брехта и др. Многие театральные критики отмечают неистощимость её фантазии и способность глубоко проникать в суть сложнейших пьес. Для неё, прежде всего, важен человек, его духовный мир. Художника всегда интересовала личность, драматургия её судьбы. Как яркая творческая индивидуальность Е.Качелаева заняла достойное место в истории отечественного театра последней трети ХХ века.
Умение создать удивительно точный символ эпохи, времени действия нередко вызывает овации в зале ещё до начала спектакля, так зрители выражают свою благодарность художнику Е.Качелаевой за необычайные декорации, определяющие тональность и стиль спектакля.
В ряде случаев художник, смело соединяя, казалось бы, несовместимое, виртуозно создает совершенно оригинальный живописно-архитектурный образ сцены. На сцене может царить стиль модерн конца прошлого века с подчеркнуто нескрываемыми контрастами, насыщенно яркими костюмами, которые ещё в большей степени передают стиль и дух рубежа столетий. В другом спектакле расписные декорации Елены Качелаевой, похожие на огромное пестрое лоскутное одеяло, погружают зрителя в атмосферу русского лубка. Через тонкие плетения вологодских кружев художник передает метельный вихрь русской зимы в спектакле «Комедия о Фроле Скобееве», а в пожаре осенних листьев видит огонь любовной страсти в спектакле «Костюм для летнего отеля».
В экспозиции представлены портреты известных деятелей культуры, артистов, среди которых портреты Е. Дворжецкого, Е.Князева, Е.Максимова, режиссера С.Яшина, выполненные в острохарактерной манере, портреты художника Анны Бирштейн, скульптора В.Ватагина, с особой нежностью и теплотой созданы портреты дочери — «Надя маленькая», «Надя большая» др. Кроме того, в состав выставки вошли эскизы декораций к спектаклям «Лес», «Бешеные деньги» по пьесам А.Островского, «Смех лангусты» по пьесе Дж.Маррела, «Пигмалион» по пьесе Б.Шоу, «Васса Железнова» по пьесе М.Горького и др., серия плакатов к спектаклям «Петербург» по пьесе А.Белого, «Иванов» по пьесе А.Чехова, «Бесприданница» по пьесе А. Островского и др., а также эскизы костюмов к различным спектаклям.
Уже более 40 лет Елена Качелаева служит театру. За это время она поставила свыше 100 спектаклей в театрах Москвы, Санкт-Петербурга, Ярославля, Челябинска, Оренбурга, Томска, Душанбе, Тбилиси, Днепропетровска, Новосибирска и других городов.
Живописные и графические работы Е.Качелаевой украшают экспозиции многих художественных музеев и галерей как у нас в стране, так и за рубежом. Она является лауреатом трех телевизионных театральных фестивалей, лауреатом премии мэра Москвы и премии имени И.Смоктуновского.
Выставка работает по 29 октября 2017 года.

Торжественное открытие
выставки Елены Качелаевой
с Российской Академии художеств
Пречистенка, 21
10 октября 2017 года

Торжественное открытие
выставки Елены Качелаевой
с Российской Академии художеств
Пречистенка, 21
10 октября 2017 года
МАША МАЙКОВА. «НЕ ЗАБЫТЬ ВЫКЛЮЧИТЬ УТЮГ…» Выставка живописи и графики в ALPERT GALLERY. С 20 октября до 2 ноября 2017 года. Адрес: МОСКВА, улица КРАСНОКАЗАРМЕННАЯ, дом 3
Маша Майкова
НЕ ЗАБЫТЬ ВЫКЛЮЧИТЬ УТЮГ…
Выставка живописи и графики
20 октября – 02 ноября 2017
Открытие – 20 октября, 19-00
Alpert Gallery, Красноказарменная ул., д. 3
Художник все время живет в двух мирах — будто в разных комнатах одновременно. В одной – телевизор, суета, телефон, утюг и хлопоты. В другой - холсты, миллион тюбиков, кисти и кот Матисс — свидетель и соавтор.
Alpert Gallery представляет художника Машу Майкову и выставку, идею которой придумал сам автор. Пространство галереи превратится в выставочный зал — мастерскую. Здесь можно будет присесть у столика с постановочным натюрмортом, почувствовать себя в роли персонажа будущей картины, раствориться в творческой обстановке и вдруг вспомнить: «А выключила ли я утюг?»
Маша Майкова: «Не забыть, успеть, не опоздать — ключевые слова нашего времени, к сожалению. Наверное, поэтому сюжеты моих картин — это люди, отдыхающие на берегу моря, или о чем-то неспешно разговаривающие в интерьерах-декорациях. При всей суете нашей жизни мы вспоминаем «кадры» из своих путешествий и приятных встреч, у каждого есть свой такой альбом. Я коллекционирую воспоминания при помощи живописи, цвета, линии, формы, и главное для меня — передать ощущение того настроения, которое я запомнила».
В экспозиции представлено более 50 живописных и графических работ, созданных автором за последние несколько лет.
Выставка продлится по 2 ноября 2017 года.
Открытие – 20 октября 2017 года, 19-00.
Спонсор: студия итальянской мебели «АСТ-Альфа» Информационные партнеры: ArtTube, Cultobzor.ru
О художнике:
Маша Майкова родилась в Ярославле. Закончила Абрамцевское художественное училище и художественный факультет Московского технологического института. С 1983 г. член Московского Союза художников. Участник московских, всероссийских и международных выставок. Работы находятся в собраниях России, Европы, США, Канады. Живет и работает в Москве.
АДОЛЬФ ФОН МЕНЦЕЛЬ (1815 — 1905 гг..) — немецкий художник, один из лидеров романтического историзма
Первой художественной школой для Адольфа стала литографическая мастерская его отца в Берлине, куда семья переехала в 1830 году. Спустя три года, в 1833 году отец будущего художника скончался, и юный Адольф брался за любую художественную работу: делал обеденные меню, пригласительные билеты. Классы академии художеств в Берлине Адольф посещал недолго, около полугода и был почти самоучкой, но тем не менее его талант очень быстро снискал славу молодому художнику. Впервые он стал известен в 1833 году тетрадью рисунков, исполненных пером и изображавших «Жизнь художника». За этим юношеским трудом Менцеля следовали ряд им самим литографированных «Достопримечательностей Бранденбургской истории» (1834—39 гг.., 12 листов) и несколько первых его опытов в живописи масляными красками, каковы, например, «Игра в шахматы» (1836 г.), «Юридическая консультация» (1837 г.), «Судебное заседание» (1837 г.) и прочие работы.
Но вскоре ему пришлось отложить в сторону палитру и кисти, дабы заняться сочинением иллюстраций к «Истории Фридриха Великого» Франца Куглера (1839—42 гг..) и вслед за тем иллюстрированием роскошного издания сочинений Куглера (1843—49 гг..). Обе эти работы заставили Менцеля углубиться в изучение эпохи Фридриха Великого.
Воспроизводя её с полной исторической точностью, превосходной характеристикой положений и действующих лиц, реалистической правдой и высоким техническим мастерством, он составил себе громкое имя у своих соотечественников преимущественно картинами на темы, взятые из этой эпохи, каковы, например:
«Круглый стол Фридриха Великого» (1850, находится в берлинской Национальной галерее),
«Концерт в Сан-Суси» (1852 г., там же),
«Фридрих Великий в дороге» (1854 г.),
«Присяга Фридриху Великому в Бреславле, в 1741 г.» (в Бреславльском музее),
«Встреча Фридриха Великого с Иосифом II в Нейссе»,
«Фридрих перед Лейтенской битвой»,
«Фридрих в Гохкиркенской битве» (1856 г.; в берлинском королевском дворце) и др.
1840-е годы Менцель начинает писать с натуры. Возникает целый ряд пейзажей, портретов, которые были впервые показаны в 1906 году на выставке Менцеля в Национальной галерее в Берлине и резко изменили сложившееся мнение о его творчестве.
В 1850-х годах Менцель написал, кроме того, несколько картин библейского содержания, достоинству которых в большинстве случаев вредила их излишняя реалистичность, после чего снова выказал свой талант с полным блеском в великолепной «Коронации Фридриха-Вильгельма I в Кёнигсберге» (1861—65 гг..; в берлинском королевском дворце), в «Отъезде короля на войну, 30 июля 1870 года» (1871 г.; в Берлинской Национальной галерее), в «Ужине на балу» (1878 г.), в «Разговоре короля с дамой на придворном балу» (1880 г. ), в «Религиозной процессии в Гаштейне»(1880 г.), в «Площади д’Эрбе, в Вероне» и в «Железопрокатный завод» (1875 г.) — самой замечательной из всех картин художника, изображающей внутренность железопрокатного завода во время работы на нём. Сверх упомянутых произведений, Менцель исполнил много других, менее значительных жанровых картин, рисунков пером, композиций для политипажей, акварелей и гуашей. С 1856 года он состоял профессором и членом Берлинской академии художеств.
Адольф фон Менцель был достаточно замкнутым человеком, у него было всего лишь несколько близких друзей. Он никогда не был женат, но был очень близок со своей семьей. Даже когда его сестра вышла замуж, они жили по соседству, вместе ездили в путешествия, которые значительно разнообразили жизнь художника.
С 1850 г. он часто бывал в Дрездене, на берегах Эльбы, на юге Германии и Австрии, он три раза посещал север Италии и три раза Париж, где он участвовал в выставках. Но нельзя забывать и значимость города Берлина в его творчестве: мало того, что половина его богатых заказчиков жила там, он нередко писал городские пейзажи, показывая как растет и украшается город.
За долгие годы жизни Менцель побывал в Австрии, ездил по Рейну, Дунаю, был на Балтийском море, в Голландии, Италии, объехал всю Германию. Путешествия служили ему источником сюжетов для рисунков, жанровых полотен, пастелей. В этих работах уже не было той поэтичности и взволнованности, которые были присущи его ранним работам.
Менцель работал более двадцати лет (1863—1885 гг..) над серией гуашей и акварелей, объединённых в «Детский альбом». В нём собраны сценки повседневной жизни, изображения животных, птиц и т. д. Последние годы жизни он посвятил графике, хотя на протяжении всего творческого пути не расставался с карандашом: только в Национальной галерее в Берлине есть свыше пяти тысяч его рисунков.
В 1880—1890 годах Менцель обращается к образу старости, он изображает портреты стариков и старух, ищет психологическое выражение этого состояния.
9 февраля 1905 года на девяностом году жизни Менцель скончался. Императорским двором ему были устроены очень пышные похороны, каких удостаивались лишь генерал-фельдмаршалы.
Адольф фон Менцель писал много портретов и жанровых картин, на которых были изображены представители высшего общества. Но также не последнее место в его творчестве занимало изображение рабочих. Одна из основополагающих картин такого рода «Прокатный стан», которая рассказывает о процессе производства железнодорожных рельс. Эскизы к этой и подобным картинам он выполнял в Силезии. Этими работами Адольф фон Менцель не только высказывал свою социальную позицию: указывая на безграничные возможности современных технологий, он натыкался на бедственное положение рабочих. Как художника его нимало интересовали процесс изображения сложных технических процессов и необычных световых эффектов.
ПЕТР ЦВЕТКОВ и Галерея РЕМБРАНДТ представляют выставку «ВПЕЧАТЛЕНИЯ И ЦВЕТЫ». Открытие 11 октября 2017 года в 18 часов. ПКиО ИЗМАЙЛОВСКИЙ ПАРК, павильон ВЫСТАВОЧНЫЙ
Галерея «Рембрандт» совместно с ПКиО «Измайловский парк» представляет персональную выставку Петра Цветкова «Впечатления и цветы».
«В нашем разобщенном и жестком мире, где много зла и тревоги хочется заново отыскать те элементарные частицы добра – говорит Петр Цветков – способные вновь объединять людей на основе любви, то, что дает тепло человеческой душе, к чему все люди относятся одинаково хорошо: дом, дорогие нам люди, природа, цветы, животные, искусство…»
Художник выбирает путь раскрытия красоты через впечатление от природы, тем самым наследуя мастерам импрессионизма, но со своей самобытной манерой исполнения. Главные герои Петра Цветкова – цветы, город, мотивы природы и человека, сам цвет. Городские и сельские пейзажи похожи на цветочный гербариум – стены домов гармонично контрастируют между собой, создавая впечатление не преходящего праздника. Выставка Петра Цветкова «Впечатления и цветы» – искренние впечатления, выполненные с мастерством, которое не может оставить равнодушным.
Открытие выставки состоится 11 октября, в 18.00 в ПКиО «Измайловский парк», в павильоне «Выставочный» (от колеса обозрения 200 м вдоль пруда).
Адрес: Аллея большого круга
МЦК «Соколиная гора» 5 мин. пешком.
ВХОД СВОБОДНЫЙ
Можно с детьми
Писатель, художник ЮРИЙ ПЕТКЕВИЧ. Выставка «ОБМАНУЛИ…» С 16 ноября 2017 года. Живопись, обсуждение рассказов книги «С ПТИЦЕЙ НА ГОЛОВЕ», встречи с автором в ТВОРЧЕСКОЙ МАСТЕРСКОЙ РЯБИЧЕВЫХ

Юрий Петкевич
писатель, художник
автор выставки
«Обманули…»
с 16 ноября 2017 года
в Творческой Мастерской Рябичевых
Об авторе:
Юрий Петкевич родился в 1962 году в Белоруссии, в Москве закончил в 1989 году Высшие курсы сценаристов и режиссеров (мастерская Павла Финна).
Произведения Юрия Петкевича публиковались в журналах «Знамя», «Новый мир», «Дружба народов», «Октябрь», «Огонёк», «Ностальгия», «Новая юность», «Ясная поляна», «Волга» и других.
Изданы книги: «Явление ангела», изд-во Вагриус, 2001 г.,
«Колесо обозрения», изд-во Независимая газета, 2001 г.,
«С птицей на голове», изд-во Астрель, 2012 г., за которую присуждена Горьковская литературная премия 2013 года.
Живопись Юрия Петкевича представлялась на многих персональных выставках на самых разных площадках; например, в 2013 году прошли выставки в Воронежском областном художественном музее им. И.Н.Крамского, а также в Москве в театре Школа Драматического Искусства. В 2014 году в Галерее на Чистых прудах в Москве и в Саратовском государственном художественном музее им. А.Н.Радищева. В 2015 году — в Галерее Артнаив в Лялином переулке в Москве. А в 2016 году выставка в музее Шагала в Витебске.
От издателей книги Юрия Петкевича «С птицей на голове»: Художника Юрия Петкевича называют наследником Марка Шагала и Анри Руссо, прозаик Петкевич, по мнению многих, единственный современный ученик и последователь Андрея Платонова.
В книге «С птицей на голове» собраны наивные рассказы о счастье, и авангардистская проза, и инфернальная история семьи первой половины ХХ века. Автор смотрит на мир глазами ребенка или блаженного, его мир населен странными людьми, которые воспринимают жизнь как «одну великолепную мелодию», и даже в опустошенной деревне все равно светит солнце и поют соловьи.
Книга иллюстрирована рисунками автора.
Отрывок из рассказа Юрия Петкевича
Выйдя из церкви, все поспешили в магазин, куда в это время как раз привезли батоны. Костя догнал девушку и прошептал: можно ли ему рядом пойти, и она кивнула, только попросила: быстрее, чтобы не разобрали батоны. Тогда они побежали, но у магазина Костя сказал Дусе, что обождет ее… Он стоял, ожидал ее и ни о чем не думал. По улице босиком шел ангел и, когда наступал на острые камешки, поджимал пальчики на ногах, морщась от боли, но был очень счастлив и, когда добрался до луга, побежал по траве к речке. В знойный день все в природе замерло, не дышало, и при необыкновенной тишине раздался вдруг необычайный шум. Костя вздрогнул, испугался, не понимая, что это такое, и не сразу увидел, что далеко в поле стоит деревце, и листочки на нем трепещут. Непонятно откуда взявшийся ветер, когда все продолжало оставаться бездыханным, закружился вокруг деревца, и Костя почувствовал радость, будто стая птичек пролетела, крылышками вот так: фрррррр-рр… — и опять ни звука.
Дуся, выйдя из магазина, взяла прутик и начала чертить на песке, а Костя оглянулся.
- Что ты рисуешь?
- Подсчитываю, — объяснила она, — на сколько меня обманули.
«Обманули…». Неожиданное для выставки название интригует. Но многие, впервые знакомящиеся с творчеством Юрия Петкевича оказываются поражены и заинтригованы, и это обаяние его произведений не лежит на поверхности, порой даже сложно объяснить, чем так притягателен сюжет и его персонажи. Это касается и живописи и литературы Юрия Петкевича, раскрывающих парадоксальные смыслы простых событий ничем не выдающейся повседневности. Разве что самим чудом существования. Именно в этом и состоит исключительность автора. Что бы не происходило с его героями, какими бы не обладали они характерами и судьбами, сюжетные линии повествований всегда оказываются связанными с вечными смыслами бытия.
София Загряжская
куратор выставки
8 926 524 12 47
Выставка Юрия Петкевича «Обманули…»
Вернисаж 16 ноября 2017 года
в 19 часов
в Творческой Мастерской Рябичевых
Светлый проезд, 10 а.
Посещение по предварительной договоренности 8 926 524 12 47, 8 985 762 77 61
ДЖЕБРАН ХАЛИЛЬ ДЖЕБРАН — ливанский и американский художник, поэт и писатель. Выдающийся арабский философ XX века

Джебран Халиль Джебран — ливанский и американский философ, художник, поэт и писатель. Выдающийся арабский писатель и философ XX века.
Прославившая Джебрана Халиля Джебрана книга — The Prophet (Пророк) (1923), вершина философии поэта. Переведена на более чем 100 языков.
Джебран Халиль Джебран родился 6 января 1883 года в Бишари, гористой местности Северного Ливана, в то время это была провинция в составе Османской империи.
Жители этой местности участвовали в движении за освобождение и независимость от Османской империи и позже и сам Халиль Джебран поддерживал это движение. В этом крае наблюдалось и противостояние между христианским и мусульманским населением, и писатель также пытался примирить враждующие стороны.
Мать Джебрана Халиля — Камила Раме происходила из семьи, члены которой имели существенное влияние на религиозную общину. Отец писателя Халиль Джебран был третьим мужем Камилы. Безответственность отца стала причиной бедности семьи. Кроме Джебрана Халиля Джебрана в семье было ещё трое детей: старший на 6 лет сводный брат Питер, и две сестры — Марианна и Султана, к которым у писателя была глубокая привязанность.
С детства Джебран Халиль любил уединение, а также мыслить и наблюдать природу в одиночестве. По причине бедности семьи он не получил настоящего образования, посещая только уроки сельского священника, который преподавал ему основы Библии, а также арабского языка. Увидев интерес молодого Халиля к обучению, священник начал его обучать грамоте, истории, науке и языкам.
Когда Халилю Джебрану было 8 лет, его отец был обвинен в уклонении от уплаты налога и получил тюремный срок, а его имущество было конфисковано. Таким образом, его семья оказалась без дома и переехала жить к родственникам. Через некоторое время мать Халиля Джебрана решила иммигрировать в США. Отца писателя освободили в 1894, но он не решился на иммиграцию и остался в Ливане.
В июне 1895 года семья Джебранов прибыла в Нью-Йорк, а затем поселилась в Бостоне. Мать Халиля стала кормильцем в семье, но семья жила в нищете. Благодаря благотворительным организациям, которые занимались образованием детей иммигрантов, Джебран Халиль Джебран стал посещать школу, чего не разрешалось его сестрам. Именно в школе его полное имя сократили по ошибке, записав его Халилем Джебраном. В этой школе также впервые заметили талант мальчика к рисованию.
Благодаря некоторым сбережениям матери, а также началу работы брата и сестер финансовое положение семьи начало улучшаться и Халиль Джебран стал вливаться в бостонское общество. Все больше он начинал знакомиться с культурной жизнью города, а его учителя предвещали ему будущее успешного художника. В это время они наладили контакт с художником Фредом Холландом Деем, который поддерживал начинающих художников и помог в этом и Джебрану. Их знакомство датируется 1896 годом. Дей познакомил Джебрана Халилиля с греческой мифологией, мировой литературой, современной литературой и фотографией. Молодой Джебран быстро всему обучался, усовершенствовал технику рисования, зарабатывал на разрабатывании дизайна обложек для книг. С помощью Дея он получил популярность в творческих кругах Бостона. Но семья решила, что ранний успех может негативно на нём сказаться и по общему соглашению Джебран Халиль вернулся назад в Ливан, чтобы закончить обучение и выучить арабский язык.
Во время учебы в Ливане в бейрутском институте он основал студенческий литературный журнал, а после нескольких лет учебы вернулся назад в Бостон в 1902 году. За две недели до этого умерла от туберкулёза его сестра Султана, а через год от этой же болезни умер и брат Питер, а за ним от рака умерла мать Джебрана Халиля. Он остался на попечении своей сестры, которая работала в магазине одежды.
В 1908 году Джебран уезжает в Париж для обучения живописи. В Европе проводит два года и знакомится с Юсуфом Хуайеком, который станет другом на всю жизнь. В 1910 году он возвращается в США, переезжая в Нью-Йорк.
За это время Джебран стал известным художником. Его первая выставка состоялась в Бостоне в студии Дея. На этой выставке он встретил Мэри Элизабет Хаскел. Она была на 10 лет старше него, но они подружились, и эта дружба длилась всю жизнь, хотя некоторые биографы утверждают, что у них были романтические связи, но против их брака была семья Хаскелей. Хотя Мэри Элизабет вышла замуж за другого, но она поддерживала его финансово, была его редактором и свела его со многими важными людьми.
Джебран умер в Нью-Йорке в апреле 1931 года в возрасте 48 лет от цирроза печени и туберкулеза. Он не принял американского гражданства, так как очень любил свою родину Ливан. Его последней волей было, чтобы его прах был захоронен в Ливане.
В 1904 году Халиль Джебран начинает писать статьи в арабской газете «Эмигрант» (Al-Mouhajer). Все ранние произведения писателя были на арабском языке, но после 1918 года большинство из них издавались на английском.
Таким образом, в 1906 году автор издал книгу на арабском языке «Нимфы долины» (Arayis Al-Muruj). В 1908 году выходит книга «Мятежные души» (Al-Arwah Al-Mutamarridah).
Первая из его английских книг была «The Madman» (Сумасшедший) (1918), сборник афоризмов и метафор, написанных в библейском стиле, и являющихся нечто средним между поэзией и прозой.
Джебран публикует свою книгу на арабском языке Al-Arwah Al-Mutamarridah в марте 1908 года. Это сборник из 4 рассказов, которые поднимают социальные вопросы Ливана, такие как эмансипация женщин, смерть как избежание невестой нежеланной свадьбы, жестокость и несправедливость ливанских крупных землевладельцев ХІX века.
В поэзии Джебрана преобладает формальный стиль и духовные темы. Многие произведения писателя касаются христианства и духовной любви. Но на его творчество повлиял также ислам, иудаизм и суфизм.
На русском языке была издана повесть «Сломанные крылья» (1912). Эта книга повествующая о любви глубоко духовных юноши и девушки в Ливане, чьим мечтам о счастье не суждено было сбыться в алчном и несправедливом мире.
Одним из наиболее известных произведений писателя является книга «Пророк» (1923). Книга состоит из 26 поэтических эссе философского характера. Главный герой Пророк-философ, который покидая край, в котором провел большую часть жизни, возвращается на родину. Перед его отплытием многие люди этого поселения приходят, чтобы спросить у него наставлений и выслушать мудрость, которую он постиг. Эти наставления носят жизнеутверждающий и гуманистический характер.
В художественном творчестве он создал семь сотен картин, включая портреты его друзей Вильяма Батлера Йейтса, Карла Густава Юнга и Огюста Родена.

От переводчика: «Миллионы арабов, читающие его произведения на родном языке, признают Джебрана самым выдающимся писателем и философом этого столетия. Его книги переведены на десятки языков, включая все основные европейские языки. Его живопись выставлялась во многих столицах мира, искусствоведы сравнивают ее с работами Вильяма Блейка. «Пророк» был написан Джебраном в 1923 году по-английски и в том же году увидел свет. Интерес к нему до сих пор огромен. Достаточно сказать, что только в США с момента первой публикации «Пророка» уже продано более четырех миллионов экземпляров и вплоть до сегодняшних дней ежегодно распродается более 80 тысяч книг в год. Причина такой популярности «Пророка» кроется в особой художественной его структуре, причудливо сочетающей мистические и выразительные элементы Востока с радостным христианством первых его пророков. В разных странах цитаты из этого произведения украшают стены общественных и ритуальных зданий, они используются как слова молитв. Идеи и образы этой книги заставляют открываться сердца так, как это происходит при чтении Экклезиаста и немногих других подобных книг. Сам Джебран считал «Пророка» лучшей своей работой и трудился над ним почти всю жизнь. Он писал: «Я думаю, что „Пророк“ всегда был во мне, еще с тех пор, когда я жил рядом с горой Ливан».
МАРИЯ ТИХОНОВА. Автор памятника АНДРЕЮ ТАРКОВСКОМУ и его фильму «АНДРЕЙ РУБЛЕВ»
Лучшему фильму всех времен и народов «Андрей Рублев» и его создателю – великому Русскому кинорежиссеру Андрею Тарковскому.
29 июля 2017 года древний хранитель культурного наследия Суздаль стал свидетелем еще одного культурного события — торжественного открытия памятника известному советскому кинорежиссеру, сценаристу Андрею Тарковскому и его фильму «Андрей Рублев».
С одной стороны памятника, рельеф «Троицы» Рублева, с другой, надпись: «Лучшему фильму всех времен и народов «Андрей Рублев» и его создателю — великому русскому режиссеру Андрею Тарковскому». Скульптором памятника является художник-монументалист Мария Тихонова, которая давно знакома с творчеством Тарковского. Еще в 2003 году, когда строился музей Тарковского и Флоренского в Костромской области (Кадыйский район, село Завражье), силами семьи Тихоновой были собраны средства на создание музея. Мария Тихонова также написала портрет Тарковского и участвовала в экспозиции.
В создании этого памятника, наряду с президентом Международного кинофорума «Золотой Витязь» Николаем Бурляевым, принимала активное участие и сестра Андрея Тарковского – Марина Арсеньевна Тарковская, с которой М. Тихонова работала над портретом самого Тарковского. Установка монумента посвящена сразу двум памятным датам — 85-летию режиссера и 50-летию исторической кинодрамы. «Памятник был задуман в двух ипостасях, и как величайшему режиссеру планеты, и как фильму «Андрей Рублев», который является вершиной не только нашего кино, но и мирового», — заметил Бурляев.
Заметим, что первый памятник известному режиссеру был поставлен у входа во ВГИК в 2009 году (скульптурная композиция, посвященная трем знаменитым вгиковским студентам — Геннадию Шпаликову, Василию Шукшину и Андрею Тарковскому), и несмотря на это, Николай Бурляев назвал новый памятник Тарковскому первым. Ведь это первый памятник, посвященный лично Тарковскому и его произведению, а не нескольким сильным личностям, отличающимся, как по творчеству, так и по периодам работы в кинематографе. Г. Шпаликов, В. Шукшин и А. Тарковский — это разные люди и разные истории, которых объединила учеба во ВГИК. А новый памятник посвящен именно творчеству гения и его великому произведению «Андрей Рублев», ставшему фильмом всех времен и народов.
История создания скульптуры
Работа над созданием бронзовой скульптуры продолжалась целых три года. Со слов автора композиции Марии Тихоновой самым трудным было создать скульптуру самого Тарковского: «Образ режиссера давался очень сложно. Он очень эмоциональный человек, в этом он и красив. По сохранившимся снимкам его черты лица довольно странные, да и сам он был небольшого роста, довольно худой, но в нем чувствовалась сила. Как говорили те, кто с ним был знаком, если даже на него надеть шапку-ушанку, он продолжал быть аристократом и буквально излучал силу. И Николай Петрович Бурляев сам часто заезжал ко мне в мастерскую чтобы убедится, что в скульптуре точно воплощаются главные его черты».
О памятнике
4,5-метровая композиция построена по четкой классической схеме: троица с Андреем Тарковским и двумя главными героями его фильма: монахом-иконописцем Андреем Рублевым (в исполнении Анатолия Солоницына) и литейщиком Бориской (в исполнении Николая Бурляева) выстроена по золотому сечению. Как отметила автор композиции Мария Тихонова: «Кто-то неправильно называет большую фигуру колокола часовней. С одной стороны да, она может быть часовней, но смыслов в этой идее заложено много. С одной стороны это троица, с другой стороны — троица икона, т.е. можно и подойти поклониться». По словам Н. Бурляева «это символ объединения».
В руках Бориска держит веревку, привязанную к языку колокола, который должен вот-вот зазвонить. С одной стороны памятника рельеф «Троицы» Рублева, с другой — надпись: «Лучшему фильму всех времен и народов «Андрей Рублев» и его создателю — великому русскому режиссеру Андрею Тарковскому». На постаменте выгравированы имена режиссера-постановщика, актеров и сценариста, благодаря которым и создавалась легендарная картина.
Фильм «Андрей Рублев» был снят Тарковским в 1966 году и включает в себя 8 новелл. Съемки кинокартины проходили в городах Печоры, Изборск, Псков. В Суздале фильм снимался около Спасо-Евфимиева монастыря. Сцена полета на воздушном шаре была снята около церкви Покрова на Нерли. Как выразился Николай Бурляев, этот
памятник напоминание о том, «каким может быть и должен быть русский кинематограф».
Примечательно, что памятник создавался исключительно на средства меценатов, а сама Мария Тихонова (автор и создатель) работала абсолютно безвозмездно, как отметил Николай Бурляев: «Она совершила подлинный подвиг — я видел, как она работает. Она сделала памятник бескорыстно, что невероятно в наши дни».
К подножию монумента Николай Бурляев возложил маленький мешочек с землей. Он пояснил: «Это земля с того места, где мы делали фильм и новеллу «Колокол». Ее подержали в руках сын Андрея Тарковского и дочь Анатолия Солоницына — их родная кровь. Эту землю я передам в руки, которые понесут ее во Францию, на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа, где похоронен Андрей Тарковский».
Известный актер Александр Балуев отметил, что лучше открывать памятники деятелям культуры, а не политическим деятелям, «а Тарковский и его «Андрей Рублев» — наша гордость, так что монумент возведен по праву». Коллегу поддержал Александр Панкратов-Черный: «Главное, что не забываем Андрея Арсеньевича. Памятник в Суздале — знак памяти народной. Есть теперь место, где можно поклониться великому режиссеру, который показал народу муки творчества святого художника. Я тут походил по Суздалю и я подумал, что фильм Тарковского — это икона кинематографа и, наверное, она приближается к «Троице» Рублева».
Советник губернатора, почетный гражданин Владимира, Суздаля и Владимирской области Алиса Аксенова рассказывает: «Фильм снимался в тяжелое идеологическое время. Я помню первый просмотр в обкоме партии. Фильм закончился, включили свет и все бросились к выходу — чтобы не высказываться. В зале остались только Тарковский, Юсов (кинооператор), Ямщиков (был консультантом фильма). Я им говорю: «Успокойтесь, все утрясется. Не готовы к фильму были эти зрители». На просмотре, на Мосфильме была уже другая обстановка, там восторгались, обсуждали, думали, сомневались. Тем не менее, полную версию фильма (для советского зрителя картину урезали) я посмотрела только в 1983 году, когда была в командировке в Дании. Там было много кадров, которые снимались на моих глазах — у стен нашего Успенского собора, в Суздале. Замечательно, что сегодня появился этот памятник — он будит воспоминания и интерес к отечественной истории. И для туристов это будет замечательное место».
Каждый гость мог ощутить атмосферу фильма «Андрей Рублев». Для этого даже пиротехник заготовил десять дымовых шашек, чтобы «стелился туман над рекой», точно как в новелле «Колокол».
На церемонию открытия присутствовали сын великого режиссера Арсений Тарковский, директор Государственного центрального музея кино Лариса Солоницына (дочь Анатолия Солоницына, сыгравшего роль Андрея Рублева), актеры Николай Бурляев, Борис Токарев, Александр Панкратов-Черный, Александр Балуев.
Фото и видео-репортаж можете смотреть на сайте скульптора Марии Тихоновой