Архивы рубрики ‘Классики и современники’

ДЖУЗЕППЕ БЕРНАРДИНО БИСОН (16 июля 1762 — 24 августа 1844)

Художник  Джузеппе Бернандино Бисон Giuseppe Bernardino Bison (16 June 1762 – 24 August 1844)

Художник
Джузеппе Бернандино Бисон
Giuseppe Bernardino Bison
(16 June 1762 – 24 August 1844)
автор портрета
художник Джузеппе Томинц

Он родился в идеальном городе Возрождения — Пальманова. Еще мальчиком, увидев произведения Джироламо Романино, решил стать художником. Позже семья переехала в Венецию, и Джузеппе Бисон начал занятия с Антоном Мария Дзанетти (младшим), а затем поступил в Венецианскую Академию изящных искусств. В это же время Джузеппе Бисон подружился с архитектором Джан-Антонио Сельва, с которым затем вместе работал в Ферраре.
Художник работал во дворцах Падуи, Тревизо, расписал потолок церкви Святого Андрея в Венеции.
Переехав в Триесту, он начал сотрудничество со скульптором Антонио Боза (1780-1845), вместе они оформляли Палаццо Карциотти, а также здание фондовой биржи.
В 1811 году в Зара Джузеппе Бисон оформлял также Палаццо дель Джовернаторе.

Это было время, когда его картины пользовались успехом у коллекционеров и аристократов, во многом, благодаря дилеру Тосони. Для богатых заказчиков, художник написал множество пейзажей и картин в других жанрах. Его полотна были дорогими, но несмотря на успехи в Триесте, фортуна вскоре отвернулась от него, и с 1831 года художник сначала вернулся в Брешию, затем поселился в Милане и умер бедным.

Джузеппе Бернардино Бисон  "Площадь Сан-Марко в Венеции"

Джузеппе Бернардино Бисон
«Площадь Сан-Марко в Венеции»

Джузеппе Бернардино Бисон  "Венеция"

Джузеппе Бернардино Бисон
«Венеция»

Джузеппе Бернардино Бисон  "Турецкие посланники в Венеции"

Джузеппе Бернардино Бисон
«Турецкие посланники в Венеции»

ДЖИРОЛАМО РОМАНИНО (ок.1485 — 1566 гг..). ИТАЛИЯ

Портрет Романино, написанный художником Л.Гамбара

Портрет Романино, написанный художником Латтанцио Гамбара

Джироламо Романино (Girolamo Romanino, Romani) родился в Брешии на севере Италии.
О первых годах его жизни в истории осталось мало сведений.
Художник поселился в Венеции в возрасте двадцати лет, не позднее 1513 года, где получил заказ на роспись «Мадонна на троне с четырьмя святыми» для церкви Санта-Иустины в Падуе.
Его иконографические сцены, написанные для церкви Сан — Лоренцо, датированы 1510.
Романино написал четыре фрески в соборе Кремоны в 1519-1520, изображающие истории о Страстях Христовых.
Затем он вернулся в Брешию (1521-1524), где работал с Алессандро Бонвичино в оформлении «Капелла-дель-Сакраменто» в Сан-Джованни Евангелиста.

Романино "Рождество Христово"

Романино
«Рождество Христово»

В 1531 г. он работал вместе с Джованни ди Никколо де Лютери (известен как Dosso Dossi) над фресками Замка Buoncosiglio в Тренто.
Его учениками были его сын Латтанцио Гамбара, художники Джироламо Музиано и Стефано Роса.

Украденная картина
Вскоре после 1940 года нацистского вторжения во Францию, картина Романино «Несение креста» была похищена из семьи итальянского еврея Фредерико Джентили ди Джузеппе. В 2012 году произведение было обнаружено среди предметов итальянского искусства, предоставленных одним из американских музеев. Благодаря помощи Интерпола и Министерства национальной безопасности Соединенных Штатов, картина была возвращена наследникам Фредерико Джентили ди Джузеппе. В настоящее время она застрахована на два с половиной миллиона долларов.

Джироламо Романино "Несение креста" 1582 г.  81х72 частная коллекция

Джироламо Романино
«Несение креста»
1582 г.
81х72
частная коллекция

Записки о художниках НАТАЛЬЯ ПАВЛОВА. Ярославская майолика. Мастерская НАТАЛЬИ ПАВЛОВОЙ И ЕВГЕНИЯ ШЕПЕЛЁВА

Мастерская майолики Павловой и Шепелёва (Ярославская майолика)

Мастерская майолики Павловой и Шепелёва (Ярославская майолика)

Основанная в 1992 году Евгением Шепелёвым и Натальей Павловой мастерская (в настоящее время полное наименование «Мастерская майолики Павловой и Шепелёва») — предприятие, которое специализируется на выпуске высокохудожественных изделий из керамики в технике майолика (История мастерской). Все изделия: от елочных украшений до фундаментальных настенных барельефов и панно — это полностью ручная работа, что придает им индивидуальное своеобразие и уникальность.

Коллекция "Вертеп" Мастерская майолики Павловой и Шепелёва (Ярославская майолика)

Коллекция «Вертеп»
Мастерская майолики Павловой и Шепелёва (Ярославская майолика)


Контакты:
Тел.: 8 (4852) 72-26-20
Электронная почта:
zakaz@mastermajolica.ru
150031, Ярославль, ул. Юности, 17а

В настоящее время ООО «Мастерская майолики Павловой и Шепелёва» объединяет 97 работников и имеет свою школу майолики. Продукция «Майолики» всемирно известна и реализуется как бренд «Ярославская майолика» в России и за рубежом.
Предприятие — дипломант многих художественных и коммерческих выставок в России и за рубежом. Неоднократный победитель выставок в номинациях «Лучшие товары рынка России», «Лучший дизайн изделий подарочно- сувенирной продукции», « Новое в бизнес — сувенирах с элементами корпоративного стиля» и многих других. На международной выставке, проходившей в феврале 2008 г. в Нью-Йорке, американскими экспертами предприятие «Майолика» отмечено как единственное им знакомое, работающее по такой сложной технологии.

Мастерская майолики  Натальи Павловой и Евгения Шепелёва Адрес:  ул. Юности, 17а, Ярославль, 150031  Электронная почта:  zakaz@mastermajolica.ru

Мастерская майолики
Натальи Павловой и Евгения Шепелёва
Адрес:
ул. Юности, 17а, Ярославль, 150031
Электронная почта:
zakaz@mastermajolica.ru

Информация официального сайта Натальи Павловой и Евгения Шепелёва:
Обычно, когда речь заходит о майолике, первое, что вспоминается как яркое явление — это искусство итальянской расписной керамики XVI-XVII веков: изысканные кувшины, аптечные сосуды, блюда, тарелки, богато украшенные «картинными» мифологическими сюжетами, орнаментальным декором «гротеск» и портретами юных красавиц. Именно эти произведения стали для многих европейских мастеров последующих эпох эталоном для подражания и вдохновения в создании собственного искусства.
Майолика не такой древний по истории материал как, например, терракота или гончарная глина, но более «вечный», часто используемый в архитектуре, скульптуре, декорировании фасадов и интерьеров. В Европе, в Италии он появился в XV веке, куда попал с острова Майорка, из стран Среднего Востока, из Ирана. Восточные майоликовые изделия славились своим покрытием на основе металлизированных глазурей. Такими их увидели итальянские художники, заменившие иранские глазури на белую непрозрачную эмаль.

"Георгий Победоносец"  Мастерская Натальи Павловой и Евгения Шепелёва Одно из чудес Святого Георгия-победа над змеем, опустошавшим землю. Как  гласит предание, когда выпал жребий отдать на растерзание чудовищу царскую дочь явился  Георгий на коне и пронзил змея копьем,избавив царевну от смерти.  Жители, увидев это чудо, обратились в христианство. В русских землях народ почитал Георгия как покровителя воинов, земледельцев, скотоводов. Со времен Д. Донского, Георгий Победоносец являлся покровителем Москвы.

«Георгий Победоносец»
Мастерская Натальи Павловой и Евгения Шепелёва
Одно из чудес Святого Георгия-победа
над змеем, опустошавшим землю. Как
гласит предание, когда выпал жребий отдать
на растерзание чудовищу царскую дочь явился
Георгий на коне и пронзил змея копьем,избавив
царевну от смерти.
Жители, увидев это чудо, обратились в христианство.
В русских землях народ почитал Георгия как
покровителя воинов, земледельцев, скотоводов.
Со времен Д. Донского, Георгий Победоносец
являлся покровителем Москвы.

В России майолику как материал, в классическом (итальянском) виде, т. е. как изделия из цветной обожженной глины с крупнозернистым черепком, покрытые непрозрачной белой эмалью, стали использовать только в XVIII веке. И долго, вплоть до конца XIX века, ее называли «фаянсом русской работы». Хотя сам термин в качестве специального названия такой же итальянской керамики появился в отечественной литературе в 1795 году.
Одним из первых русских предприятий, выпускавших изделия из майолики, стал московский завод Афанасия Гребенщикова, основанный в 1744 году. Однако мировую известность этому материалу в России, как и всему отечественному декоративно-прикладному искусству XVIII века принесли произведения гжельских крестьян-керамистов. Быстро освоив и переработав у себя дома в Гжели европеизированную гребенщиковскую продукцию, они создали самобытное искусство и такой же оригинальный сосуд, как квасник. Этого успеха в майолике добились гжельские мастера в конце XX века. И казалось, что уже было трудно появиться чему-то интересному, не похожему на гжельский промысел. Но буквально за последние двадцать лет мы стали свидетелями рождения и развития еще одного очага керамического искусства : в Ярославле в 1992 году появилась производственная фирма «Майолика Павловой и Шепелёва».

"Стрелец" Мастерская Натальи Павловой и Евгения Шепелёва

«Стрелец»
Мастерская Натальи Павловой и Евгения Шепелёва

Сегодня «Мастерская майолики Павловой и Шепелёва» — это крупная производственная компания. Однако в мастерских её царит по-прежнему удивительная теплая творческая атмосфера, а отношение к ярославской майолике остается таким же любовно-тщательным, как и почти 20 лет назад. Творческая основа «Майолики» — это мастерская ее главного художника. Наталья Павлова самостоятельно воплощает в материале и красках будущие шедевры ярославской майолики. И только потом к работе подключаются живописцы — расписывая каждую скульптурную фигурку вручную, они работают деликатно и аккуратно, в точности повторяя изначальный художественный замысел авторских работ Натальи.

Расписывают фигурки ярославской майолики исключительно вручную, в технике «a la prima» — рисунок наносится по сырой эмали, с первого раза. Живописец должен работать точно и аккуратно, не допуская ошибок, т.к. их нельзя «поправить».

На подготовку каждого специалиста-живописца, который работает с ярославской майоликой, уходит не менее двух лет. И это при том, что у человека может иметься специальное художественное образование и значительный опыт работы с керамикой. Дело в том, что сама технология росписи обычно осваивается живописцами довольно быстро, а вот на закрепление навыков внимательной и точной росписи «с первого раза» тратится гораздо больше времени.

Душа у майолики — русская, открытая. Но глубина ее – неизведанна, тайны — неразгаданны.

Директор Мастерской Евгений Шепелев говорит: «Основа основ для нас, безусловно, — это ярославский поливной изразец. В нем и технология, и эстетика, и орнаментальность. А цветовая гамма — наши изумительные иконы ярославской школы».

Особая мягкость скульптурных форм, их лиричность, задушевность позволяют фигуркам ярославской майолики не просто украшать интерьер, но наполнять его атмосферу теплом и светом. И в этом главное достоинство ярославской майолики — одного из самых ярких явлений в современном русском искусстве малой скульптуры.

ХАИМ СУТИН (1893 — 1943 гг..) «ЕВА» холст, масло, 65х54, 1928 г.

Хаим Сутин "Ева" холст, масло  65х54 1928 г.

Хаим Сутин
«Ева»
холст, масло
65х54
1928 г.

Хаим Сутин (Хаим Соломонович Сутин, 13 января 1893, Смиловичи Минской губернии Российской империи — 9 августа 1943, Париж, Франция) — французский художник «Парижской школы».
13.01.1893 — Хаим Сутин родился в Смиловичах Минской губернии в бедной еврейской семье и был десятым из одиннадцати детей. Отец будущего художника работал портным (по другим сведениям, синагогальным служкой). С раннего детства Хаим проявлял любовь к рисунку и живописи.
1907 — чтобы освободиться от влияния семьи (родители не разделяли точку зрения сына относительно будущей карьеры художника) и не изменить своему призванию, Хаим убегает из дома в Минск. Там он посещает рисовальную школу Я. М. Кругера.
1909 — Сутин и его друг Михаил Кикоин едут в Вильно, где записываются в Школу изящных искусств. Будущие художники мечтают увидеть Париж.
Июнь 1913 — Сутин приезжает в Париж, где записывается в ателье Кормона в академии изящных искусств. Однако Сутин очень быстро меняет слишком «академическую» Академию на посещения Лувра, который становится его настоящим университетом. Здесь он изучает признанные произведения классиков живописи, греческую и египетскую скульптуру, картины Гойи, Эль Греко, Тинторетто, Жана Фуке, Рембрандта, Коро и Шардена. Из современников Сутин больше всего ценит Курбе и Сезанна. Сутин интересовался музыкой и литературой. Среди его любимых авторов были Монтень, Расин, Сенека, Достоевский, Пушкин, Бальзак и Рембо, среди композиторов — Бах и Моцарт. Первые годы в Париже художник живёт в нищете. Перед тем, как переехать на Сите Фальгьер в пятнадцатом округе Парижа, Сутин живёт и работает в «Ла Рюш», «Улье», международном общежитии бедных художников на левом берегу Сены, которое было создано в 1902 скульптором Альфредом Буше. Здесь Сутин знакомится с Леже Емилом, Марком Шагалом, Фернаном Леже, Робером Делоне, скульпторами Константином Брынкуши, Осипом Цадкиным, Анри Лораном, Липшицем и Александром Архипенко. Он встретит, прежде всего, Модильяни, с которым его соединит крепкая, но непродолжительная дружба (из-за преждевременной смерти последнего).
1918 — переезжает на юг Франции (Ванс, Кан-сюр-Мер и Сере), где остается почти на семь лет. Его впечатляет красота местных пейзажей; три года работает в бешеном темпе.
1922 — привозит в Париж около двухсот написанных работ. Американский коллекционер Альберт Барнс покупает у художника около пятидесяти произведений. В следующем году торговец произведениями искусства Леопольд Зборовски продает много полотен Сутина. Через 10 лет после прибытия в Париж он выбирается из нищеты и тратит все, что зарабатывает.
1925 — после лет, проведенных на юге Франции, Сутин возвращается в Париж, где въезжает в просторное ателье на улице Мон Сен-Готар, недалеко от площади Данфер-Рошро. Именно здесь он выполнит серию бычьих туш и многочисленные натюрморты с рыбой и птицей.
1927 — первая персональная выставка Сутина в одной из парижских галерей; знакомится с Марселеном и Мадлен Кастен, которые вслед за Зборовски возьмут опеку над художником
1929 — знакомится с историком искусств Эли Фором, который напишет первую монографию, посвященную его творчеству.
1935 — произведения художника впервые выставляются в США в рамках коллективной экспозиции в Чикаго.
1937 — выставка 12 картин художника в Государственном музее Пти Пале в Париже в рамках коллективной выставки «Мастера независимого искусства 1895—1937». Знакомится с Гердой Грот, немкой, которая скрывается от нацистского режима; она будет его подругой три года.
1939 — Сутин уезжает в Йонн.
1941 — Родители художника гибнут в Смиловичском гетто. Сам Сутин после неудачных попыток получить право на въезд в США укрывается в Шампиньи.
9 августа 1943 — Хаим Сутин умирает в Париже. На похоронах присутствуют лишь его подруга, Пабло Пикассо и Макс Жакоб.
Похоронен на кладбище Монпарнас.

До 2012 года на родине Сутина в Белоруссии не было ни одной его картины. Картина «Большие луга в Шартре» (предположительно 1934 год) была приобретена 8 февраля 2012 года на аукционе Кристис за 400 тысяч долларов Белгазпромбанком. В 2013 году Белгазпромбанк приобрёл на аукционе Сотбис картину Сутина «Ева» (продажная цена 1.805.000 долларов), признанную «самой дорогой картиной в Беларуси».

TRIFARY. Ювелирная компания ТРИФАРИ. С 1910 года до наших дней

     Серьги 60-е годы 20 века Crown Trifari бант с золотистой отделкой (коллекция Софии Загряжской «Великолепный век»)

Серьги 60-е годы 20 века Crown Trifari
бант с золотистой отделкой
(коллекция Софии Загряжской «Великолепный век»)

Ювелирная компания Trifari.
Слава компании «Трифари», как и большинства американских компаний, проявилась на талантах эмигрантов. Создатель компании Густаво Трифари родился в Неаполе, в Италии, в 1883г. Обучался ювелирному делу у своего деда Луиджи, и эмигрировал в Америку в 1904 г. Со своим дядей организовал компанию «Trifari and Trifari» в 1910 г., но вскоре отошел от общего дела и начал выпускать высококачественные украшения под именем Трифари. 
Логотип «TRIFARI» появился в 1910 г. В 1917 г. к компании присоединился Лео Крассман, а в 1918 г. — Карл Фишел.  С тех пор фирма стала называться «Трифари, Крассман энд Фишел» и использовать логотип «KTF» до 1935 года. После 1955 года использовалось клеймо «TRIFARI»с короной или без. Корона над буквой Т и знак копирайта означают, что брошь была сделана после 1955 года, но не позже конца 60-х гг. Игра фактур основывается на контрасте между матовым текстурным эффектом от обработки металла жёсткой щёткой и гладким полированным черешком. Эта техника обработки поверхностей — браширование — очень характерна для украшений 60-х гг, в то время, как в 40-х и 50-х металл в украшениях предпочитали полированным.
Уже к середине 30-х  годов компания стала вторым по величине ювелирным домом в Америке. В разработке дизайна бижутерии принимал участие и Альфред Филипп, который долгое время работал и с Cartier and Van Cleef & Arpels.
В течение многих лет главным дизайнером фирмы был Альфред Филиппе, создававший ювелирные украшения также для Картье. Среди других дизайнеров, работавших на «Трифари», были Джин Перис, Люциус Пассаванти, Андре Беут и Диана Лав. В разное время «Трифари» входила в состав фирм «Холмарк», «Моне» и «Кристалл Бренде».
Об успехе и качестве украшений можно судить по тому, что компания существует до сих пор, пережив несколько экономических кризисов. До настоящего времени менялись владельцы, менялись ведущие дизайнеры, но в итоге Trifari стала частью Monet Group, купленной Liz Claiborne в 2000 году. И сегодня компания остается одной из самых престижных по производству ювелирных украшений, которые очень популярны и очень дороги. Они успешно продаются на аукционах, но самые ценные экземпляры находятся в частных коллекциях и время от времени выставляются на показах. 

Винтаж Трифари подпись Арт-Релиз.РФ

МИРИАМ ХАСКЕЛЛ / MIRIAM HASKELL (1899 — 1981 гг..) Она сделала в мире американской моды то же, что ее современница КОКО ШАНЕЛЬ для ПАРИЖА

Дизайнер Мириам Хаскел (MIRIAM HASKELL) из коллекции Софии Загряжской  "Великолепный век"

Дизайнер
Мириам Хаскел
(MIRIAM HASKELL)
из коллекции Софии Загряжской
«Великолепный век»

Мириам Хаскел, также как и Коко Шанель, считала бижутерию необходимым аксессуаром в одежде и сумела сделать ее такой же престижной, как и настоящие драгоценности.

О художнике:
1899 Родилась в штате Индиана, США.
1924 Переезжает в Нью-Йорк и открывает магазин в отеле «Макалпин».
1926 Открывает компанию «Мириам Хаскел» с Френком Хессом в качестве главного дизайнера.
1930-е Открывает магазины розничной торговли в Нью-Йорке и Лондоне.
1940-е Начинает торговлю украшениями.
1960-е Роберт Ф. Кларк становится главным дизайнером.
1970-е Ларри Врба становится главным дизайнером.
1981 — уход из жизни Мириам Хаскелл.

Успешная карьера Мириам Хаскелл состоялась в 1920-1940-х гг. Она сделала для США то же, что и ее современница Коко Шанель для Парижа: создала именную бижутерию хоро­шо одевающихся дам, которая соединила мод­ные тенденции в украшениях и одежде в еди­ный комплекс. Мириам Хаскелл родилась в 1899 г. в скром­ной американской семье в Капнелтоне, штат-Индиана. В 1924 г. переехала в Нью-Йорк и от­крыла свой первый магазин ювелирных укра­шений в престижном отеле «Ма­калпин». Не будучи дизайнером по образованию, она специализировалась в этой области в Университете Чикаго. Обладая хорошим вкусом и тонкой интуицией Хаскелл безошибочно определяла потенциал того или иного дизайнера. Так Френка Хесса, автора витрин в Мейсис, она назначила главным дизайнером компании «Мириам Хаскел», которую основала в 1926 г. Хесс, занимавший эту должность до 1960 г., разработал новый дизайн изделий, выпуск которых продолжили другие талантливые дизайнеры: Роберт Кларк и Питер Райнс в 1960-х гг., Ларри Врба в 1970-х и Милли Петронцио с 1980-х гг. Украшения Хаскелл отражают инновационный дизайн и очень редко копируют формы драгоценных украшений, что отчасти объясняет связи её фирмы с шоу-бизнесом (Украшения Хаскел часто дебютиро­вали на сцене и в кино. Флоренс Зигфелд покупал украшения для «Зигфелд Фолиес»; Люсиль Бол на­девала их на свои телешоу; компа­ния поставляла также украшения на Бродвей для музыкальных хи­тов, например «Призрак оперы».), частными клиентами и коллекционерами. Обескураживающие на первый взгляд украшения представленные в ведущих магазинах «Сакс Пятая Авеню» в Нью-Йорке и «Харви Николс» в Лондоне, значительно повысили престижность изделий Хаскелл. Ее мастерство оказало влияние на творчество ювелиров -эмигрантов из Европы в конце 1920-х и 1930-х гг.: их инновационные и часто сложные дизайны будут причислены к высочайшим стандартам. Успех объясняется и выбором материалов, использованных в украшениях Хаскелл. Из всех высококачественных материалов, использован­ных в украшениях Хаскелл, обращает на себя внимание жемчуг. Традиционно первоисточником прекрасного ис­кусственного жемчуга был Габлонз в Богемии (также из­вестный своим богемским стеклом). В конце 1930-х гг. Япония стала альтернативным и весьма надежным по­ставщиком, чем и воспользовалась Хаскелл после Вто­рой мировой войны. Многократное погружение в essence d’orient, растворы из целлюлозы, рыбных плав­ников и разнообразных смол придавало японскому искусственному жемчугу особый блеск и внут­реннее сияние. Жемчуг специально до­ставляли из Японии по заказу Хаскел. Производили жемчуг белого, розового, коричневого, цвета шампанского и различных оттенков серого. Так же стоит отметить стекло из Мурано, австрийские кристаллы, розовый монтанит (излюбленный материал Хаскел) а во время Второй мировой вой­ны — дерево, перья и пластик. Всегда вы­полненные вручную, часто из старинно­го позолоченного металла филигран­ной обработки, с богатой цветовой па­литрой, украшения Хаскелл существуют вне времени. Однако коллекцио­неры должны помнить, что хорошее состояние украше­ния очень важно: утерян­ные цветные австрийские камни, расколовшиеся или поврежденные искусствен­ные жемчужины трудно заме­нить, что значительно влияет на цену изделий.

МАКСИМ КИРЕЕВ участник выставки «ГРАФИКА МЕКСИКИ и ОСМЫСЛЕНИЕ СОВРЕМЕННЫМИ ХУДОЖНИКАМИ ЛАТИНОАМЕРИКАНСКОЙ КУЛЬТУРЫ»

Работа Максима Киреева "Великий Пеле" фотография 2003 г.

Работа Максима Киреева
«Великий Пеле»
фотография
2003 г.

Максим Киреев: «Встреча с детством»
Как быстро летит время. Мы живем уже в 21-м веке. А в дни нашего детства о нем упоминали лишь писатели-фантасты.
Детство.
Кажется оно было совсем недавно. Беззаботное время советской детворы, когда мы были готовы весь день гонять мяч во дворе. Футбол. Что может быть лучше на свете! И мы играли в футбол. Играли азартно, увлеченно, с горячностью, с ссадинами на коленках, воображая себя кто Гердом Мюллером, кто Йоханом Кройфом, кто Францем Беккенбауэром, стараясь подражать известным в то время европейским футболистам. Но особым уважением пользовались у нас знаменитости из далекой Латинской Америки — бразильские футболисты: Ривелино, Жаирзиньо, Гарринча, Тостао.
И конечно, Пеле. Великий Пеле. Король футбола. Это был наш кумир, с виртуозной техникой владения мячом, комбинационным мышлением, чувством партнеров по команде… и непревзойденной результативностью. Единодушно признанный лучшим футболистом всех времен. Одним словом — Король!
Из той поры вспоминаются походы с отцом на стадион «Динамо», и с упоением прочитанные книги Игоря Фесуненко «Чаша «Мараканы» о последнем путешествии богини Ники, о футбольной и околофутбольной жизни Бразилии, и Алана Фонтана «Пеле — король футбола» из серии «Звезды мирового спорта».
В то время все казалось стабильным и незыблемым. И никто не мог предположить насколько может измениться этот мир. Не мог подумать и я, что мне представится возможность, которая выпадет только раз в жизни, и я смогу увидеть великого футболиста не по телевизору, и не с киноэкрана.
Но пути Господни неисповедимы…
В сентябре 2003 года Пеле приехал в Москву. Он посетил стадион “Динамо”, где пообщался с воспитанниками местной спортивной детско-юношеской школы олимпийского резерва и сделал символический удар по мячу, открывший футбольный матч в турнире московских ДЮСШ. Затем Король футбола возложил цветы к памятнику своего друга, великого советского вратаря Льва Яшина. На этой трогательной церемонии присутствовали Валентина Яшина, вдова голкипера, ветераны-динамовцы, ряд известных бывших футболистов, а также представители российской элиты и госчиновники. На этой встрече довелось побывать и мне. Я не просто видел кумира своего детства, я стоял с ним рядом. И фотографировал, понимая, что этот единственный шанс упустить никак нельзя. Это было какое-то наваждение, сон наяву. Великий Пеле и я рядом с ним. Я радовался как мальчишка. В эти мгновения я снова ощущал свое детство, где было солнечно, тепло и радостно, где был жив отец…

Максим Киреев

Максим Киреев примет участие в экспозиции «Графика Мексики и осмысление современными художниками темы Латиноамериканской культуры» 6 ноября 2016 года в Творческой Мастерской Рябичевых. Выставку представляют: РусКультФонд, Академия Народного искусства, Музей Народной графики, Творческая Мастерская Рябичевых.

Максим Киреев Член Творческого союза художников России Член Президиума и Правления ТСХР Председатель секции Арт-фото ТСХ России

Максим Киреев
Член Творческого союза художников России
Член Президиума и Правления ТСХР
Председатель секции Арт-фото ТСХ России

Об авторе:
Максим Киреев
Член Творческого союза художников России. Член Президиума и Правления ТСХР. Председатель секции Арт-фото ТСХ России.
Окончил художественно-графический факультет Московского Государственного педагогического института им. В.И. Ленина. Учился у В.А. Дрезниной, С.И. Дудника, В.В. Токаревой.
Художник-график, занимается графическим дизайном и фотографией.
Постоянный участник более 170-ти художественных и фотовыставок с 1986 года.
Награжден: Благодарностью министра культуры Российской Федерации, серебряной медалью «Достойному» Российской академии художеств,
золотой и серебряной медалями ТСХР за вклад в отечественную культуру.
Автор и куратор выставок многих фотографических выставок. Автор и дизайнер каталогов «И помнит мир спасенный» и «Память»,
а также автор цикла фотовыставок, посвященных Дню Победы.
Работы находятся в Музее уникальных кукол (Москва), в частных коллекциях России, Великобритании, Германии, Испании и Израиле.
Живет и работает в Москве.

НАТАЛЬЯ ГИНДЕС участник выставки «ГРАФИКА МЕКСИКИ и ОСМЫСЛЕНИЕ СОВРЕМЕННЫМИ ХУДОЖНИКАМИ ЛАТИНОАМЕРИКАНСКОЙ КУЛЬТУРЫ»

Наталья Гиндес из серии "Мифы и песок"

Наталья Гиндес
из серии «Мифы и песок»

София Загряжская, куратор выставки: «Мифы и песок» — так называется, представленная на выставке, серия работ Натальи Гиндес. И уже само название относит нас ко времени, когда люди приписывали простым окружающим их вещам сверхъестественные способности. Песок художники наделили многими поэтическими образами. Но Наталья Гиндес в своих произведениях использовала песок и в буквальном смысле в качестве материала. Таким образом, с помощью песка сформировалась особенная фактурность ее картин, напоминающая стены архаичных росписей. Древние как миф истории и древний как земля материал, соединяясь в картинах Гиндес, приобретают новые философские значения.

Наталья Гиндес, художник, участник выставки: «Латинская Америка — это сплав исчезнувших цивилизаций, опутанных бородой времен, с дыханием современных технологий. Это оглушительное эхо вторжений и молчания.
Где обожженная пыль омывает лохмотья побережья;
разрезает апельсин солнца и засыпает его собой;
заметая горизонты вечности,
без глупой чопорности славит жизнь.
Это ароматные ладони цветов,
трепетно обнимающие благословенную землю.
Это Луис Кардоса и Арагон,
Хосе Марти и Карлос Кастанеда,
Пабло Неруда, Рубен Дарио и
Габриель Гарсия Маркес,
Хорхе Луис Борхес …
Это модинья, фаду и морна,
Аргентинское танго и болеро.
Магия красоты голоса и
движения босоногих королев,
грациозных и опасных, как пумы;
и, их возлюбленных соотечественников,
мужественных с ранимыми и
чувственными сердцами,
«диких коней Америки».
Где самый красивый наряд — это кожа …
Всепоглощающая страсть и бесконечный мистицизм.
Яркий, романтический шарм и глубокая,
как океан красота по-детски распахнутых душ.
Это — что-то необъяснимо родное.»

О художнике:

Наталья Гиндес

Наталья Гиндес


Наталья Гиндес. Художественный псевдоним GNG.
Имеет два высших непрофильных образования. Работала психологом.
Представитель интеллектуально-философской интеллигенции.
Победитель Международного конкурса Art Portrait Club International Festival,
с 16 по 24 января 2016 года, в ЦДХ,
в номинациях: «Графика» I место, и, «Живопись» III место.
Победитель Международного проекта «Во имя мира на Земле»
в выставке «О Росси и Москве, с 1 по 30 сентября 2016 года,
в «Культурный центр ВС России».
Активный участник многочисленных выставок, проходящих в Москве и за рубежом.
В своих картинах, основную идею, ядро, предпочитает подавать через простые и понятные символы-образы.
Основной художественный эффект достигается за счет использования нетрадиционных техник и комбинаций стилистических решений.
GNG не просто приоткрывает зрителям дверь в свой особенный мир, а распахивает эту дверь настежь,
затрагивая культурные и моральные ценности.
Картины GNG живут, говоря о психологии и причинах, которые толкают людей к разрушающим, опустошающим действиям
или наоборот, вдохновляют на взлет.
В них не столько раздетые тела, сколько голые нервы и ситуации, к которым толкают себя люди.
За экспрессивностью, провокацией, таинственностью, всегда стоят глубокие рассуждения о таких близких и основополагающих, для каждого человека,
категориях, как любовь,отношения, добро и зло. З
атрагивая их GNG переворачивает мироощущение каждой своей картиной.
GNG считает, что искусство это, инструмент для исследования и совершенствования себя и мира, в том числе — избавления его от предрассудков и зажатости.

Наталья Гиндес (фото 2)

Наталья Гиндес

ОЛЕСЯ КУЩЕНКО участник выставки «ГРАФИКА МЕКСИКИ и ОСМЫСЛЕНИЕ СОВРЕМЕННЫМИ ХУДОЖНИКАМИ ЛАТИНОАМЕРИКАНСКОЙ КУЛЬТУРЫ»

Олеся Кущенко  «Сипактли»  66х76 картон, дерево, акрил 2016 г.

Олеся Кущенко
«Сипактли»
66х76
картон, дерево, акрил
2016 г.

Картина является одной из иллюстраций к древнему мифу ацтеков о Сотворении мира. Сипактли дитя четырех проявлений одного бога Тескатлипока. Внешне он напоминает змея-дракона. Вселенная и все другие миры находятся внутри космического змея. По преданию из его тела был сформирован человеческий мир, который делится на четыре больших сектора: север, юг, запад и восток. А земной шар окружен небесными водами.

«На Западе, находится дом солнца. Это направление Белого Тескатлипоки (Кецалькоатль) хранителя мудрости и всего, что связано с маисом. Это страна опыта, мудрости, старости, света, плодородия и жизни. Противоположное направление восходящего солнца – Восток, земля Красного Тескатлипоки (Шипе-Тотек) — территория весны и возрождения. На востоке времена года все время меняются, листья деревьев постоянно опадают, а их почки все время дают новые побеги. Слева от заходящего солнца находится Север — земля Синего Тескатлипоки, Съеденного Бога, или же Тонатиу – Солнце. Его называют Съеденным Богом, потому что день за днем солнце нисходит в Подземный мир, мир теней и тьмы, а в это время миром правят луна и звезды. Сражаясь с Ночью, Тонатиу слабеет и теряет силы. Но кровь живых существ, пролитая в благородном порыве, помогает солнцу окрепнуть и победить Ночь. Каждое утро оно восстает из Поземного мира и в этот момент оно становится Орлом из Огненных Стрел – символ победы над коварной Ночью. Страна на краю мира, слева от заходящего солнца, связана с синим цветом, потому что солнце — Тонатиу движется по голубому небосводу.Страна справа от заходящего солнца – Юг – священная обитель Черного Тескатлипоки, Повелителя Ночного Неба. Там правит бог Миктлантекутли. Это злой холодный бесплотный бог Страны Мертвых. Считается, что когда человек умирает, он попадает туда».

На картине символично с помощью природных и растительных образов, цветовой гаммы и света обозначены четыре направления мира внутри чудовища. Так же изображены космические тела, особое место отведено Венере, глубоко почитаемой ацтеками, небесные воды, двойственность всего сущего в виде огня и воды. В хвосте Сипактли расположены нижние миры, через которые душам усопших необходимо пройти, чтобы попасть в рай/ад.

Для художника эта картина в первую очередь яркое воплощение человеческой жизни, его гармонии с истоками, природой, высшими силами и самим собой.

Олеся Кущенко примет участие в экспозиции «Графика Мексики и осмысление современными художниками темы Латиноамериканской культуры» 6 ноября 2016 года в Творческой Мастерской Рябичевых. Выставку представляют: РусКультФонд, Академия Народного искусства, Музей Народной графики, Творческая Мастерская Рябичевых.

МУХАДИН КИШЕВ участник выставки «ГРАФИКА МЕКСИКИ и ОСМЫСЛЕНИЕ СОВРЕМЕННЫМИ ХУДОЖНИКАМИ ЛАТИНОАМЕРИКАНСКОЙ КУЛЬТУРЫ»

Мухадин Кишев "Три Грации" Из серии "Моя Андалузия" 2012 г.  холст, масло  120х92

Мухадин Кишев
«Три Грации»
Из серии «Моя Андалузия»
2012 г.
холст, масло
120х92


Мухадин Исмаилович Кишев примет участие в экспозиции «Графика Мексики и осмысление современными художниками темы Латиноамериканской культуры» 6 ноября 2016 года в Творческой Мастерской Рябичевых. Выставку представляют: РусКультФонд, Академия Народного искусства, Музей Народной графики, Творческая Мастерская Рябичевых.

Также художник Мухадин Кишев является одним из участников масштабной Международной выставки «Осознание Сотворчества» — авторской идеи художника Маргариты Юрковой, отражающей темы единства мировых культур.

Мухадин Исмаилович Кишев – Заслуженный художник Российской Федерации, действительный член Российской Академии художеств, Народный художник Кабардино-Балкарии

Мухадин Кишев (родился в 1939 г.) – выдающийся российско-испанский художник, признанный в России и Европе мастер геометрической и экспрессивной абстракции.

Его творчество поражает как образно-тематическим разнообразием, так и диапазоном художественных техник. Мухадин Кишев сказал свое слово в монументально-декоративном искусстве. Его мозаики и интарсии удостоены высоких наград. В то же время он является создателем собственной техники в искусстве монотипии, которая имеет целый ряд последователей во многих странах мира. Поиски Кишева в абстрактном искусстве эстетически и пластически перекликаются с экспериментами мастеров «второй парижской школы» и оп-артом. Однако, несмотря на невольно возникающие параллели, открывающие увлекательный диалог с художниками предшествующих поколений, работы Кишева всегда сохраняют яркую индивидуальность. Их отличает и узнаваемый «кишевский колорит», и повышенное внимание к фактуре красочной поверхности, и стремление к симфоническому единству многочисленных самодостаточных элементов в составе композиции, чем достигается исключительная декоративная сила живописных и графических произведений мастера.

Мухадин Кишев награжден многочисленными грамотами и орденами КБР, России и других стран. Он является обладателем шести золотых медалей европейских художественных академий за вклад в мировое искусство.

Художник провел 47 персональных выставок по всему миру. Участвовал в более чем 80 крупных групповых экспозициях в России и за рубежом. Библиография Мухадина Кишева насчитывает более сотни наименований. Среди книг, каталогов, статей выделяется юбилейный альбом, выпущенный к 70-летию художника «Гимн Красоте» и к его 75-летию научная монографии искусствоведа, кандидата философских наук Сергея Ступина «Мухадин Кишев. Искусство любви».

Произведении Мухадина Кишева хранятся в Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, в культурных центрах Англии и Испании и многих региональных музеях России (КБР, Краснодар, Тобольск и др.) Обладателями более чем 300 работ Кишева являются коллекционеры по всему миру. Среди них королевская семья Испании, Зураб Церетели, Максим Вознесенский, фонд «Kolodzei Art Foundation» (Нью-Йорк).

Мухадин Кишев живет и работает в Испании (Кадис). www.muhadinkishev.com

Мухадин Кишев "Солнце" 2011 г.  картон, масло 81х66

Мухадин Кишев
«Солнце»
2011 г.
картон, масло
81х66

MUHADIN KISHEV

Muhadin Kishev is artist emeritus of the Russian Federation, of the Republic of Kabardino-Balkaria, full member of the Russian Academy of Arts and academic of the European Academy of Arts.

During his career of more than 50 years he has taken part in over 80 group exhibitions and 47 solo exhibitions, receiving many prestigious honours and awards.

Kishev’s life and art constitute a fusion of East and West, and Spain has had a marked impact in his work as he lives and works in his Studio in Cadiz.

To see the world through the eyes of Kishev is to see the beauty of our surroundings. Inspired in reality and recreating it in his imagination, he produces a work of art that is also beauty. Colour is the protagonist of Kishev ́s art: strong, powerful and at times unexpected, with a never-ending abundance of subtleties, combinations and contrasts.

Muhadin Kishev was born in 1939 in Kabardino-Balkaria and after graduating in Fine Arts he started his career in the Union of Artists, working in the Monumental Arts, which gave him greater freedom of expression, completing projects and state assignments in murals, mosaics, bas-relief and inlaid wood.

During “Perestroika” Kishev was chosen to be mentor to a group of promising young talented artists. After travelling in Europe, Africa and India, he spent four years in London as guest artist at the Chisenhale Studios. This London period marked a radical change in his creative work.

Kishev’s paintings are in the Museum of Modern Art in Moscow, the Tretyakov Gallery, the Museum of Fine Art of Kabardino-Balkaria and in Foundations and Cultural centres of Russia, Spain and the United Kingdom. Over 300 of his pictures are in Private Collections around the world, including the Gorbachev Foundation, the Spanish Royal Family and the Kolodzei Collection of Russian Art in New York.

www.muhadinkishev.com

Мухадин Кишев "Храбрый бык" Из серии "Коррида" холст, масло  100х80

Мухадин Кишев
«Храбрый бык»
Из серии «Коррида»
холст, масло
100х80

Мухадин Кишев "Сказочный туннель" 2012 г.  холст, масло  77х90

Мухадин Кишев
«Сказочный туннель»
2012 г.
холст, масло
77х90

Мухадин Кишев "Торнадо" Из серии "Танец Солнца" 2014 г.  холст, масло  Д 100

Мухадин Кишев
«Торнадо»
Из серии «Танец Солнца»
2014 г.
холст, масло
Д 100