Архивы рубрики ‘Записки о художниках’

Художники ЮРИЙ КОПЕЙКО (1933-2010 гг..) и ГАЛИНА МАКАВЕЕВА. Выставка графики в ВЗ РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ. Адрес: ПРЕЧИСТЕНКА, 21

Галина Макавеева
Юрий Копейко (1933-2010)
Графика

23 декабря 2014 – 11 января 2015 год

23 декабря 2014 года в 16 часов в Российской академии художеств по адресу: ул. Пречистенка, 21 открывается выставка произведений заслуженного художника РФ, члена-корреспондента Российской академии художеств Галины Макавеевой и народного художника РФ, действительного члена Российской академии художеств Юрия Копейко (1933-2010).
Выставка знакомит с творчеством известных российских художников, которые на протяжении многих лет были связаны общими семейными и духовными интересами. Но в творчестве каждый из них шел своей дорогой. В состав экспозиции вошли графические произведения — пейзажи России, Монголии, Греции, Иерусалима, Китая, Парижа и Амстердама, портреты и натюрморты, а также книжная графика.
Г.А.Макавеева – художник со своей манерой письма, своим видением окружающей действительности. Ее пейзажи и натюрморты точно и достоверно передают неповторимое состояние природы, всё многообразие форм реальной жизни. И в то же время они несут в себе отзвук чувств и размышлений автора.
В 1959 году Г.Макавеева окончила Московский полиграфический институт, где училась у известных мастеров: А.Гончарова, И.Чекмазова, П.Захарова. В течение многих лет работала как художник детской книги, создав изящные, веселые и мудрые иллюстрации к произведениям А.Барто, В.Берестова, Ю.Коваля, И.Токмаковой и многих других замечательных писателей. Было издано более 70 книг с ее иллюстрациями. В 1969-1979 годах — главный художник детского журнала «Мурзилка». Участвовала в международных выставках книжного искусства в Болонье, Барселоне, Братиславе, Страсбурге. В эти же годы начала заниматься станковой графикой и живописью
и способность мыслить конструктивно, и мастерство колориста. В них представлено всё богатство цветовой гаммы – от тихого мерцания изысканных нежных тонов до яркой декоративности. Контрасты света и тени, легкая, свободная «игра света» пронизывают пространство многих картин художницы («Весна», «Старые корабли. Крым», «О.Эгина. Вечер», «Деревня Сулость», цикл, посвященный Иерусалиму). В последнее время любимыми мотивами ее работ стали «окна» и букеты цветов. Пейзаж, увиденный через открытое окно, будь то великолепная природа Алтая или опустевшая усадьба, одновременно эмоционален и эпичен. В нем есть и живое впечатление, и высокая степень художественного обобщения.
Г.Макавеева обращается к разным графическим техникам, изобретательно и точно используя возможности каждой из них. В легких, прозрачных акварелях много воздуха и света, солнечные блики скользят по крышам домов, деревьям, преображая окружающий мир. Предельно выразительны плотные, насыщенные цветом пастели («Дорога к Храмовой горе. Иерусалим», «Старый Гурзуф», «Крыши Парижа»).
Как заметил известный художник-график Май Митурич, «станковые листы, живопись художницы свидетельствуют о суровой самодисциплине, обнаруживают связь с московской традицией, восходящей к пластическим откровениям авангарда начала века».

Ю.В.Копейко был одним из ведущих мастеров современного графического искусства. На рубеже 1980-х – 1990-х годов целиком посвящает себя живописи, в которой раскрылся его мощный природный дар колориста. Свободный от каких-либо заметных влияний, художник создал свой стиль, где строгая документальность сочеталась с фантазией, мечтой, «мужественным лиризмом».
Художник родился в 1933 года в г. Свердловске. В 1959 году окончил Московский полиграфический институт, графическое отделение, где учился у А.Гончарова, П.Захарова, Г.Горошенко. Оформил и проиллюстрировал более ста книг, вышедших в крупнейших издательствах страны. Художника увлекала литература, связанная с извечным стремлением человечества ко всему новому, необычному, что движет научно-техническим прогрессом. Его произведения пронизаны духом «реальной романтики». В течение многих лет его творческая судьба была связана с космической темой, он неоднократно бывал на Байконуре, где видел запуски ракет, поэтому такой достоверностью и искренностью отличаются его работы. Художник оформил книги о Ю.Гагарине, Г.Титове, А.Николаеве и других космонавтах, создал цикл из 26 живописных полотен, в которых ярко и убедительно предстает история космонавтики в нашей стране. Ю.В.Копейко был удостоен звания действительного члена Российской академии космонавтики им. К.Э.Циолковского.
Особый интерес вызывают работы Ю.Копейко, возникшие в результате многочисленных творческих поездок по России и миру. Они не имеет ничего общего с «туристическими впечатлениями». Каждая из картин — это живописная или графическая новелла, наполненная размышлениями об истории, культуре, обычаях той или иной страны. Природа средней полосы России – один из любимых мотивов в творчестве художника. Художник по-своему видел и осмысливал самые простые, будничные сюжеты, придавая им лирическое и философское звучание. В пейзажах мастера – все оттенки годового цикла — ослепительно зеленое лето, осеннее увядание, тихая зима – в них всегда ощущается присутствие человека, непрестанное движение жизненных сил.
В 2003 году живописные циклы «Круговорот» и «По святым местам» были отмечены золотой медалью Российской академии художеств.
На выставке будут представлены одни из лучших работ Ю.Копейко в книжной графике – иллюстрации к книгам А.Куприна «Белый пудель» и «Выстрел» и повестям Ч.Айтматова «Пегий пес, бегущий краем моря» и «Белый пароход» и другие.
Искусствовед М.Чегодаева писала: «…Ему не довелось до конца осуществить свои замыслы, но он успел сделать очень многое. Ушел, как уходят космонавты, погиб мгновенно, как погибают люди, связанные с техникой, с машинами. И навсегда соединился со своим необъятным, непостижимым Небом».

Аккредитация. Конт. тел.: 637-47-71, 637-25-69 E-mail: rah1757@yandex.ru
Управление информации Российской академии художеств

Художник  Галина Макеева

Художник
Галина Макеева

Художник  Галина Макеева

Художник
Галина Макеева

Художник  Галина Макеева

Художник
Галина Макеева

Художник  Юрий Копейко

Художник
Юрий Копейко

Художник  Юрий Копейко

Художник
Юрий Копейко

Художник ЗИНАИДА СЕРЕБРЯКОВА (12 декабря 1884 — 19 сентября 1967)

Зинаида Серебрякова (12 декабря 1884, имение Нескучное, Белгородский уезд, Курская губерния, ныне Харьковская область, Украина — 19 сентября 1967, Париж, Франция) — русская художница, участница объединения «Мир Искусства», одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи.

Художник  Зинаида Серебрякова Автопортрет  («За туалетом») 1909 г.

Художник
Зинаида Серебрякова
Автопортрет
(«За туалетом») 1909 г.

Родилась в 1884 году, в семье известного скульптора, мать происхождением из знаменитой династии Бенуа. После гибели отца впоследствии семья проживала в Санкт-Петербурге у Николая Леонтьевича Бенуа или в имении Нескучном. В семье всегда много говорили об искусстве и намерение Зиночки стать художником, естественно, никого не удивило.

Обучалась рисованию Зинаида очень мало. В 17 лет она брала уроки у Ильи Репина, а затем у Осипа Эммануиловича Браза, а затем в течение двух лет путешествовала по Италии, изучала картины великих живописцев эпохи Возрождения, любовалась прекрасными творениями известных итальянских зодчих, восхищалась великолепными пейзажами. Все это конечно очень повлияло на творчество будущего художника.

Вернувшись на родину, девушка вышла замуж за своего кузена Бориса Серебрякова.

Еще в молодости художница всегда выражала в своих этюдах любовь к России. Ее картина «Сад в цвету» и некоторые другие ясно говорят об очаровании российских бескрайних просторов, луговых цветов, полей…

Картины, которые появились в экспозициях выставок 1909 – 1910 гг., выражают своеобразный и неповторимый стиль. Наибольший восторг у зрителей вызвал автопортрет «За туалетом». Женщина, живущая в небольшой деревушке, в один из коротких зимних вечеров, смотрясь в зеркало, улыбается своему отражению, словно играя с гребнем. В этом произведении молодой художницы, как и она сама, все дышит свежестью. Нет никакого модернизма; уголок комнаты, словно освещенный молодостью, предстает перед зрителем во всей своей прелести и радости.

Наибольший пик творчества художницы приходится на предреволюционные годы. Это картины о крестьянах и прекрасных российских пейзажах а также и бытовые жанры например, картина За завтраком, балерины в уборной, Одним из значительных произведений в эти годы является картина «Беление холста», написанная в 1916 г, где Серебрякова выступает как художник-монументалист. Фигуры деревенских женщин на лугу возле речки выглядят величественно, из-за изображения низкого горизонта. Ранним утром они расстилают только что сотканные холсты и оставляют их на день под яркими лучами солнышка.

Композиция строится в красных, зеленых и коричневых тонах, что и придает небольшому холсту свойства монументально-декоративного полотна. Это своего рода гимн тяжелому труду крестьян. Фигуры выполнены в разных цветовых и ритмических ключах, что создает единую пластическую мелодию, замкнутую внутри композиции. Все это единый величественный аккорд, который прославляет красоту и силу русской женщины. Крестьянки изображены на берегу небольшой речки, от которой ввысь вздымается предутренний туман. Красноватые лучи солнышка придают особое очарование женским лицам. «Беление холста» напоминает древние фрески. Художница трактует эту работу как ритуальное действо, показывая красоту людей и мира, при помощи живописного и линейного ритма картины. К сожалению, это последняя большая работа Зинаиды Серебряковой.

В этом же году Бенуа заказывают украсить росписью Казанский вокзал и он приглашает для работы свою племянницу. Художница решает по-своему создать восточную тему. Представить Индию, Японию, Турцию и Сиам как красивых женщин Востока.

В самом расцвете творчества художницу постигает огромное горе. Заболев тифом, за короткое время от этой страшной болезни сгорает муж, и на руках Серебряковой остаются мать и четверо детей. В 1920 г. всей семьей они перебираются в Петроград. Дочь Таня поступает в балет и Серебрякова несколько лет развивает театральную тему, изображая балерин. Но работа не приносит истинного удовлетворения. Семья испытывает острую нужду буквально во всем. Запасы, что были в имении полностью разграблены. Нет красок, и художница пишет углем и карандашом свой «Карточный Домик», в котором изображает своих детей. Серебрякова отвечает категорическим отказом освоить стиль футуризма и находит работу в археологическом музее Харькова, делая карандашом эскизы экспонатов.

Любители искусства почти даром, за еду или старые вещи приобретают ее картины. В связи с тяжелым финансовым положением Зинаида Евгеньевна в 1924 г. уезжает в Париж, куда она была приглашена для работы над декоративной росписью. Закончив работу, она собирается возвратиться, но по некоторым объективным обстоятельствам останется в Париже навсегда.

Серебрякова путешествует по африканским странам. Экзотические пейзажи удивляют ее, она пишет Атласские горы, портреты женщин-африканок, создает цикл этюдов о рыбаках Бретани.

С 1947 года Серебрякова становится гражданкой Франции. Долгие сорок с лишним лет за границей, вдали от России, не приносят ей творческого удовлетворения; она часто испытывает тоску по родным местам. Даже ее зарисовки безмолвно говорят о том, что Серебрякова осталась верна теме русского народа и реализму. Художница и во время своих многочисленных путешествий писала картины, главными героями которых были крестьяне, рыбаки, люди из народа.

В 1966 году в столице СССР в Москве и некоторых крупных городах были открыты выставки работ Серебряковой, многие из картин приобретены российскими музеями.

Прекрасная русская художница Зинаида Серебрякова скончалась не на родине, в Париже в 1967 г. в преклонном возрасте 82 лет.

Занаида Серебрякова

Зинаида Серебрякова..

Художник МЮД МЕЧЕВ. Выставка «Я ВСПОМИНАЮ». Живопись, графика. 23 декабря — 11 января 2015 г.

Мюд Мечев.

23 декабря 2014 года в 17 часов в залах Российской академии художеств по адресу: ул. Пречистенка, 21 открывается юбилейная выставка произведений народного художника РФ, академика Российской академии художеств Мюда Мечева «Я вспоминаю».
Имя Мечева, автора замечательных станковых графических листов, блестящего иллюстратора карело-финского эпоса «Калевала», знаменитого памятника древнерусской литературы «Повести временных лет», а также текстов «Евангелия», широко известно в нашей стране и далеко за ее пределами.
Выставка «Я вспоминаю», в состав которой вошло около 50 живописных и графических произведений, созданных в последние годы и экспонируемых впервые, камерна и лирична. Автору, прошедшему большой жизненный путь, хочется поделиться со зрителем тем, что сохранила его память. Многочисленные поездки по России, путешествия по европейским странам нашли свое отражение в великолепных живописных и графических работах художника.
М.Мечев родился в 1929 году в Москве в семье художника К.Пантелеева-Киреева. Окончил Московское высшее художественно-промышленное училище (б.Строгановское). Началом творческого пути художника стало участие в 1949 году во Всесоюзном конкурсе на лучшие иллюстрации к карело-финскому эпосу «Калевала», он создал более 200 акварелей и рисунков. Вышедшая в свет книга с работами молодого автора принесла ему заслуженный успех, а последующие издания эпоса на русском и финском языках с гравюрами художника — мировую известность. В 2009 году Мюду Мечеву присвоено звание почетного гражданина Республики Карелия.
Начиная с 1975 года, художник 15 лет своей творческой деятельности посвятил иллюстрированию «Повести временных лет». С 1991 года на протяжении последних десятилетий М.Мечев работал над иллюстрированием четырех книг Евангелия, создав более 300 рисунков, считая эту тему самой важной в своем творчестве. Этот выдающийся подвижнический труд художника был отмечен золотой медалью Российской академии художеств. В дальнейшем он создал иллюстрации к Деяниям Апостолов, Апостольским посланиям и Апокалипсису.
В 1993 году Его Святейшество Папа Иоанн-Павел II наградил Мюда Мечева серебряной медалью Понтификата за гуманизм и достижения в искусстве.
В своем станковом творчестве М.Мечев обращается к широкому кругу тем – от монументальных исторических серий, библейских сюжетов до полных глубокого лиризма произведений, посвященных Русскому Северу. Главным в творчестве художника является родная земля, героические страницы далёкого прошлого России. Природа в станковых сериях, созданных в Карелии, предстает во все многообразии и величии ее суровой красоты. Отмеченные живым чувством природы и непосредственностью поэтического восприятия мира, работы мастера разнообразны по композиции и колориту. Нередко даже самые камерные пейзажи: «Снег. Заонежье», «Санная дорога в Кижах», «Последняя пристань на Бараньем Берегу», «Дорога в Карелию. Вид из окна вагона», «Старая ворона» — обретают у художника эпическое звучание. Обостренным чувством прекрасного, тонким, изысканным колоритом отмечены его работы: «Зимнее окно с заходящим солнцем», «Отражение осеннего леса», «Осенняя паутина», «Наступление зимы» и др.
Художник необычайно тонко и поэтично передает световоздушную среду в пейзажах, посвященных городам Италии («Синий вечер во Флоренции. Автопортрет с женой», «В Венеции выпал снег!»), серые небеса и серебристо-холодноватую туманность Санкт-Петербурга («Биржа»), величественную красоту и гармонию древнерусской архитектуры («Купола Новоспасского монастыря», «Кижи. Вид на остров с теплохода»).
Пронзительным лиризмом проникнуты его натюрморты – «Чайники моего детства», «Керосинки моих бабушек», «Свет вечерний», «Десятилинейная керосиновая лампа»» и др. Их герои — старинные предметы, осязаемо объемные, мощные, возникающие словно памятники истории, несущие в себе отсвет прошедших времен. Теплый оранжевый свет старинной керосиновой лампы, хранимой как семейная реликвия, или абажура над столом – любимый художником мотив – вот уже много лет согревает ценителей его творчества.
В станковых работах, также как и в исторических гравюрах, книжных иллюстрациях М.Мечев выступает как продолжатель лучших традиций отечественного искусства, демонстрируя мастерское владение различными графическими техниками: акварелью, гуашью, пастелью, смешанной техникой, карандашом, углем и др.
М.Мечев является почетным иностранным членом общества «Калевала» (Финляндия), кавалером ордена Белой Розы первой степени (Финляндия), был награжден Правительством Финляндии большой серебряной медалью и бронзовой медалью Элиаса Леннрота.
Работы мастера находятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Музее изобразительных искусств Республики Карелия, во многих российских и зарубежных музеях, а также в частных коллекциях США, Ватикана, Финляндии и других стран.

Аккредитация. Контакты: тел.(495) 637-4771, 637-2569, e-mail: rah1757@yandex.ru
записки о художниках АРТ-РЕЛИЗ.РФ, Мюд Мечев...

записки о художниках АРТ-РЕЛИЗ.РФ, Мюд Мечев....

записки о художниках АРТ-РЕЛИЗ.РФ, Мюд Мечев,.

записки о художниках АРТ-РЕЛИЗ.РФ, Мюд Мечев,

записки о художниках АРТ-РЕЛИЗ.РФ, Мюд Мечев

Художник СЕРГЕЙ СМИРНОВ. Выставка в галерее ТОВАРИЩЕСТВА ЖИВОПИСЦЕВ МОСКОВСКОГО СОЮЗА ХУДОЖНИКОВ. Адрес: 1-ая ТВЕРСКАЯ-ЯМСКАЯ, 20 Фоторепортаж ИГОРЯ ДРЕМИНА

Художник Сергей Смирнов на фоне своей картины фото: Игорь Дрёмин

Художник
Сергей Смирнов
на фоне своей картины
фото: Игорь Дрёмин

В выставочном зале на 1-й Тверской-Ямской, 20, галерея Товарищества живописцев Московского союза художников открылась персональная выставка заслуженного художника России, профессора МГАХИ им В.И. Сурикова, Сергея Смирнова.
На выставке показаны исторические и бытовые сюжетные картины, пейзажи, натюрморты, портреты.
За плечами живописца — диплом Суриковского института по мастерской Д.К. Мочальского, Академические мастерские под руководством академиков А.П. и С.П. Ткачевых и академика А.М. Грицая, четыре десятка лет активной выставочной деятельности, круг учеников — как начинающих, так и уже признанных авторов, общественная работа в правлении Московского союза художников.
Сергей Смирнов – известный и любимый зрителем московский автор, эстет и романтик в живописи, художник с эталонным чувством меры и тонкого вкуса. Автор искусен в отборе формы, его пластическому языку присущие тонкие цветовые и тональные отношения, академический подход к композиции и виртуозная пластика отличного рисовальщика.

В своих сюжетных картинах мастер ищет и воплощает в материале архетипические образы русского мира: мужчины – труженика; женщины – хранительницы очага, матери, подруги, сестры; Москвы – столицы нашей великой державы. «Родная земля, особенно душа её души – древняя Москва, светло открывается в творчестве влюблённого в неё русского художника. Живописец остаётся верен высоким духовным традициям русского искусства, в особенности его православному по своему духу московскому направлению» — написала о нем Г.П. Чинякова, заведующая отделом редких книг Государственной Третьяковской Галереи.
Картины цикла «Москва праздничная» Смирнова исполнены легкой грусти, ностальгии по ушедшей эпохе, но в них нет непроходимого барьера времени, «пыльного историзма». Кажется, достаточно сделать шаг, слегка отодвинуть тонкую временную завесу – и, вдохнув аромат горячих пирожков, сольёшься с праздничной московской толпой.
Произведения Сергея Смирнова полны воздуха и света, они дышат, приглашая пройтись заснеженными московскими улочками, окунуться в уютный мир провинции, созерцать предметы в натюрмортах, разглядывать родные лица на портретах.
Прочтение творчества Сергея Ивановича даётся легким сердцем и оставляет в душе радость от погружения в светлый мир его картин.

Записки о художниках Арт-Релиз.РФ, Сергей Смирнов

Записки о художниках Арт-Релиз.РФ, Сергей Смирнов .

Записки о художниках Арт-Релиз.РФ, Художник Сергей Смирнов

Художник  Сергей Смирнов Автопортрет фото: Игорь Дрёмин

Художник
Сергей Смирнов
Автопортрет
фото: Игорь Дрёмин

Открытие выставки Сергея Смирнова в галерее  Товарищества живописцев фото: Игорь Дремин

Открытие выставки
Сергея Смирнова
в галерее
Товарищества живописцев
фото: Игорь Дремин

Открытие выставки Сергея Смирнова в галерее  Товарищества живописцев фото: Игорь Дремин

Открытие выставки
Сергея Смирнова
в галерее
Товарищества живописцев
фото: Игорь Дремин

Открытие выставки Сергея Смирнова в галерее  Товарищества живописцев фото: Игорь Дремин

Открытие выставки
Сергея Смирнова
в галерее
Товарищества живописцев
фото: Игорь Дремин

Открытие выставки Сергея Смирнова в галерее  Товарищества живописцев фото: Игорь Дремин

Открытие выставки
Сергея Смирнова
в галерее
Товарищества живописцев
фото: Игорь Дремин

Художник  Елена Горина Открытие выставки Сергея Смирнова в галерее  Товарищества живописцев фото: Игорь Дремин

Художник
Елена Горина
Открытие выставки
Сергея Смирнова
в галерее
Товарищества живописцев
фото: Игорь Дремин

Выставка Сергея Смирнова в галерее  Товарищества живописцев фото: Игорь Дремин

Выставка
Сергея Смирнова
в галерее
Товарищества живописцев
фото: Игорь Дремин

Открытие выставки Сергея Смирнова в галерее  Товарищества живописцев фото: Игорь Дремин

Открытие выставки
Сергея Смирнова
в галерее
Товарищества живописцев
фото: Игорь Дремин

АЛЕКСАНДРА ЗАГРЯЖСКАЯ. Серия цифровых рисунков «САКРАЛЬНАЯ ГЕОМЕТРИЯ». АВТОРСКИЕ ПРИНТЫ. sasha.vkt@mail.ru 8 926 524 12 47

Александра Загряжская Мандала Серия  "Сакральная геометрия" смешанная техника 2014 г.

Александра Загряжская
Мандала
Серия
«Сакральная геометрия»
смешанная техника
2014 г.

Мандала — геометрический символ сложной структуры, один из основных сакральных символов. Элемент ее построения — круг. По форме совпадает с колесом мира, цветком лотоса, розы, мифическим Золотым цветком. В традиции Востока Мандалы — в основном, средство концентрации разума, средство преодоления привычных границ, средство расширения сознания.

Александра Загряжская мандала Арт-Релиз.РФ

Известны рукотворные мандалы в разных концах света. В Мексике, например, мандалу называют — «Глаз Бога», или «Власть видеть сокрытое, сакральное». Мандала выражала мистические, отличающееся от обыденных вещей, понятия и явления.
Как основной сакральный символ с древних времен существует и индийская мандала, пришедшая из буддизма.
Мандалы были также символами народов Двуречья, Египта, Персии, Китая, Тибета.
Кельтский крест это тоже мандала, он появился намного столетий раньше, чем возникло христианство. В кельтском кресте-мандале круг (женская энергия) соединяется с крестом (мужская энергия). В центре — узел как знак вечности и верности.
Также квадратную форму имела мандала у древних славян.

Александра Загряжская Мандала Мексика фрагмент Арт-Релиз.РФ

Александра Загряжская Мандала Мексика Арт-Релиз.РФ

Также мандала не только является символом сакрального, но и выступает как инструмент созерцания и концентрации, средство достижения особого психического состояния. Геометрия мандалы содержит символику упорядочивания определенного пространства и элементов, в большинстве своем являющихся уравновешенными и концентрическими геометрическими фигурами. Таким образов, мандалы – это священная геометрия, олицетворяющая Божественный порядок и структуру.

Александра Загряжская "Рыба-Кит" серия  "Сакральная геометрия" смешанная техника 2014 г.

Александра Загряжская
«Рыба-Кит»
серия
«Сакральная геометрия»
смешанная техника
2014 г.

Александра Загряжская "Африка" серия  "Сакральная геометрия" смешанная техника 2014 г.

Александра Загряжская
«Африка»
серия
«Сакральная геометрия»
смешанная техника
2014 г.

Сакаральная геометрия, Александра Загряжская Арт-Релиз.РФ..

Симметрия — одно из свойств построения мандалы. Как гармоничное соотношение пропорций, в нашем сознании симметрия связана с понятием гармонии. И это выражается и в иконописи, и в живописи, и в архитектуре. Например, в архитектуре древнего Египта симметрия была главной особенностью, и даже нарочитое нарушение пропорций служило только одной цели — чтобы в определенных ракурсах, с точек обозрения, строения казались подчиненными строгой симметрии. Но симметрия очевидна не только в изобразительном искусстве, она присутствует во всем, что известно человеку в мире природы и наук — в биологии, химии, физике, математике, поэзии, музыке, философии.

Египет Александра Загряжская Арт-Релиз.РФ

Египет. Александра Загряжская

Поскольку составляющими мандалы являются геометрические фигуры, подчиненные принципам симметричного и строго центрированного изображения, считается, что мандалы гармонизируют физический, ментальный и эмоциональный уровни, при созерцании их происходит гармонизация связи левого и правого полушария мозга. Так дается возможность научиться думать сердцем и следовать интуиции.

Вселенная Александра Загряжская Арт-Релиз.РФ

Вселенная номер 2 Арт-Релиз (1) Александра Загряжская

Вселенная квадрат номер 9 (1) Александра Загряжская Арт-Релиз.Рф

С самого начала зарождения цивилизации люди пребывали в поиске всеобщего языка общения с Богом. Эти поиски привели к нахождению определенных символов и образов, которые, по сути, отражают внешнюю реальность. Набор символов представляет собой геометрический образец, с помощью которого можно описать мир. Геометрические символы используются в мифологии, религиозной сфере, с определенными знаками связаны предания народов мира.

орнамент Александра Загряжская. Арт-Релиз.РФ

Олени в сказочном лесу. фрагмент 13 ткань для печати Александра Загряжская Арт-Релиз.РФ

орнамент Александра Загряжская Арт-Релиз.РФ

Александра Загряжская орнамент Арт-Релиз.РФ

Считается, что вертикальная ось указывает на связь и единство с небом, горизонтальная ось — связь с жизненной силой. Символы сакральной геометрии описывают структуру Космоса в его вертикальном и горизонтальном аспектах. Сложные орнаменты представляют собой не только красивые сложные сочетания линий и форм, но и призваны нести более значительную информацию, чем просто красивый узор. Во многих древних культурах геометрическая симметрия символизировала такие понятия как вера, справедливость, истина.

Александра Загряжская День и ночь орнамент

Александра Загряжская
День и ночь
орнамент

Знание символики геометрических фигур приближает к знанию о природе вещей. Считается, что геометрические формы символизируют все известные явления и их цикличность. Геометрия аллегорична, являет собой знаки-символы и представляет своеобразные формулы устройства мира и человека.

Александра Загряжская Серия  "Сакральная геометрия" смешанная техника 2014 г.

Александра Загряжская
Серия
«Сакральная геометрия»
смешанная техника
2014 г.

Сакральная геометрия так или иначе присутствовала во все времена и во всех мировых религиях. Именно геометрия способна очевидно выразить стройный порядок во всем сущем в мире природы, в мире вещей и в мире идей, космический порядок, противостоящий хаосу.

Александра Загряжская. Священная геометрия. Рисунок 6. Волна. Авторский принт.

МАКСИМ КИРЕЕВ. КОНСТАНТИН МАРКОВ. Выставка «ЛОНДОН». Двойной взгляд на город. 8 декабря. Адрес: ЛАВРУШЕНСКИЙ пер., д. 15

Афиша Максим Киреев

Совместная фотовыставка «LONDON. Dual view of the Town» (ЛОНДОН. Двойной взгляд на город) двух известных московских фотохудожников Максима Киреева и Константина Маркова приурочена к Перекрестному году культуры Великобритании и России, объявленному Британским Советом и Министерством иностранных дел Российской Федерации.
И то, что они посвятили ее Лондону вполне естественно. Ведь это один из крупнейших и интереснейших городов Европы. Уже один взгляд на карту Лондона дает понять, насколько город громаден и разнообразен. Великая притягательная сила Лондона не в грандиозной репрезентативности его строений или сенсационности новой архитектуры, а в пестром конгломерате людей со всех континентов, исповедующих разные религии и говорящих на разных языках, – конгломерате, включающем, разумеется, и «подлинных» лондонцев, и старые британские традиции. Включивший в себя понемногу из всех мировых культур, он по сей день остается примером настоящей Британии — имперским городом, который гордится своей королевой, своим происхождением и историей.
Он интересен, прежде всего, тем, что ему невозможно дать краткую характеристику, как невозможно точно сказать, сколько лет Лондону. Разнообразный, волнующий, бескрайний и неповторимый.
Кому-то запомнятся магазины шумной Оксфорд-стрит, двухэтажные автобусы, вечно цветущие королевские парки, небоскребы Сити, викторианские особнячки Кенсингтона, величественный Букингемский дворец, Вестминстерское аббатство и всемирно известный Биг Бен, от которых захватывает дух.
А кому-то – мюзиклы Вест-Энда, веселящиеся набережные Southwark, гигантское колесо обозрения, уличные музыканты на Picadilly и Carnaby, дух Битлз повсюду.
У кого-то навсегда останутся в памяти знаменитый Тауэрский мост, Гринвич и «Катти Сарк», многоликий Кэмден Таун, музей Мадам Тюссо и квартира Шерлока Холмса, старейшее на планете метро, удивительную реку Темзу, столетние пабы, где в былые годы выпивали пираты и контрабандисты, а также Шекспир, Карл Маркс, Зигмунд Фрейд и Томас Эллиот…
То, чем впечатляет и удивляет Лондон можно перечислять бесконечно. А все дело в том, что Лондон – у каждого свой. Вы никогда не найдете двух одинаковых мнений о нем. Точно так же, как совершенно разные эмоции возникают при созерцании фотографий Максима Киреева и Константина Маркова, запечатлевших одни и те же объекты. Но тем интереснее диалог, который авторы выставки предлагают зрителям. Это дает возможность своеобразного стереоскопического восприятия увиденного…

Киреев Максим Владимирович
Член Творческого союза художников России. Председатель секции Арт-фото ТСХ России.
Художник-график, занимается графическим дизайном и фотографией.
Постоянный участник более ста двадцати художественных и фотовыставок с 1986 года.
Удостоен: Благодарности министра культуры Российской Федерации, серебряной медали «Достойному» Российской академии художеств, золотой и серебряной медалей ТСХР за вклад в отечественную культуру. За активную пропаганду изобразительного искусства награжден грамотой Культурного Центра Вооруженных Сил Российской Федерации им. М.В. Фрунзе, благодарностями Московской городской Думы и многими грамотами и дипломами различных музеев, выставочных залов и галерей.
Автор и куратор выставок: «И помнит мир спасенный» (2010), «Графика теней» (2010), «Мещанское небо» (2010), «Мы все – войны шальные дети…» (2011), «Тихая жизнь натюрморта» (2011, 2012), «Восток-Запад» (2011, 2012), «Они сражались за Родину!» (2012), «Парад Победы» (2013), «London Town» (2013, 2014), «Прогулки по Подмосковью» (2013), «52/25» (2013), «Идут по войне девчата» (2014), «Ars Longa» (2014), «Благословенный путь» (2014), «Виват, маэстро!» (2014), «Форма и цвет» (2014), «Окно в мир» (2014).
Работы находятся в частных коллекциях России, Великобритании, Германии, Испании и Израиле.
Живет и работает в Москве.
www.russianartguide.ru

Константин Марков
Фотограф с более чем тридцатилетним стажем, живет и работает в г. Москве, является Вице-президентом Творческого Союза Художников России, почетный академик Российской академии художеств.
Константин — постоянный участник многих российских и международных выставок. Работы автора выставлялись в московском Манеже, в ЦДХ, в выставочных залах Москвы, городов России, Норвегии, Чехии, Кубы и других стран, имеет благодарность Российской Академии Художеств, награжден золотой, серебряной и бронзовой медалями Творческого Союза Художников России «За вклад в отечественную культуру». Многочисленные дипломы и награды международных и российских выставок свидетельствуют о признании его творческих способностей, как фотохудожника. Фотографии, автора печатаются в журналах, альбомах, украшают стены солидных офисов и частных домов.
www.markovphoto.ning.com

В ресторане «АРХИТЕКТОР» ЦДА. Гранатный пер. д.7. Выставка «НАВСТРЕЧУ С НОВЫМ 2015 ГОДОМ!»

В рубрике «Коллекция» публикуется информация о тех работах художников, которые можно приобрести в личную и корпоративную коллекцию.

Художественная выставка
«Навстречу с новым 2015 годом!»

Ресторан "АРХИТЕКТОР" Центральный Дом  архитектора Гранатный пер. д.7

Ресторан
«АРХИТЕКТОР»
Центральный Дом
архитектора
Гранатный пер. д.7

В преддверии наступающего Нового 2015 года в ЦДА открыта выставка произведений живописи известных архитекторов-художников: Президента СМА Н.И. Шумакова, Профессоров МАРХИ Орловского В. Ф.(организатор выставки) В.Л. Барышникова, Е.А. Окиншевича, доцента МАРХИ Э.В. Русенко, а также тележурналиста фотохудожника Александры Загряжской, которая широко освещает художественные выставки Центрального Дома архитектора в интернет-журнале АРТ-РЕЛИЗ.РФ, и художника Даниэлы Рябичевой — представителя твочреской династии Рябичевых, авторов многих архитектурно-монументальных комплексов в России и за рубежом.

Искусство архитекторов — это особый взгляд на творчество, практически архитектурные сооружения это, возможно, самый сильный артобъект в искусстве 21 века. Архитектор, в отличие от художника, оперирует другими масштабами. В силу специфики профессии у него иное представление о пространстве.

Архитектор-педагог еще имеет возможность осмыслить теоретически свое творчество. Ниже приведены некоторые высказывания авторов коллег об их творчестве.

Президент СМА Академик Николай Шумаков: «Если верить, что архитектура это музыка, запечатленная в камне, то Николай Шумаков- художник джазовой ориентации» — Е.А. Синицына.

Профессор В.Ф. Орловский: «Как известно, мое творчество органично связано с архитектурно-художественной концепцией космопластицизма. Один из многих аспектов парадигмы космопластицизма архетипы древности и их связь с цивилизацией прошлого и будущего. Космос, как память, генетическое свойство человека, в том или ином качестве присутствует в виде архетипов сознания во всех нас. В этом смысле меня одинаково волнует и чистые метафизические формы, будь то куб, шар или пирамида, или сложная пластика раковины, морских звезд, цветка, дерева или облака. За природными формами стоит Совершенный творец. Мне представляется, к примеру, что создатель раковины был великим архитектором. В общем мое творчество связано с размышлением на эту тему.»

Профессор В. Л. Барышников: «Что сказать о концепции? Даже затрудняюсь, это же пейзажи, в них главное ухватить и передать настроение, состояние природы в данный момент. О формальных характеристиках в это время не думаешь — само получается так, как получается.

Профессор Е. А. Окиншевич: «Для меня живопись – это энергетический выход настроений, ассоциаций, восприятия реального и нереального миров. Каждая моя работа – это выражение состояния определенного образа. Я хочу, чтобы каждая моя картина после того, как я её закончу, жила сама по себе. Чтобы у неё были свои зрители, свои гости, духи. А дать ей жизнь я могу только с помощью внутренней динамики, которая создается красками, ритмами, линиями…»

Доцент МАРХИ Э.В. Русенко: «Существует мнение, что абстракция это язык 20 века. По моему мнению, это абсолютная неправда. Абстрактное искусство самый древний вид арт высказываний человечества, поскольку обращается к эмоциональному миру, минуя визуалистический мир, окружающий нас. Абстрактное искусство оперирует мыслями, чувствами и образами чистой эмоции. Пятно, цвет и линия это язык, который воздействует непосредственно на человека, стирая культурологические и социологические различия».

Участники выставки:
Орловский В.Ф. представляет произведения:
1. Пейзаж с затерянным плато. 2013 г., х., темп., 50 х 150 см.
2. Сад Камней. 1993 г.,х., смеш.техн., 60 х 120 см.
3. Коралловые острова. 1991 г., х., смеш. техн., 60 х 80 см.
4. Пейзаж с морской звездой 1997 г., орг., смеш. Техн., 60 х 80 см.

В.Ф.Орловский "Пейзаж с затерянным плато" 2013 г., х. темп. 50 х 150 см.

В.Ф.Орловский
«Пейзаж с затерянным плато»
2013 г., х. темп.
50 х 150 см.

Виктор Орловский "Сад Камней"  1993 г. х., смеш.техн. 60 х 120

Виктор Орловский
«Сад Камней»
1993 г.
х., смеш.техн.
60 х 120

В.Ф. Орловский "Коралловые острова" 1991 г.  х., смеш. техн.  60 х 80

В.Ф. Орловский
«Коралловые острова»
1991 г.
х., смеш. техн.
60 х 80

В.Ф.Орловский  "Пейзаж с морской звездой" 1997 г.,  орг., смеш. техн.  60 х 80

В.Ф.Орловский
«Пейзаж с морской звездой»
1997 г.,
орг., смеш. техн.
60 х 80

Шумаков Н.И. представляет произведения:
5. Китай. 2014г.х. м полиптих .50х60см.х6
6. Кактусы. 2014г.х.м.,полиптих 60х40см.х6
7. На траве. 2014г.,х.м., 120.х100см.
8. Яна. 2014г. ,х.м.,120х100см.

Н.И. Шумаков "Китай"  2014г. х. м полиптих  50х60    6 частей

Н.И. Шумаков
«Китай»
2014г.
х. м полиптих
50х60
6 частей

Николай Шумаков "Кактусы" 2014г. х.м. полиптих  60х40 6 частей

Николай Шумаков
«Кактусы» 2014г.
х.м.
полиптих
60х40
6 частей

Николай Шумаков "На траве"  2014г. х.м.  120.х100см.

Николай Шумаков
«На траве»
2014г.
х.м.
120.х100см.

Николай Шумаков "Яна"  2014г.  х.м. 120х100

Николай Шумаков
«Яна»
2014г.
х.м.
120х100

Барышников В.Л. представляет произведения:
9. Красный Клен. 2013 г., х., м., 40 х 55 см.
10.Воронцовский парк. 2013 г., х.,м., 40 х 55 см.
11.Осеннее солнце. 2013 г., х., м., 60 х 50 см.
12.Осеннее кружево. 2013 г., х., м., 55 х 70 см.

В.Л.Барышников "Красный Клен"  2013 г.  х., м.  40  х 55

В.Л.Барышников
«Красный Клен»
2013 г.
х., м.
40 х 55

В.Л.Барышников "Воронцовский парк"  2013 г.  х.,м.  40 х 55

В.Л.Барышников
«Воронцовский парк»
2013 г.
х.,м.
40 х 55

В.Л.Барышников "Осеннее солнце"  2013 г.  х., м.  60 х 50

В.Л.Барышников
«Осеннее солнце»
2013 г.
х., м.
60 х 50

Окиншевич Е.А. представляет произведения:
13.Два берега. 2014 г., к., м., 40 х 70 см.
14.Ветреный день 2014 г. х., м.. 40 х 60 см.
15.Прикосновение. 2014 г., к., м., 50 х 70 см.
16.Букет из виноградных листьев. 2014 г. к., м., 60 х 50 см.

Евгений Окиншевич "Два берега"  2014 г.  к., м.  40 х 70

Евгений Окиншевич
«Два берега»
2014 г.
к., м.
40 х 70

Евгений Окиншевич  "Ветреный день"  2014 г.  х., м.  40 х 60

Евгений Окиншевич
«Ветреный день»
2014 г.
х., м.
40 х 60

Евгений Окиншевич  "Прикосновение" 2014 г. к.м. 50х70

Евгений Окиншевич
«Прикосновение»
2014 г.
к.м.
50х70

Евгений Окиншевич "Букет из виноградных листьев"  2014 г.  к., м.  60 х 50

Евгений Окиншевич
«Букет из виноградных листьев»
2014 г.
к., м.
60 х 50

Русенко Э. В. представляет произведения:
17.Геометрия. 2012г. х.м. 150х120см.
18.Полет. 2012г. х.м. 150х120см.
19.Аз. 2012г. х.м. 150х120см.

Эдуард Русенко "Геометрия" 150х120

Эдуард Русенко
«Геометрия»
150х120

Эдуард Русенко "Аз" 2012г.  х.м.  150х120

Эдуард Русенко
«Аз»
2012г.
х.м.
150х120


Загряжская А.М. представляет:
20.Лестница в небо. 2006г., Фото б. 30 х 45 см.
21.Глобальное потепление. 2006г., Фото б. 100 х 70 см.

Александра Загряжская фото "Глобальное потепление" 100х70

Александра Загряжская
фото
«Глобальное потепление»
100х70

Рябичева Д.А. представляет:
22. Индия.2012г.,б.,акр., 50 х 100 см.

Даниэла Рябичева "Индия" бумага, акварель 2012 г. 100х50

Даниэла Рябичева
«Индия»
бумага, акварель
2012 г.
100х50

Ресторан "АРХИТЕКТОР" Центральный Дом  архитектора Гранатный пер. д.7

Ресторан
«АРХИТЕКТОР»
Центральный Дом
архитектора
Гранатный пер. д.7

Скульптор АЛЕКСАНДР РЯБИЧЕВ и доктор ГЕЛЕНА ГЕНС у памятника ДЖАВАХАРЛАЛУ НЕРУ (скульптор ДМИТРИЙ РЯБИЧЕВ) 8 926 524 12 47 sasha.vkt@mail.ru МАСТЕРСКАЯ РЯБИЧЕВЫХ.

Скульптор  Александр Рябичев и доктор Гелена Генс  у памятника Джавахарлалу Неру, зима, 2010 г. (рубрика "фото-архив)

Скульптор
Александр Рябичев и
доктор Гелена Генс
у памятника Джавахарлалу Неру,
зима, 2010 г. (рубрика «фото-архив)

Памятник Джавахарлалу Неру — около пересечения Ломоносовского проспекта и улицы Коперника в 1996 году установлен памятник Джавахарлалу Неру (скульптор Дмитрий (Даниил) Борисович Рябичев, архитектор Э. Руса, дизайнер М. Киреева). Этот памятник — последняя работа Дмитрия Рябичева. Он ушел из жизни в 1995 году, и заканчивал скульптуру уже Александр Рябичев.

Скульптор  Дмитрий Борисович Рябичев Памятник Джавахарлалу Неру в Москве (Проспект Вернадского)

Скульптор
Дмитрий Борисович Рябичев
Памятник Джавахарлалу Неру
в Москве
(Проспект Вернадского)

Скульптор   Дмитрий Борисович Рябичев Композиция  Джавахарлал Неру на выставке "Династия Рябичевых"  в галерее "Даев-33" май, 2010 г. организаторы Александр Киселев,  Ольга Стефанцева, Александра Загряжская

Скульптор
Дмитрий Борисович Рябичев
Композиция
Джавахарлал Неру
на выставке
«Династия Рябичевых»
в галерее «Даев-33″
май, 2010 г.
организаторы
Александр Киселев,
Ольга Стефанцева,
Александра Загряжская

Творчество скульптора Дмитрия (Даниила) Рябичева было тесно связано с историей Индии. В городе Бхубанешвар (штат Орисса) установлена великолепная монументальная композиция — включающая скульптурный портрет Индиры Ганди. Портрет Махатмы Ганди признан одним из лучших образов великого учителя в мире, эта скульптура Дмитрия Рябичева стоит в Дели на месте кремации Ганди. Сегодня в Мастерской Рябичевых традиции, заложенные основателем Мастерской продолжаются. В студии скульптора хранятся модели памятников, бронзовые портреты премьер-министров Дж. Неру и Индиры Ганди работы скульпторов Дмитрия (Даниила) Борисовича и Александра Данииловича. Выставка «Индия, Индия…» представляет новые работы скульптора Александра Рябичева и Даниэлы Рябичевой.

Проект «Индия, Индия…» постоянная Выставка в Мастерской Рябичевых

Проект
«Индия, Индия…»
постоянная Выставка
в Мастерской Рябичевых

Художник РЕНЕ МАГРИТТ ( 21 ноября 1898, Лессин — 15 августа 1967, Брюссель)

Рене Магритт

Магритт Рене (Magritte Rene), бельгийский художник-сюрреалист. Родился 21 ноября 1898 года. С 1916 по 1918 Магритт обучался в Королевской Академии искусств в Брюсселе (Academie Royale des Beaux-Arts). По окончании работал оформителем обоев и художником по рекламе. Ранние работы Магритта были выполнены в в стиле кубизма и футуризма под влиянием творчества французского художника Фернана Леже. В 1922 Магритт вступил в брак с Жоржеттой Бергер, с которой познакомился в пятнадцать лет. После свадьбы она стала единственной моделью для картин художника.

Знакомство с метафизической живописью Джорджа де Кирико и поэзией дадаистов было важным поворотным пунктом для творчества Магритта. В 1925 Магритт входит в группу дадаистов, сотрудничает в журналах «Aesophage» и «Marie» вместе с Жаном Арпом, Франсуа Пикабия, Тристаном Тцара и другими дадаистами. В 1925-1926 Магритт написал «Оазис» и «Затерянного жокея» — свои первые сюрреалистические картины. В 1927-1930 годах Рене Магритт проживал во Франции, участвовал в деятельности группы сюрреалистов, тесно сблизился с Максом Эрнстом, Сальвадором Дали, Андре Бретоном, Луи Бунюэлем и особенно с поэтом Полем Элюаром.

В Париже система концептуальной живописи Магритта окончательно сформировалась и осталась почти неизменной до конца жизни художника.

В картинах живописца Рене Магритта постоянно присутствует ощущение напряженности и таинственности («Компаньоны страха», 1942; «Букет слез», 1948; «Объяснение», 1954). Странный ночной пейзаж блестит под освещенными дневным светом небесами («Империя света», 1954). Магритт мастерски создавал контраст между прекрасно выписанными странными сочетаниями ирреальных предметов и естественным окружением, с этой целью художник активно использовал в своих картинах символы зеркал, глаз, окон («Фальшивое зеркало», 1935; «Ключ к пространству», 1936; «Прекрасный мир», 1962). Увлечение Магритта философией и литературой нашло отражение во многих его картинах, например, «Гигантесса» (по Бодлеру), 1929-1930; «Область Арнхейм» (по Эдгару По), 1938. В 1940-х годах Магритт попытался изменить свой стиль живописи.

Но так называемые периоды творчества художника “plein-soleil” в 1945-1947 и “epoque vache” в 1947-1948 годах не оказались сколько-нибудь эффективными и Рене Магритт вернулся к своей манере письма. В 1950-х годах Магритт выполнил два цикла фресок: «Пространство очарования» для казино Knokke-le-Zut (1953) и «Несведущая фея» (1957) для Palais des Beaux-Arts в Шарлеруа. Рене Магритт умер 15 августа 1967 года в Брюсселе в возрасте 68 лет.

Рене Магритт  Фотопортрет работы  Лотара Воллеха

Рене Магритт
Фотопортрет работы
Лотара Воллеха

Галерея ARTSTORY. Художник ВЛАДИМИР МИГАЧЁВ. Выставка «СРЕДНЯЯ ПОЛОСА». С 20 ноября — 14 декабря 2014 г. Адрес: СТАРОПИМЕНОВСКИЙ пер., д.14 Куратор ОЛЬГА ТОМСОН.

ГАЛЕРЕЯ ARTSTORY
представляет выставку

Владимир Мигачёв. «Средняя полоса»
Куратор: Ольга Томсон
Открытие: 19 ноября 19.00.
Даты проведения: 20 ноября– 14 декабря 2014
Адрес: Москва, Старопименовский переулок, д.14

Художник  Владимир Мигачёв Пейзаж бумага, акрил, ткань 2013 г. 91х137

Художник
Владимир Мигачёв
Пейзаж
бумага, акрил, ткань
2013 г.
91х137

На выставке «Средняя полоса» в галерее ARTSTORY с 20 ноября по 14 декабря 2014г. будут представлены масштабные холсты Владимира Мигачёва, написанные в уникальной авторской технике. Пейзажи, сделанные из земли, золы, угля, глины, алкидных смол, превращаются в эпические симфонии на темы сегодняшней России, в которых сама земля диктует и общий колорит, и тональность, и настроение.

Название «Средняя полоса» призвано подчеркнуть единство нескольких смысловых пластов представленной экспозиции – географического (часть территории России), философски-бытового (если рассматривать жизнь, как чередование черных и светлых полос, то в целом возобладает серый тон) и метафизического (как пространства, в котором существует человек – язычники называют его средним миром).

Уже много лет художник хранит верность жанру, как он его называет, монотонного пейзажа, открывая в нем все новые глубины и возможности. Появившись на свет в деревне на Орловщине (1959 год), Владимир Мигачёв с молоком матери впитал в себя тайну русской природы – как среды обитания окружавших его людей. Правда, должно было пройти немало времени, чтобы дремавшее в подсознании воплотилось в бесчисленных холстах. После окончания художественно-графического факультета Кубанского государственного университета (Краснодар) начинающий живописец два года преподавал в школе рисование, а для души в течение десяти лет писал беспредметные композиции. Абстракционизм подкупил его абсолютной свободой от сюжета, вообще любой литературщины, возможностью ошеломлять чисто живописными средствами.

Однажды в середине 90-х судьба привела Владимира Мигачева в храм, который надо было расписать. Библейско-евангельские сюжеты в русской интерпретации привели его к мысли, что, во-первых, абстрактная живопись напрямую связана с русской иконописью – и там, и там духовное наполнение достигается с помощью всего двух изобразительных средств – линии и цвета). Во-вторых, духовного наполнения и напряжения проще всего достичь с помощью предельной простоты и сдержанности формы (светоносность не обязательно предполагает яркость). В-третьих, хаос беспредметности для художника – всего лишь основа, из которой должен возникнуть собственный живописный язык. А чтобы он звучал убедительно, нужно сделать его максимально лаконичным (монохромным) и выразительным (эмоциональным).
Работа в церкви возвратила Владимира Мигачёва к его деревенским корням и истокам, пробудила интерес к национальным традициям. Он решил написать портрет России с бескрайними просторами ее средней полосы, неизбывной тоской и сакральной мощью. Интуиция подсказывала, что привычные набившие оскомину краски явно не справятся со столь многогранной задачей. Однажды ему пришла в голову идея. Если в пейзаже преобладает земля, почему бы не написать ее с помощью самой же земли. Взять обычную землю – ту, которая под ногами, и нанести на холст. Поскольку земля миллионы лет впитывала энергию жившего на ней человечества, что еще способно точнее рассказать о самом главном? А если к тому же по соседству с землей поместить пепел (прах к праху), то эмоциональное наполнение картины многократно возрастет. Так родилась уникальная авторская техника. Акрил, земля (часто в виде чернозема), песок, зола, уголь, глина, алкидные смолы, кузбасслак, – сливаясь в экстазе, превращаются в эпические симфонии на темы сегодняшней России, в которых земля диктует и общий колорит, и тональность, и настроение.
Владимир Мигачёв смешивает не только материалы, но и самые разные приемы и стили – самый что ни на есть «кондовый» реализм и неоэкспрессионизм, графичную монохромность и брутальность фактуры, суровость и монументальность, репрезентативность и концептуальность. К тому же художник напрямую отсылает нас к югендстилю и символизму с их изысканной грустью, ностальгией, тревогой, эстетизацией горизонтали и страстным желанием из нее вырваться. В результате получаются некие «антипейзажи» – плоды своеобразного «духовного зрения» автора, в которых проявляется суть происходящего в мире, а все выразительные средства подчинены желанию раскрыть амбивалентность природы, показать окружающую среду как жертву и как палача. С одной стороны, боль за ужасающий экологический и духовный контекст, в котором мы все оказались. С другой, напоминание об инфернальной ипостаси земли – как субстанции, из которой выходит все сущее, и куда оно неизбежно возвращается. Идиллическая пейзажность средней полосы иллюзорна, поскольку несет в себе разрушительный потенциал. Не стоит забывать, что земля – одна из стихий, гнев которой страшен.
«На земле в принципе все возможно, – говорит Владимир Мигачёв. – Любовь, ненависть, счастье, радость, горе, войны, победы. Но только при одном условии. Должна быть сама земля. Без нее ничего нет. Просто не существует».
Выставка продлится до 14 декабря. К проекту издаётся каталог.
ГАЛЕРЕЯ ARTSTORY: Москва, Старопименовский пер., д.14 (м. Тверская, Маяковская).
Ежедневно, кроме понедельника. с 12.00 до 20.00. Вход свободный. Тел. 8 495 650 13 43,
info@art-story.com www.art-story.com

Вход на открытие 19 ноября – по приглашениям или аккредитации. Контакты для СМИ: artstorypr@gmail.com; 8-916-674-11-69.

Художник  Владимир Мигачёв "Земля" холст, акрил, зола 2007 г.,  180х320

Художник
Владимир Мигачёв
«Земля»
холст, акрил, зола
2007 г.,
180х320

Художник  Владимир Мигачёв "Большая вода" холст, акрил, смешанная техника 2013 г. 200х170

Художник
Владимир Мигачёв
«Большая вода»
холст, акрил, смешанная техника
2013 г.
200х170

Художник Владимир Мигачёв "Эрозия" холст, акрил, зола, кварцевый песок 2012 г.  70х140

Художник
Владимир Мигачёв
«Эрозия»
холст, акрил, зола, кварцевый песок
2012 г.
70х140

Художник  Владимир Мигачёв холст, смешанная техника 2013 г. 140х170

Художник
Владимир Мигачёв
холст, смешанная техника
2013 г.
140х170