«Среди всех видов искусства абстрактное – самое трудное. Оно требует от вас умения хорошо рисовать, обостренной чувствительности к композиции и цветовым сочетаниям и чтобы вы были истинным поэтом».
(В. Кандинский)

В изобразительных искусствах концепция абстрактного получает значение «не связанного с реальностью». В абстрактном искусстве появляются образы, не изображающие действительность, не принадлежащие к нашему визуальному опыту. То есть содержание в абстрактном искусстве выражается в свободных композициях из линий, форм, цветовых сочетаний, не имитирующих конкретную реальность, в которой мы живём.

Абстракция возникла в начале ХХ века, но её присутствие можно обнаружить во многих творениях прошлого, абстрактные изображения, например, появляются на древнегреческих вазах, в средневековых миниатюрах. Но абстрактное изображение здесь имело чёткую эстетическую направленность: это декорация.
В ХХ-ХХ1 столетиях абстрактное искусство обладает абсолютно иным назначением: оно стало коммуникацией, выражает содержание и значение, ничего не заимствуя из изображений уже существующих вокруг нас.

Итак, абстракционизм – беспредметное искусство, которое не соотносится с внешними реалиями, природными элементами, предметами. Темой абстрактных картин являются цвет и форма, материалы и поверхность, фактура. Красота и непредсказуемость абстракции в том, что она ни на что не похожа, а потому является идеальным способом выражения величественных концепций и вневременных проблем духовного характера и благоприятствует исследованию тайников человеческой души. Впрочем, это вовсе не означает, что абстрактное искусство всегда наполнено глубоким экзистенциальным значением.

Абстрактная картина может быть простой и красивой, гармоничной по цвету и ритму.
Но истинная природа абстракции поощряет очень свободные ассоциации. Это означает, что вы можете приписать произведению любое значение и интерпретировать его по своему усмотрению. Это требует повышенной восприимчивости, как от художника в процессе творчества, так и от зрителя, оценивающего абстрактные произведения.
Подобно музыке, имеющей свои звуковые построения, абстрактное искусство базируется на гармонии орнаментов и цветовых ритмов, форм и линейных конфигураций. Абстрактное искусство выражает вещи за пределами того, что мы видим перед глазами. Вместо живописания образов, которые можно легко охватить и понять, абстрактное искусство фокусируется на тонком мире эмоций и бессознательном, исследует вневременные проблемы, трансцендентное.

Абстракция рождается около 1910 года, благодаря русскому художнику Василию Кандинскому. В Мюнхене по инициативе Кандинского, Габриэллы Мюнтер, Кубина, Макке и Франца Марка в 1911 году был создан «Синий всадник», одно из крупнейших авангардистских объединений, ставшего предшественником абстракционизма. Однако абстракционизм Кандинского сохраняет глубоко укоренённую экспрессионистическую матрицу. Название объединения намекает на скрытую духовность синего цвета и спасительную миссию «художника-всадника-рыцаря». Согласно теории цвета Кандинского, синий – небесная краска, светло-синий воплощает звук флейты, темно синий – звук виолончели. Чем глубже синий, тем больше он устремлен к бесконечности. Художники «Синего всадника» считали синий цвет исключительно духовным. А тема всадника-рыцаря связана со средневековой иконографией, прежде всего с образом Святого Георгия, убивающего дракона.

«Синий всадник» также выявил новый тип художника, который должен освободиться от условностей, установок, принятых в обществе, в знак отказа от брутальности истории и в тоге защитника должен вести искусство от материальности к духовности.
В галерее «Дрезден» на выставке «Синий мост» (подзаголовок «Связь времён») представлены произведения Игоря Снегура, Владимира Опары, Степана Гордеева, Ларисы Белимы, Виктора Пушкина, Арама Акопяна, Карлена Мурадова, Натальи Толстой, Яна Давидофф, Андреаса Хорлица.

Участники выставки предлагают зрителям совершить путешествие в непредсказуемый мир форм и цветовых сочетаний, чтобы лучше понять важность и актуальность абстрактного искусства и его эстетическую эволюцию во времени. Стилистическое разнобразие и свободное владение языками абстрактного искусства помогает им документировать собственную экспрессивную актуальность. Каждый развивается, согласно разным оптикам и перспективам. Одни предпочитают обогащать стилистику экспрессивной абстракции, другие находят свою образную систему, экспериментируя в простр анстве геометрической абстракции, третьи обращаются к неоконцептуализму.

Слова «мост» и «связь времен» не случайно появляются в названии выставки, ибо участники ориентируются на открытые Кандинским законы воздействия и восприятия цвета, линии, пятна, взаимодействия
цвета и формы. В работах каждого художника есть и магия, и суггестивность, и музыкальность, присущие творениям Кандинского. Но как современные художники каждый участник выставки «Синий мост» находит свои принципы, свои законы, свои способы комбинирования беспредметных форм, экспериментируя с пространством, цветом, светом, использованием необычных материалов. И в этом действительно прослеживается связь времен.
Участники выставки ощущают себя последователями художников «Синего всадника». А «Синий всадник», как известно, являлся мостом между немецкой и русской школой. Кандинский намечает мосты между предметностью и беспредметностью, сохраняет и разрывает их. Ту же тенденцию продолжает и развивает в своих захватывающих полотнах Степан Гордеев («Джаз», «Красавица и полярный медведь»). Его поискам созвучна ориентация Кандинского на выявление средствами искусства эмоционального состояния и выяснение роли подсознания в творческом процессе. В каждой композиции он создает живописно-пластическую драматургию из пятен и линий, то разрывая, то объединяя абстрактные мотивы-знаки, приобщая зрителей к своей мистической вселенной, заставляя постигать законы восприятия цвета, линии, пятна.
Продолжая традиции как экспрессивной, так и геометрической абстракции, чрезвычайно изобретательный мастер разнообразных живописных стилей, Игорь Снегур создал свой, редкий тип метафизической абстракции. В некоторых произведенияхх простейшие геометрические фигуры – круг, треугольник, квадрат – проникают, накладываются друг на друга. Но эти, кажущиеся на первый взгляд, простыми работы с лаконичным формами, тонкой цветовой нюансировкой наделены глубочайшим смыслом, доставляют наслаждение утончённому эрудиту и являются результатом кропотливого труда. В своих произведениях автор исследует важные для человека понятия и ценности: жизнь, бессмертие, истина, красота, соразмерность.
Используя и искусно развивая неограниченное картинное пространство Кандинского Виктор Пушкин помещает в него крупную абстрактную форму, имеющую очень отдаленную связь с природным или сюжетным мотивом («Магриб»). Свечение фона, красота цветовых сочетаний, неопределенность и загадочность форм-конструкций рождают ощущение приближения к чудесному («Даная»). Такая театрализация неслучайна, этому благоприятствует многообразная деятельность Пушкина: графика, сценографа, живописца, фотографа, всегда готового удивлять зрителя и раскрывать для него тайны творчества.
Владимир Опара, вдохновляясь творчеством своих великих предшественников, – Кандинского, Малевича, конструктивистов, – нашел свой неповторимый язык в живописи, используя даже такие грубые и необычные материалы как гвозди, металлические таблички, компьютерные платы, придумал свою оригинальную технологию («Мальчик карбюратор и его мама»). Речь идет о фундаментальной живописи, направленной на исследование морфологии и смысла собственных поисков, истоков значения не только посредством нахождения новых цветовых сочетаний, но с помощью четко определенных средств и материалов, хорошо смешанных. Художник никогда не впадает в банальность. Полученная картина-ассамбляж наделяется благородным поэтическим звучанием, свидетельствует о современных ритмах жизни и погружает в глубины души человека. В его вещах царит материя, плотная и чувственная, в которую вкраплены почти неуловимые знаки, сгустки цвета, усиливающие цветовую игру.
Рассматривая абстрактные композиции Арама Акопяна осознаешь, что абстрактное искусство – своего рода визуальная поэзия. Но вместо слов и предложений используются цвет, линия, форма, фактура, чтобы создать визуальный танец духа. Звучные краски, продуманные композиционные решения, красивая фактура, игра наложениями, сопоставлениями геометрических форм – все направлено на выявление средствами искусства эмоционального состояния человека и подчеркивания роли подсознания в творческом процессе («Композиция №1», «Композиция №2»).
Картины Карлена Мурадова, увлеченно работающего с пятнами и плоскостями цвета, выполнены в стилистике лирической абстракции. Его творения представляют собой форму экспрессивной абстракции, трансформирующей природные мотивы, предметы, которые должны вызывать у зрителей чувства, подобные эмоциям, рождённым впечатлениями из реальности. Воспринявший традиции Запада и Востока Мурадов, специалист по текстилю, художник-дизайнер, керамист и в абстрактной живописи нашел свою нишу, используя свой богатый опыт. Его абстракции рождаются из выразительных качеств внешних природных элементов. Чем больше вглядываешься в его работы, тем больше осознаешь, что они возникли в результате тщательной трансформации внешних примет реальности в захватывающие пространства, беспредметные декорации, похожие на интерьеры, в которых проявляются тайные опознавательные знаки, намекающие на озеро, полоску земли, столб. Призрачные очертания завораживают, рождают в воображении многозначительные образы.
Неудивительно, что родившаяся в семье художников Наталья Толстая обладает такой высокой живописной культурой, мощной креативностью, безупречным чувством цвета, отлично развитым композиционным мышлением. Она черпает вдохновение у представителей авангарда начала ХХ века, в творениях Малевича, Татлина, Кандинского, итальянского художника Альберто Бурри. В праздничном, светоносном пространстве её картин-коллажей (чаще доминирует красный цвет), рельефов появляются различные знаки: точки, полосы, круги, спирали, квадраты… Порой даже кажется, что в работах художница занимается исследованием и возрождением материи и находит метод для реализации возникающих в воображении образов. Непритязательные материалы (мешковина, гайки, железная сетка, медная проволока, пуговицы, металлические элементы) подвергаются изысканному и артистичному преобразованию при внедрении в живописное пространство. Таким образом обыденная реальность возвышается и автор ориентирует зрителя на более высокий духовный уровень общения с её творениями, неизменно притягательными.
В некоторых работах она даже придумала свой «иероглифический алфавит», узнаваемый, препарируемый в различных контекстах и ситуациях. Но всегда в её искусстве ощущается стремление в первоосновным средствам и знакам, «говорящим» о современном мире.
Толстая изменяет структуры используемых материалов, акцентируя их, сохраняя элементы их использования. Так она контролирует быстро исчезающую материю. Помещенные в картину инородные элементы образуют новые связи или диалектические совмещения, рождая пространство-геометрию, пространство-время. Но торжествует надо всем пространство памяти.
Демонстрируемые на выставке «Синий мост» работы Толстой («Встреча», «Русский пейзаж»…), с использованием белого фона, более лаконичные, более многозначные, более философские, чем ранние картины-коллажи. «Иероглифические знаки» напоминают человечков, петля намекает на космическое пространство.
Найдя свою оригинальную знаковую систему, Толстая обогащает язык современного абстрактного искусства.
А Лариса Белима, автор своеобразных поэтичных абстрактных композиций, предлагает зрителю увлекательную игру, заставляя разгадывать ее ребусы, значения, придумывать истории. Вполне закономерно, что Белима, являясь истинным продолжателем традиции Кандинского, первостепенное внимание уделяет цвету. В ее работах пленяет свежесть чистых и прозрачных цветов. А цвет приобретает качество образа и открывает некую экзистенциальную правду. Ей близка разработанная Кандинским теория цвета, согласно которой абсолютно зеленое – самая спокойная краска, никуда не движется, не имеет привкуса ни радости, ни печали, ни страсти, благотворно действует на утомленных людей и их души. Черное обозначает нечто погасшее, сожженный костер, конец жизни. Фиолетовое – печальное, погашенное, болезненное.
Молодой художник Ян Давидофф, живущий в Мюнхене, создает картины на грани между фигуративностью и абстракцией («Scan 1», «Scan П») . В его работах на выставке прослеживаются неожиданные аллюзии к творениям Франко Анджели 1960-х годов, воспроизводившим исторические эмблемы и символы власти – свастики, разорванные доллары. Иное время, иной контекст. Используя смешанную технику и патину времени, Анджели сотворял своеобразные фильтры времени, как и наш художник. Но работы Давидофф более мягкие, лиричные, хотя в них и прочитывается скрытое напряжение.
На черном фоне предстают золотые силуэты персонажей, заимствованные из его фотопутешествий, обработанные на компьютере. Преувеличенные или нивелированные силуэты утратили изначальное значение и вводятся в новый контекст, оцениваются иначе. Зритель сталкивается с проблемой соотношения индивида и толпы. В картинах художника отдельный человек теряется и можно видеть только доминирующую толпу. Его работы рождают ощущение неуверенности и в то же время стремление к самоутверждению, ориентируют на размышление об унификации в современном обществе.
Андреас Хорлиц, получивший известность своими инсталляциями из стекла и зеркал, на протяжении тридцатилетней творческой карьеры создавал крупные архитектурные site specific инсталляции, фотографии, световые работы… Хорлиц увлечен научными изысканиями, одержим идеей соединения науки и искусства, постоянно занимается поисками новых форм, материалов, их необычных сочетаний. Он часто использует в работах оптические приспособления и заполняет свои творения символическими знаками. Работа «Плюмаж» отличается повышенной эмоциональностью: густые алые, ультрамариновые, голубые, синие цветовые сочетания загораются как самоцветы, преображая пространство галереи. Эта своеобразная мандала напоминает «окно-розетку-витраж» в готическом соборе, считавшуюся наивысшим выражением средневекового духа и указателем пути к мудрости и спасению. Работы Хорлица настраивают на медитацию.
Выставка проходит в рамках проекта Дрезден-Москва, Москва-Дрезден.
«Цвет это клавиша, глаз – молоточек, душа – многоклавишный рояль. А художник является рукой, которая с помощью разных клавиш заставляет вибрировать тончайшие струны человеческой души» – писал Кандинский. Участники выставки нажимают на нужные клавиши.

Виктория Хан-Магомедова, искусствовед, член МОСХа, секция критики