Архивы за месяц Январь, 2017

Выставка «КИТАЙСКАЯ НАРОДНАЯ ГРАФИКА И ОСМЫСЛЕНИЕ СОВРЕМЕННЫМИ МОСКОВСКИМИ ХУДОЖНИКАМИ ТЕМ ТРАДИЦИЙ И КУЛЬТУРЫ КИТАЯ» с участием АКАДЕМИИ НАРОДНОГО ИСКУССТВА в ТВОРЧЕСКОЙ МАСТЕРСКОЙ РЯБИЧЕВЫХ

Анонс: София Загряжская
Фото: Аллы Абсалямовой, Александры Загряжской, Елены Альфонской

Выставка   "Китайская народная графика и осмысление современными художниками тем культуры и традиций Китая"

Выставка
«Китайская народная графика и осмысление современными художниками тем культуры и традиций Китая»


Работы современных художников, представленные на выставку в Творческой Мастерской Рябичевых «Китайская народная графика и осмысление современными мастерами тем традиций и культуры Китая» знакомят с творчеством в этой области современных авторов и напоминают о многих удивительных особенностях жизни и истории Поднебесной.
До 3 февраля 2017 года в Творческой Мастерской Рябичевых
Посещение по предварительной договоренности
8 926 524 12 47
sasha.vkt@mail.ru
Куратор София Загряжская
Президент Академии Народного искусства Виктор Пензин
Председатель московского отделения Союза художников РАНИ Сергей Юрков
Руководитель Творческой Мастерской Александр Рябичев

Участники:
Маргарита Юркова
Юриан Беляев
Максим Киреев
Константин Малютин
Лидия Тихонравова
Алексей Лоптев
Римма Юсупова
Наталья Гиндес (GNG)
Николай Сенкевич
Елизавета Мазурова
Мария Орлова
Мария Сивкова
Натали Рахлина
Нина Ковальчук
Павел Товкач
Мария Туманова
Сергей Погорелый
Олеся Кущенко
Зураб Пачулия
Александра Загряжская

Основу экспозиции составила китайская народная графика из фондов Академии Народного искусства.

МАРГАРИТА ЮРКОВА

Художнику Маргарите Юрковой принадлежит авторская идея Осознание Сотворчества.
В основе идеи лежит триединство истины сознания: истины разума, истины чувств и истины веры.
Истина разума — это наука
Истина чувств — это культура и искусство
Истина веры — религии, верования
В 2002 году Маргарита Юркова начала развивать свою авторскую концепцию — объединение творческих идей, высказанных художниками в разных странах, в разных направлениях, в разных жанрах и техниках, и на разных профессиональных уровнях. Маргарита объединила творцов и самодеятельного искусства и профессионалов высочайшего класса, отражающих в своем творчестве духовные поиски.

«Душе уготовано пройти путь через тернии к звездам, и задача нашего осознания — пройти его с наименьшими потерями» — говорит Маргарита. Понятие «духовные поиски» вмещает глубокие пласты культурных, философских и научных изысканий. Осознание сотворчества — это не только выставки, но и проведение просветительских акций, отражающих все виды творческой деятельности человека на земле. Таким образом идея объединяет, казалось бы, совершенно различные понятия, связанные единой целью — созиданием.

Маргарита Юркова активно участвует в проектах, посвященных единству мировых культур. В этот раз Маргарита представила две работы, составляющие как бы единый сюжет — это «Портрет китаянки» и «Костеревская Мадонна». Два образа, отражающие представительниц двух стран, портреты, соединившие в себе как бы собирательный облик различных культур, объединены в этой выставке общим решением в оформлении и дополняют друг друга по смыслу.

ЮРИАН БЕЛЯЕВ

Художник Юриан Беляев "Лисья осень"

Художник
Юриан Беляев
«Лисья осень»

«Лисья осень» так называется сюжет Юриана Беляева, представленный в экспозиции не случайно. Лиса — один из известных мифологических образов, символ эротики и искусства обольщения в Восточной Азии. В Древнем Китае считается, что лисы Хули–цзин (лиса–дух) могут жить до тысячи лет, и тогда у них вырастает новый хвост, который обладает особенной способностью воздействовать на людей. Чаще всего представляются в виде молодых, необычайно красивых девушек, обладающих острым умом, хитростью, ловкостью и коварством. На лисах в китайских сказках ездят привидения. Но считается, что лисы-оборотни способны как к добру, так и злу.
Начиная с династии Тан (VII–IX века), китайцы стали поклоняться фее–лисе. «Там, где нет лисы, нельзя деревню основать». Эта поговорка появилась в те стародавние времена. На праздниках, чтобы умилостивить судьбу, фее-лисе подносят еду и питье.
А с XVII веке лиса–оборотень уже распространенный персонаж в городском фольклоре.
Также образ лисы в такой интерпретации очень распространен в Японии. Так мифологическая лиса носит имя Кицэне и обладает теми же сверхестественными способностями в образе прекрасной женщины. Падающие звезды в Японии называются «небесными лисами».

О художнике:
Беляев Юрий Антонович (творческий псевдоним Юриан Беляев) – президент Академии Российской Словесности, член Высшего творческого совета СПР, доктор философии, лауреат Международной премии Мира, академик Международной академии наук и искусств в Париже, действительный член Славянской академии литературы и искусств, почётный академик Пушкинской академии.
Автор идеи и организатор художественного проекта «Магический квадрат».

Художник  Николай Сенкевич на фоне своих работ

Художник
Николай Сенкевич
на фоне своих работ

НИКОЛАЙ СЕНКЕВИЧ

В одной из статей о выставке с участием Николая Сенкевича написано: «Восприятие реальности, отраженное в работах художников особенно характерно для востока, где постижение пустоты – важная цель буддийских практик… Опыт осознания такой пустоты в восточных духовных практиках (опыт «шуньяты») важен для реинкарнации или полного освобождения от самсары и мира феноменальных явлений… В этой экспозиции Николай Сенкевич представил серию графики, в которой продолжены поиски такого духовного осознания и осмысление мира.
Николай Николаевич Сенкевич родился в 1946 году в Москве. В юности учился рисованию у художника китайского происхождения в Монголии, оказавшего большое влияние на его творчество. Экзотичный Улан-Батор, с его единственным на тот период времени ламаистским монастырем, и позднее природа Албании, впечатлили художника на долгие годы вперед.
Вернувшись в Москву в 1965 году примкнул к движению СМОГа. В 1971 году закончил МАРХИ.
С 1975 года — член молодежной секции МОСХа, тогда же вступил в Горком графиков. Участвовал в общих выставках проходивших в Москве на Кузнецком мосту и на Малой Грузинской улице. Руководил творческой группой «Остров».
С 1994 года участвовал в зарубежных выставках. В настоящее время руководит творческой группой «ReceptART».

РИММА ЮСУПОВА

Римма Юсупова, художник, участник выставки: «Пион – мой самый любимый цветок! Он восхищает и восторгает меня до глубины души! И я решила изобразить его по-своему. Мой пион должен быть завораживающим, роскошным, обладать свечением, усиливающим его фантастическую красоту цвета и неповторимую пышную форму с нежными, светящимися на свету лепестками. В 2002 году увлеклась китайским учением фен-шуй, где с удовольствием обнаружила, что пиону уделяется достойное внимание как магическому активатору привлечения удачи. В Китае пион императорский цветок – это символ женщины, любви и богатства. Он обладает мощной энергетикой. Свои пионы я ассоциирую с силой, красотой, мудростью прекрасной женщины. Моё настроение и восторг перед царственным пионом совпали с волшебными свойствами символа Поднебесной. Свою первую картину, выполненную как живопись по натуральному шёлку, из серии, посвящённой роскошным пионам, я назвала «Автопортрет».

 Художник  Римма Юсупова "Автопортрет" живопись по натуральному шелку

Художник
Римма Юсупова
«Автопортрет»
живопись по натуральному шелку

Максим Киреев Рекламный плакат для компании Alrosa

Максим Киреев
Рекламный плакат
для компании Alrosa

МАКСИМ КИРЕЕВ

Максим Киреев Член Творческого союза художников России. Председатель секции Арт-фото ТСХ России.
Художник-график, занимается графическим дизайном и фотографией.
Постоянный участник более ста двадцати художественных и фотовыставок с 1986 года.
Удостоен множества престижных наград и благодарностей, в том числе министра культуры Российской Федерации, Российской академии художеств, ТСХР. Является участником и куратором многих художественных проектов с ярко выраженной авторской концепцией. В этой экспозиции представил графический лист, разработку рекламного плаката для компании Alrosa и дизайн перьевой ручки, оформленной сюжетом на китайскую тему.
Многие вещи, которыми мы пользуемся до сих пор изобрели в древнем Китае. Бумага, порох, вилка, которая появилась в Китае раньше, чем палочки для еды, воздушные змеи, спички, ресторанное меню — список таких открытий длинный. К ним относится и китайская тушь, которую во многих странах в старину называли индийскими чернилами, поскольку впервые ее привезли в Европу из Индии, и только в России ее называли правильно — китайской тушью. Предполагается, что тушь была изобретена еще в третьем тысячелетии до нашей эры. Традиционная китайская живопись (гохуа) создавалась с помощью туши кистями, которыми писали и послания и живописные рисунки.
И хотя перья для письма изобрели намного позднее, и не в Китае, сегодня китайские перьевые ручки — одни из самых качественных в мире.
Что касается изобретенной туши, то в записях на самых ответственных документах до сих пор во всем мире предпочитают использовать тушь.

АЛЕКСЕЙ ЛОПТЕВ

В китайской мифологии журавли умеют превращаться в людей, журавль-оборотень — это один из самых добрых, красивых персонажей, не терпящих насилие, мудрый и понимающий.
Вообще, журавль на Востоке считается благословенной птицей, особенно в Китае и Японии, как символ долголетия и благополучия, мудрости, справедливости и духовного аристократизма. Прилет журавля символизирует счастье и добрые события. Работа Алексея Лоптева в экспозиции в Творческой Мастерской Рябичевых, посвященной культуре и традициям Китая, представляет собой крылатый образ получеловека-полуптицы с длиной шеей и клювом и с человеческим телом. Расправленные руки-крылья еще напоминают о недавнем полете, но ноги уже твердо шагают по земле. Чудесный момент превращения!

Скульптор Алексей Лоптев

Скульптор Алексей Лоптев

Художник  Мария Туманова  на фоне своих работ

Художник
Мария Туманова
на фоне своих работ

МАРИЯ ТУМАНОВА

Мария Туманова, поэт, художник, участник выставки: «Около десяти лет назад я совершила незабываемое путешествие в Китай. Мне довелось проехать всю страну с севера на юг, из Пекина через Шанхай на остров Хайнань. Эта поездка произвела на меня огромное впечатление и повлияла на всю дальнейшую творческую жизнь.
Потрясающие краски этой древнейшей страны в сочетании с красотами современной цивилизации создали настолько яркий и неповторимый образ Китая, что его невозможно забыть и по сей день…
Четкие проспекты и чудесные парки Пекина, захватывающие виды современного Шанхая, бескрайние пески золотых пляжей Хайнаня — все это сливается в единую мелодию чудесных красок, именуемую Китай.

Остров Хайнань
О эти розовые дали
в туманном лабиринте судеб
как вы меня когда-то звали,
как волновали вашей сутью..

Шанхай фото: Мария Туманова

Шанхай
фото: Мария Туманова

Шанхай
На набережной — дождь,как будто бы украдкой
блестит асфальт под мокрою луной…
останешься со мной восточною загадкой,
как только день наступит золотой…

Шанхай — сказочный, восторженный, удивленный и юный…

Пекин — строгий, современный и древний, законопослушный и самоуверенный …

Шанхай ближе, понятней… Яркие огни вперемешку с молодостью.. разноголосье… свет..музыка. Чувствуешь себя своей, а не приехавшей с другого края света.

Остров Хайнань — безмятежный, похожий на все острова мира, но живущий по своим курортным законам. В недалеком прошлом ( 5 лет назад!) — военная база, теперь — комфортабельный курорт. Не верится, но это так..!

В небе над Шанхаем
Мы в фиолетовой стране
блуждаем в облаках тумана,
нас солнце будит на крыле,
мы улыбаемся устало.

Мы снова начинаем день:
смеемся, спорим, горько плачем,
ложится вековая тень
на золото немого края…

Художник  Натали Рахлина  "Праздник"  холст, масло  50х60  2014 г.

Художник
Натали Рахлина
«Праздник»
холст, масло
50х60
2014 г.

НАТАЛИ РАХЛИНА

Художник, участник выставки: «Я пишу свои работы в состоянии благости, желая передать красоту и гармонию мира, благодаря которой существует все живое. Через живопись я делюсь радостью сердца и красотой бытия, заряжая пространство вокруг.»

Художник  Натали Рахлина "Зимний букет"  холст, масло  2015 г.

Художник
Натали Рахлина
«Зимний букет»
холст, масло
2015 г.

Натюрморт «Зимний букет» — прекрасный выбор Натали Рахлиной для этой выставки, причин тому несколько. Во-первых, изображения цветов особенно популярны в китайском искусстве. Символизму цветов в Поднебесной придают, кажется, большее значение, чем во всем остальном мире, находя множество тончайших нюансов расшифровки их тайных посланий от природы. К тому же, сам сюжет «Зимний букет» в этой экспозиции приобретает особенное значение праздника, который наступает в день открытия выставки — Новый год по китайскому календарю. И, наконец, самое главное в том, что несмотря на свое внешнее несходство с китайской традиционной живописью, эта картина близка по духу и характеру китайскому искусству. Синий преобладающий колорит изображения, игра света, создают атмосферу тайны и меланхоличное, созерцательное настроение композиции. Созерцание… кажется одной из популярных форм взаимодействия с природой «по-китайски», когда любование и размышления происходят в гармонии с увиденным. «Сосредоточение души на надуманных тайнах» — это одно из определений понятия созерцания, которое в религии является важнейшим элементом буддизма. Так что, во многих смыслах «Зимний букет» Натали Рахлиной в этой выставке — китайский натюрморт.

Художник  Лидия Тихонравова на фоне своей работы

Художник
Лидия Тихонравова
на фоне своей работы

ЛИДИЯ ТИХОНРАВОВА

Лидия Тихонравова, художник, участник выставки: «Восток притягателен для жителя бескрайней Русской равнины, во все времена стремившегося «заглянуть за горизонт». Удаленность Востока и определенная степень закрытости даже сейчас этому способствуют. Для нас он необычайно декоративен, лаконичен и гармоничен. Азия обладает таинственностью — реальной и чуть-чуть придуманной нами. А загадка всегда манит, даже если раскрыть секрет невозможно. В этом очарование Востока. Есть и личный мотив: моя дочь лингвист-востоковед много лет провела на Востоке, училась и работала там. И тема Востока была в моей жизни повседневно. Так и возникли идеи моих восточных картин».

Художник  Лидия Тихонравова "Пруд с лотосами"

Художник
Лидия Тихонравова
«Пруд с лотосами»


Работы Лидии Тихонравовой, как гармоничное включение в эту экспозицию, имеют общую сюжетную линию с рисунками, созданными китайскими народными мастерами».
О художнике: По профессии Лидия Тихонравова инженер электронной техники, закончила в 1977 году Московский Энергетический институт. В 1984 году защитила диссертацию на степень кандидата технических наук. Работала научным сотрудником в НИИ. Автор более 50 научных публикаций, участник научно-технических отечественных и международных конференций.
Закончила музыкальную школу по классу фортепиано, затем – Заочную математическую школу при механико-математическом факультете МГУ, призер Олимпиад по математике и физике. Занятия музыкой и математикой не оставляли времени на другие увлечения, хотя желание рисовать присутствовало всегда.
В настоящее время занимается графикой, рисует акварели, пишет маслом. Предпочтения отдает натюрмортам, портретам, сюжетным картинам, копиям мастеров живописи. В масляной живописи использует как многослойную технику, так и технику alla prima.
Работы находятся в отечественных и зарубежных частных коллекциях.

НИНА КОВАЛЬЧУК (Творческий псевдоним Кайнела)

Член ТСХР (секция живописи)
Закончила Московский текстильный институт — дизайн одежды
Постоянный участник выставок с 1982 года
С 1982 — 1985 гг.. — Шоу одежды и выставки живописи (Международный дом на Красной Пресне)
1987 г. — Выставка живописи в Хаммеровском Центре (Москва)
1989 г. — Выставки в частных салонах
1990 — 1996 гг.. — Выставки на Малой Грузинской
1993 г. — Персональная выставка в Англии в Кембридже
1994 г. — Персональная выставка в частной галерее SCHTUK, Швеция
1996 — 1997 гг.. — оформление и участие в Международном симпозиуме «Путь к себе» — шоу одежды из натуральных тканей.
1998 г. — участие в «Неделе Российской Моды» («Редиссон Славянская», Москва)
1999 г. — Выставка живописи и коллекции одежды «Шесть чувств» (Москва, клуб «Дом», журнал «Антураж»)
2000 г. г. — участие в Выставке, посвященной 2000-летию христианства. (Сергиев-Пасад, Дом культуры имени Юрия Гагарина)
2001 г. — участие в Выставке «Владивосток-Москва» (Москва)
2001 г. — 2002 учеба в Международном институте «Дизайн интерьера» и стажировка в Чикаго
2002 г. по настоящее время — работа по дизайну интерьера
2013 г. — Выставка в Международном Фонде славянской письменности и культуры в галерее «Ардена»
2014 — 2015 гг.. Творческие среды в ЦДХ
2016 г. Персональная выставка коллекции абстрактных моделей «Игра фактур и форм» в Музее «Садовое кольцо»
2016 г. участие в Выставке «Графика Мексики и осмысление современными художниками темы латиноамериканской культуры» (Творческая Мастерская Рябичевых, Москва)
2017 г. участие в Выставке «Графика Китая и осмысление современными художниками тем традиций и культуры Китая»
Работы современных художников, представленные на выставку в Творческой Мастерской Рябичевых «Китайская народная графика и осмысление современными мастерами тем традиций и культуры Китая» знакомят с творчеством в этой области современных авторов и напоминают о многих удивительных особенностях жизни и истории Поднебесной.

НАТАЛЬЯ ГИНДЕС (GNG)

Тот широкий диапазон жанров и техник, который обычно демонстрирует в выставках Наталья Гиндес раскрывает не только характер художника, но и ее творческий потенциал. Ее работы в каждой экспозиции — это всегда неожиданность. Это, в некотором смысле сюрприз для зрителя. Невозможно заранее предугадать в каком художественным амплуа мы увидим ее творения на новом вернисаже. Например, серия «Мифы и песок» — это попытка с помощью нетрадиционных материалов, придающих архаичность изображению, передать колорит древних историй, но с таким же успехом Наталья легко заглядывает в будущее, в ее пейзажах зачастую отражены футуристические фантазии. Даже те произведения Натальи, которые передают реальность, всегда фантазийны. И по тому разнообразию стилей и жанров, в которых работает Наталья Гиндес видно насколько она сама получает удовольствие от своего вдохновения. Насколько ей нравится следовать по непростому, но очень интересному, захватывающему пути творческих поисков и делиться с нами своими открытиями.

О художнике:
Наталья Гиндес. Творческий псевдоним GNG.
Имеет два высших образования. Работала психологом. Представитель интеллектуально-философской интеллигенции.
GNG не просто приоткрывает зрителям дверь в свой особенный мир, а распахивает эту дверь настежь, затрагивая культурные и моральные ценности.
Картины GNG живут, говоря о психологии и причинах, которые толкают людей к разрушающим, опустошающим действиям или наоборот, вдохновляют на взлет.
За экспрессивностью, провокацией, таинственностью, всегда стоят глубокие рассуждения о близких и основополагающих для каждого человека категориях добра и зла, о любви.
GNG считает, что искусство дарит возможность избавления от предрассудков и зажатости, являясь инструментом для исследования и совершенствования себя и мира.

Фото Сергея Погорелого

Фото Сергея Погорелого

СЕРГЕЙ ПОГОРЕЛЫЙ

Сергей Погорелый создает фантастический мир реальных образов с помощью компьютера. В его коллажах фрагменты жизни складываются в парадоксальные картины некой реальности, наполненной новыми смыслами и ассоциациями. Один из самых прекрасных образов, часто используемых в таких декоративных изображениях — орхидея. По фэн-шуй этот цветок символ любви и романтики. Его часто преподносят в качестве изысканного подарка для любимой женщины. А его присутствие или изображение охраняет семейный очаг и наполняет дом счастьем и достатком. Такие лестные определения добавляют еще большее очарование этому красивому экзотическому цветку, символизирующему также совершенство и гармонию.

О художнике:
Сергей Погорелый — цифровой художник и фотограф
В 1979 году закончил Мосстанкин (инженер-технолог) и в 1988 году с отличием Московский художественный колледж (художник-оформитель). С конца 80-х годов занимался оформлением грампластинок (а позднее и CD) на фирме “Мелодия”. В годы перестройки, являясь художником московского общества филофонистов, оформил все обложки западной рок- музыки, выходившей в СССР на фирме “Русский диск» (виниловые пластинки — LP).

В 1996-98 годах работа с театром «Кремлёвский балет» (разработка юбилейного буклета и плаката к 5-летию труппы).

В настоящее время продолжает работать в жанре кибердизайна (компьютерной графики и цифрового фотомонтажа, в недалёком прошлом классического фотомонтажа с использованием аэрографии), используя авторскую фотосъёмку и графику. Сфера разработок разнопланова.
Автор популярных статей по фотомонтажу и графическому дизайну ( Журналы: Компьюарт, Артконсул, Digital Photo, Digital Camera, CHIP). Впервые в России исследовал, описал и издал историю зарождения и развития фотомонтажных работ у нас в стране (журнал «Компьюарт», а затем «Фотомастерская»).

В 2010 году издательство «Эксмо» выпустило в свет полноцветную книгу «Секреты компьютерного дизайна» укомплектованную DVD диском с примерами авторских работ.

В 2005-08 годах работал в качестве преподавателя на кафедре дизайна в Гуманитарно-экологическом институте.
В 2009 году читал авторский курс « Фотомонтаж и кибердизайн» в Академии фотографии.

Художник  Олеся Кущенко  на фоне своих работ

Художник
Олеся Кущенко
на фоне своих работ

ОЛЕСЯ КУЩЕНКО

Художник, дизайнер, иллюстратор.
Олеся Кущенко является дипломантом выставки-конкурса «Россия — Индия. Культура миротворчества», победительницей международной выставки женского искусства «Awards Gallery» и почетным членом Союза художников Народного искусства.
Олеся Кущенко — мастер орнаментов, в который вплетены не только цветочные мотивы и растительные узоры, яркие символы, но и самые добрые пожелания автора зрителю. Ее работы призваны радовать глаз, напоминать нам о счатье, радости, добрых символах. Но вместе с тем, они и философичны. Созданные художницей образы-символы, образы-талисманы, относят нас к древним историям, мифам, в которых зашифрованы реальные события и связанные с ними художественные фантазии.
Олеся Кущенко активно участвует в московских и международных выставках художников, а также представляет свое творчество в персональных экспозициях, одна из которых была названа «Удивительный мир вокруг нас». В нее вошли работы художника, отображающие «скрытую красоту окружающего нас мира крупным планом». Это определение — одна из основных идей творчества Олеси Кущенко.

Художник  Елизавета Мазурова  на фоне своих работ

Художник
Елизавета Мазурова
на фоне своих работ

ЕЛИЗАВЕТА МАЗУРОВА

Шанхай — один из самых красивых городов мира, одновременно футуристический и хранящий древние традиции — удивительное сочетание национального колорита и современной архитектуры. В одной из работ Елизаветы Мазуровой, представленных на эту выставку, кажется, соединились эти особенности Шанхая. Мегаполис, один из самых крупных в мире, огни которого отражают не затихающую даже ночью жизнь, многолюдный, действенный, динамичный, устремленный высотками в небо, и в то же время, экзотичен для нас своей самобытной культурой и традициями. Город, где старые здания — двух- трехэтажные городские усадьбы в традиционном китайском стиле, остаются яркой особенностью шанхайской культуры. И потому за каждым из огней большого города мне видится китайский дом и чашечка чая — символ особенного настроения, переданного радостным колоритом картины. Елизавета Мазурова представила для выставки «Китайская народная графика и осмысление современными мастерами тем традиций и культуры Китая» свои работы «Youxi Terrace Fields», «Рисовые поля Йоусы», «Shanghai», «Шанхай», «Shenme yi si?» «Каково значение?». И эти три работы как бы олицетворяют сложившейся современный образ страны — близость к природе, высокие технологии и древняя мудрость.

О художнике:
Елизавета Мазурова окончила художественную школу по классу акварели. Впоследствии пересмотрела своё отношение к искусству и начала писать маслом. Являясь лингвистом по образованию, большая часть работ написана под впечатлением от прочитанной литературы и имеет подобные названия: ’42nd parallel’, ‘The sound and the fury’, ‘Umbra vitae’, ‘Germinie Lacerteux’. Немалую роль в ее творчестве сыграло путешествие в Китай. Обширное место занимает тема Азии, Китая. Изображает романтические личины сексуальности, властителей, идолопоклонников и жертв демонической природы. Даже иллюстрируя поэтические эпизоды, она драматизирует господствующий западный образ и подчинение агрессивному взгляду. Преподносит культ красоты как самодовлеющую ценность, часто идущую наряду с эстетизацией греха и порока, двойственными переживаниями, антипатией к жизни и искусным наслаждением ею.
Выставочная деятельность:
‘Vinil Mayak Art Experience’ Россия, Москва 2015г.
‘Songzhuang Art Community’ Китай, Пекин 2016г.
‘Forum Apokalipsis’ Россия, Москва 2016г.

Художник  Мария Сивкова  на фоне своих работ

Художник
Мария Сивкова
на фоне своих работ

МАРИЯ СИВКОВА

Мария Сивкова, художник: Весь 20 век искусство освобождалось от власти ремесла, становясь все более иллюзорным, обрастая институтами для объяснения, почему предмет не имеющий отношения к искусству, показанный в определенном месте в определенное время достоин того же внимания, как и предмет, для создания которого потребовалось огромное количество высоко художественной работы.
Тотальная свобода в выборе средств изображения окружающего мира оставляет зрителя в полном недоумении: где авангард, где арьергард, где пол, где потолок.
Художественное произведение отражает непознаваемый окружающий мир в тех иллюзорных границах, как себе представляет автор, создавая вход для других людей в свой мир или … мираж. Это шире чем подобие изображения реальному объекту. Музейная практика постоянно обращает нас к этому, заставляя отказаться от самого изысканного зрительного удовольствия – созерцания форм и цвета; главное ощущения энергии работы. Я предлагаю погрузится в мир линий, плоскостей и теней. Лучший вид искусства в этом смысле, конечно, графика- это прежде всего создание границы, четкой линии, разделяющей плоскость на пространства, на свет и тень. Осознанный отказ от цвета ради фактуры,Проявление внутренней формы предметов а не их поверности . Отказ от точности подражания ради выражения, ради эмоционального заряда. Ближе всего к этому подошло китайское искусство».

Художник  Мария Орлова  на фоне своих работ

Художник
Мария Орлова
на фоне своих работ

МАРИЯ ОРЛОВА

О художнике:
Училась живописи у В.В. Токаревой и С.Е. Токарева на художественно-графическом факультете МГПИ. В 1995 вступила в IFA (International Federation of Artists), принимала участие в выставках. Наряду со станковой живописью и графикой всегда много времени уделяла работе в театре (сценография, костюмы, афиши), журнальной и книжной графике. С 2010 участвовала в работе художественной группы Recept Art.
(1995 — спектакль «ГОЛОС» («Но лучше мне говорить») –
Режиссер И.Пехович
ТЕАТР НА ТАГАНКЕ — сценография, костюмы, афиша
1996 -спектакль «ВЕЛИКИЙ УТЕШИТЕЛЬ» — режиссер И. Пехович, ТЕАТР НА ТАГАНКЕ – сценография, костюмы, афиша
1997 -моноспектакль «ЖЕНЩИНА В СТИЛЕ ОСЕНЬ» режиссер Е.Ласкавая – сценография, костюм
1999 — спектакль «ЖИЗНЬ ЕСТЬ ТОВАР НАВЫНОС» режиссер И. Пехович
1996 – 1999
Участие в качестве художника в телепроектах и производстве рекламных роликов
Оформление книг
Участие в российских и зарубежных выставках
2002- 2006 — Статьи и иллюстрации в периодических изданиях
журнал «ЭСТЕТ»
журнал «НАВИГАТОР ЮВЕЛИРНОЙ ТОРГОВЛИ»
журнал «КОТОРЫЙ ЧАС»
2003-2010 -спектакли Московского театра-студии МосГУ (режиссёр И.Пехович, руководитель В.Золотухин)
«МОЦАРТ И САЛЬЕРИ»
«ГАМЛЕТ»
«ПРОЩАНИЕ В ИЮНЕ», а также другие проекты).

Художник  Константин Малютин

Художник
Константин Малютин

КОНСТАНТИН МАЛЮТИН

Констанин Малютин — мастер линии, придающей его рисункам особенный стиль и роднящей его живопись с китайской. Художника волнует эмоциональное, душевное состояние изображаемых предметов больше, чем передача деталей. В Поднебесной такой подход называли стилем «грубой кисти» (стиль «сеи»), хотя определение грубый здесь идет в разрез с тонкостью оттенков настроения, передаваемых в сюжете. Имеется в виду, что в этом случае, кисть быстра и спонтанна. И это является также общим, сближающим картины Малютина и китайское искусство — именно в стиле «сеи» работали художники, писавшие экспромтом, экспрессивно. В картинах Константина Малютина также хорошо видна экспрессия его кисти.

О художнике:
Константин Малютин родился в 1970 году в Москве. В 1984 году закончил художественную школу. Учился в МТХТУ и МШХР. В составе археологических экспедиций работал на Кавказе и в Средней Азии. С 1988 по 1992 г. жил и работал в Таллинне (Эстония). Участвовал в региональных выставках. С 1993 года живёт в Москве. С 1997 по 2000 г. работал в мастерской комбината монументально-декоративного искусства (художественная обработка металла). Работы автора находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.
2013 г.- Участник 5 Московской биеннале современного искусства
2013 г. – Выставка в МСХ
2014 г.—Персональная выставка в галерее Brusov Art Space

ЗУРАБ ПАЧУЛИЯ

Художник Зураб Пачулия в этой выставке представил свою работу, посвященную Востоку. Художника всегда интересовала философия восточных стран, культура и духовные поиски. Особенный интерес для него представляет концепция «осознанности», которую художник интерпретирует как ключ к творческому преображению жизни и мира.
Художник Зураб Пачулия автор художественного проекта «Мы вместе», в котором по традиции принимают участие мастера из стран бывшего советского пространства, стал инициатором экспозиции «Весенние аккорды» в здании Дипломатической Академии. Эта выставка представляет работы художников, работающих в разных техниках и жанрах, суть творчества которых – отражение вечных ценностей в лирических сюжетах.
Художники всегда являлись послами мира. Искусство, отражающее традиции народов, красоту мироздания и лучшие чувства – объединяет людей. Долгие годы Галерея Зураба Пачулии была расположена в павильоне №2 на территории ВВЦ напротив фонтана «Дружба народов». Гостеприимный и доброжелательный человек, талантливый художник Зураб Пачулия дружен со многими мастерами из разных стран бывшего советского пространства, с большинством из которых познакомился еще в эпоху Всесоюзных выставок. «Мы вместе и сегодня, — говорит Зураб, — художники, музыканты, поэты, объединенные общим устремлением — приумножить прекрасное в мире, сделать его светлее. Где бы на земле не находились наши художественные студии, огромная земля и небо над головой, природа — наша большая творческая мастерская — одна для всех, предназначенная для того, чтобы творить добро и красоту, все лучшее для души человечества!»

Александра Загряжская "Китайский натюрморт"

Александра Загряжская
«Китайский натюрморт»

АЛЕКСАНДРА ЗАГРЯЖСКАЯ

О китайском натюрморте Александры Загряжской: «В традиции дзен приглашение «Выпей чашку чая» – это не только выражение гостеприимства, это способ сказать что-то очень важное, приглашение поразмышлять. Во время чаепития человек никуда не торопится, может сосредоточиться на вкусе, на красоте чайной чашки, раскрывшихся листьев в ней, на своем внутреннем состоянии, и в таком медитативном настроении найти озарение или душевный покой. Чай — лучший способ увидеть реальность в новом свете, сохраняя чистое сознание».
Александра Загряжская

Живет и работает в Москве.
Член Творческого Союза Художников России, член-корреспондент Академии Российской словесности,
Действительный член Академии Народного искусства,
Кавалер Пушкинской медали Академии Российской словесности «Ревнителю просвещения»,
Кавалер Золотой медали Творческого Союза художников России за вклад в отечественное искусство,
фотохудожник, тележурналист, редактор информационных сайтов об искусстве и художественной жизни АРТ-РЕЛИЗ.РФ и «Галерея «Александр» (www.alex-gallery.ru)
автор телепрограмм «Художественный салон» (о мастерах изобразительного искусства и выдающихся произведениях) и «Круг интересов» (телекомпания «ВКТ»)
Участник художественно-образовательного проекта «Тайна рождения картины» галереи «Дом Кулинич», Института им. В.Сурикова и Государственной Третьяковской галереи (в качестве автора документального фильма о ходе и сути проекта)
организатор авторского проекта «Семья художника», включающего экспозиции, создание очерков, фото- и видеорепортажей о художественных династиях Москвы
участник более 40 выставок, в том числе международных (АртМАНЕЖ, Вторая Ассамблея Фонда «Русский мир», Биеннале Современного искусства в Санта Северине, ЦДХ, Музеон) и персональных (в Московской Городской Думе и в галерее «Колорит»)
участник художественного проекта «Мы вместе», представляющего произведения мастеров из разных стран и посвященного теме «Дружба народов» и единства мировых культур.

Виктор Пензин Президент Академии Народного искусства София Загряжская  куратор выставки Сергей Юрков  Председатель  Московского отделения Союза Художников РАНИ Вернисаж выставки "Китайская графика и осмысление современными художниками тем традиций и культуры Китая"

Виктор Пензин
Президент Академии Народного искусства
София Загряжская
куратор выставки
Сергей Юрков
Председатель
Московского отделения Союза Художников РАНИ
Вернисаж выставки
«Китайская графика и осмысление современными художниками тем традиций и культуры Китая»

Вручение удостоверения члена Московского отделения Союза Художников РАНИ художнику Сергею Москвитину

Вручение удостоверения члена Московского отделения Союза Художников РАНИ
художнику
Сергею Москвитину


Моллах Парвеж  участник и соорганизатор мероприятия в Творческой Мастерской Рябичевых

Моллах Парвеж
участник и соорганизатор мероприятия
в Творческой Мастерской Рябичевых

Кафе-ресторан "Маугли"  предоставил угощение на открытие выставки, главным блюдом которого стал чай масала со специями

Кафе-ресторан «Маугли»
предоставил угощение на открытие выставки, главным блюдом которого стал чай масала со специями

Алла Абсалямова и Александра Загряжская Участники мероприятия в Творческой Мастерской Рябичевых

Алла Абсалямова и Александра Загряжская
участники мероприятия
в Творческой Мастерской Рябичевых

Жанна Булгакова гость мероприятия  у работ Алексея Лоптева (скульптура) и Риммы Юсуповой (живопись по шелку) в Творческой Мастерской Рябичевых

Жанна Булгакова
гость мероприятия
у работ Алексея Лоптева (скульптура) и Риммы Юсуповой (живопись по шелку)
в Творческой Мастерской Рябичевых

Ирэна Усова и Марат Кадышев гости мероприятия в Творческой Мастерской Рябичевых

Ирэна Усова и Марат Кадышев
гости мероприятия
в Творческой Мастерской Рябичевых

Римма Юсупова с сыном Андреем (слева)  и с друзьями

Римма Юсупова
с сыном Андреем (слева)
и с друзьями

Катарина Сакс участник мероприятия  в Твочреской Мастерской Рябичевых

Катарина Сакс
участник мероприятия
в Твочреской Мастерской Рябичевых

Омар Годинес гость мероприятия

Омар Годинес
гость мероприятия

Ирэна Усова и Марат Кадышев -- гости мероприятия с участником выставки Натали Рахлиной

Ирэна Усова и Марат Кадышев — гости мероприятия с участником выставки Натали Рахлиной

Художник Марат Кадышев знакомит со своими живописными работами гостей Творческой Мастерской Рябичевых

Художник Марат Кадышев
знакомит со своими живописными работами гостей Творческой Мастерской Рябичевых

Галерея ARTSTORY. Выставочный проект «ДМИТРИЙ ИКОННИКОВ. ПОЛЕТ В ВОСХОДЯЩЕМ ПОТОКЕ». Живопись и графика. С 1 февраля до 19 марта 2017 года. Адрес: МОСКВА, СТАРОПИМЕНОВСКИЙ переулок, дом 14

Дмитрий Иконников. "Петр и Андрей рыбу ловят, Фома помогает"  2016 г.  холст, акрил 130х170

Дмитрий Иконников. «Петр и Андрей рыбу ловят, Фома помогает» 2016 г.
холст, акрил
130х170

Галерея ARTSTORY представляет выставочный проект
«Дмитрий Иконников.
Полёт в восходящем потоке»
Живопись и графика
1 февраля – 19 марта 2017
Вернисаж: 31 января 19.00 по приглашениями и аккредитации

ГАЛЕРЕЯ ARTSTORY Москва, Старопименовский пер., д. 14  (м. «Тверская», «Маяковская»)  телефон: 8 495 650 13 43 сайт: www.art-story.com

ГАЛЕРЕЯ ARTSTORY
Москва, Старопименовский пер., д. 14
(м. «Тверская», «Маяковская»)
телефон: 8 495 650 13 43 сайт: www.art-story.com

Выставочный проект Дмитрия Иконникова «Полёт в восходящем потоке» пройдёт в галерее ARTSTORY с 1 февраля по 19 марта 2017г. Центральную часть экспозиции составят произведения, сделанные за последние два года, многие из них подготовлены специально к этой персональной выставке. Большой блок включает живопись художника середины 1990-х – начала 2000 гг., кроме того, будут показаны и совсем ранние, юношеские работы мастера – ещё конца 1960-х гг.

Автор на протяжении всей жизни обращается к сериям «Город: вход со двора», «Среда обитания», которые он показывает не только в художественном, но и литературно-эссеистическом воплощении. Сразу стоит отметить, что в рамках выставочного проекта в свет выйдет книга, включающая не только изобразительный ряд, но и литературные тексты, стихи Дмитрия Иконникова. Как говорит сам автор: «Это записки про жизнь, про работу, про всё впечатления, которые есть и остаются у меня в памяти, и где всё абсолютно взаимосвязано».

Выставить работы последних лет – для художника, перенёсшего в 2014-м тяжёлую болезнь, которая заставила его пересмотреть многое, – сейчас главное, чтобы доказать, что в творчестве он остаётся состоятельным, ему есть о чём говорить с собой и со зрителем.

Сложносочинённые философско-поэтические, метафорические образы живописи и прозы автор объединяет новым названием, новой идеей. «Полёт в восходящем потоке» – отнюдь не только отношение к последним работам, это «общий принцип проживания жизни». Об идее выставки и о своём жизненном принципе художник Иконников говорит так: «Пока ты можешь ощущать этот полёт, ты живёшь. Это состояние творчества, подъёма души. Как только я перестану летать – я умру…Так случилось, что болезнь трижды пыталась оторвать меня от жизни. И это ощущение прерванного полёта – самое страшное в моей жизни. Умирать не страшно. Страшно жить с ощущением, что никогда больше не войдёшь в этот поток. Но мне повезло. Сейчас мне 65. И я все ещё в восходящем потоке…».

Кстати, выставка в ARTSTORY открывается как раз в день рождения автора – 31 января.

Дмитрий Иконников никогда не стремился угодить господствующим вкусам и трендам, критике и публике, но всегда находился в диалоге с художественной традицией. Его сюжетные и фигуративные композиции вполне «умещаются» в вечные жанры – пейзаж, портрет, натюрморт… Не так часто сегодня можно видеть живопись, которая обращается к зрителю на пластическом языке, равно классическом и современном.

Верный своему образованию графика – художник окончил графический факультет Московского государственного художественного института им. В.И. Сурикова, – Иконников

многие работы делает на бумаге. Это касается и масштабных произведений, а также эскизов и рисунков, которые также будут представлены в рамках проекта. Кстати, Иконников – один из немногих художников, у которых зарисовки являются не подготовительными, а самодостаточными произведениями.

Художник использует авторскую технику, а для создания фактуры нередко «включает» в свои произведения разные материалы и рельефные пасты. Возникает тонкая игра с просвечивающими поверхностями, с разнообразной фактурой, напоминающей, как пишут о нём искусствоведы, то естественные неровности оштукатуренной стены, то зеркальную поверхность воды, то плотно утрамбованный песок пляжа. Иногда кажется, что перед вами – фрагменты неких никогда не виданных росписей на стенах непостроенных зданий.

Иконников никогда не отгораживается от своих персонажей, а причисляет себя к ним, участвуя в их «историях», будь то тяжёлые заполярные будни («Жизнь за полярным кругом», 1990) или лёгкие отражения в венецианских каналах («Отражение, 2012; «Моя Италия» 2015). А ещё «Петр и Андрей рыбу ловят, Фома помогает» (2016), «Сидящие» (1998), «Бражники» (2002), «Сон» (2015), «Странник» (2006), «Это все рок-н-ролл» (2002) и многие другие работы, в которых автор нередко провоцирует зрителей увидеть в привычных вещах символические смыслы. Сумеют ли зрители понять и «прочесть» его архетипические порой подтексты и ассоциации, покажет и новый персональный проект мастера «Полёт в восходящем потоке».

***

Дмитрий Иконников родился 31 января 1952 года в Мурманске. С 1969, после окончания средней школы, работал художником-исполнителем в монументальном цехе Московского областного комбината художественных работ. В 1972-1976 – учился в Московском государственном педагогическом институте им. В.И. Ленина на художественно-графическом факультете. В 1981 – окончил Московский государственный художественный институт им. В.И. Сурикова. В 1989 – участвовал в морском походе на рыболовецких ботах по Белому и Баренцеву морям, впечатления от которого послужили основой для цикла работ «Жизнь за полярным кругом». Иконников является автором иллюстраций к книгам П.Бажова «Чугунная бабушка», Джанни Родари «Джельсомино в стране лжецов», В.Шукшина «Охота жить», А.Афанасьева «Не любо – не слушай». Член Международного художественного фонда и Союза художников России. Член-корреспондент Российской Академии Художеств. С 1974 принял участие более чем в 150 выставках в стране и за рубежом, среди них 24 персональных. Произведения Дмитрия Иконникова находятся в собраниях Московского музея современного искусства, Национальной галереи «Корея» (Сеул, Южная Корея), Национальном музее современного искусства (Астана, Казахстан), в частных коллекциях России, Швеции, Германии, Дании, Ирландии, США, Японии, Южной Кореи, Италии, Франции.

ГАЛЕРЕЯ ARTSTORY: Москва, Старопименовский пер., д. 14 (м. «Тверская», «Маяковская»). Тел. 8 495 650 13 43 Сайт: www.art-story.com
Ежедневно, кроме понедельника, с 12.00 до 20.00. Вход свободный.
Вход на открытие выставки – по приглашениям и аккредитации.

КОНТАКТЫ ДЛЯ СМИ: 8 916 674 11 69, artstorypr@gmail.com

Дмитрий Иконников "Отражение"  2012 г.  бумага, авторская техника 120х80

Дмитрий Иконников
«Отражение»
2012 г.
бумага, авторская техника
120х80

Дмитрий Иконников  "Большое пиво. Воскресенье"    2001 г.  бумага, гуашь  110х120

Дмитрий Иконников
«Большое пиво. Воскресенье»
2001 г.
бумага, гуашь
110х120

Дмитрий Иконников "Это все рок-н-ролл"   2002 г.  бумага, гуашь  110х120

Дмитрий Иконников
«Это все рок-н-ролл»
2002 г.
бумага, гуашь
110х120

Дмитрий Иконников " Моя Италия"  2015 г.  бумага, соус  160х120

Дмитрий Иконников
«Моя Италия»
2015 г.
бумага, соус
160х120

Дмитрий Иконников "Триптих Дамы и кавалеры"   2016 г.  оргалит, смешанная техника  130х470

Дмитрий Иконников «Триптих Дамы и кавалеры»
2016 г.
оргалит, смешанная техника
130х470

Дмитрий Иконников "Сидящие"    1998 г.  бумага, гуашь   100х80

Дмитрий Иконников
«Сидящие»
1998 г.
бумага, гуашь
100х80

АННА ЧАРИНА. Выставка «ПРОВИНЦИЯ МОСКВА». АLPERT GALLERY. С 10 до 24 февраля 2017 года. Адрес: МОСКВА, улица КРАСНОКАЗАРМЕННАЯ, дом 3

Анна Чарина Арт-Релиз.РФ
Анна Чарина
Выставка «Провинция Москва»
10 – 24 февраля 2017 года
Alpert Gallery, Москва, Красноказарменная улица, д. 3
Открытие – 11 февраля 2017 года, 16-00
Вход свободный

«…Слава прабабушек томных, домики старой Москвы…»
Марина Цветаева

Alpert Gallery представляет выставку Анны Чариной, известного московского художника, работающего в жанре городского пейзажа. Художник рассказывает о своей Москве: тихой, пустынной, часто плачущей — под летним ливнем или мокрым снегом. Эта Москва очищена от столичного лоска, это не мегаполис, не третий Рим. Это настоящая провинция. В городе, созданном художником, уютно, здесь чувствуешь, что не нужно спешить и суетиться потому что ты дома – и на колченогой скамейке в пустынном дворе, и в скверике среди старых тополей и берез, и в квартире на первом этаже: где горячи батареи, где пахнет смородиновым вареньем и на подоконнике дремлет толстый кот, а рядом в мерцающем сумраке горят пунцовые гроздья над пряничным домиком.

Благодаря глубокой детализации и уникальной «акварельной» технике Анна Чарина создает необыкновенные холсты, призрачные и, в то же время чрезвычайно экспрессивные, заставляющие зрителя замирать в восхищении перед такой знакомой и незнакомой Москвой.

В экспозиции представлены более 20 работ, написанных автором за последние пять лет. Познакомиться с художником можно на открытии, которое состоится в Alpert Gallery 11 февраля 2017 года, в 16-00 (Москва, Красноказарменная улица, д.3).

***
Анна Чарина родилась в Москве в 1975 году, окончила детскую художественную школу №1, художественный факультет Московского государственного университета печати. Член Творческого союза художников России, Профессионального союза художников, Международного художественного фонда.
На счету автора около 20 персональных выставок в Москве. Работы художника находятся в частных и галерейных коллекциях в России, США, Канады, Германии, Китая и других стран.
Живет и работает в Москве, занимается станковой живописью и графикой.

Галерея ВЕЛУМ представляет выставочный проект «АРЕФЬЕВЦЫ И МИТЬКИ. СЕМЬЯ ШАГИНЫХ В НЕОФИЦИАЛЬНОМ ИСКУССТВЕ». Со 2 до 18 февраля 2017 года. Центр дизайна ARTPLAY, Малый выставочный зал. Адрес: Москва, улица СИРОМЯТНИЧЕСКАЯ, дом 10

Галерея «Веллум» представляет выставочный проект

«Арефьевцы и Митьки. Семья Шагиных в неофициальном искусстве»

2–18 февраля 2017

Открытие 1 февраля в 19:00

Центр дизайна ARTPLAY / Малый выставочный зал
Москва, ул. Нижняя Сыромятническая, 10

Основу экспозиции составили более 200 работ семьи Шагиных — классиков советского нонконформизма: Владимира Шагина, Натальи Жилиной и Дмитрия Шагина.

Один из блоков выставочного проекта включит работы членов легендарной группы «Митьки» — Андрея Филиппова, Василия Флоренского, Василия Голубева, Андрея Кузнецова, Татьяны Шагиной и др.

Выставка показывает творческую жизнь типичной семьи ленинградских интеллигентов, все представители которой были и являются художниками.

Владимир Шагин "Катание на лодках"  1974 г.

Владимир Шагин
«Катание на лодках»
1974 г.

Первое поколение семьи — Владимир Шагин (1932–1999) и Наталья Жилина (1934–2005) — входили в «арефьевский круг», группу ленинградских художников, в послевоенные годы продолжавших традиции русского авангарда; их считают предтечами нонконформистов 1960-х.

Второе поколение — Дмитрий Шагин (1957), «главный митёк» страны; его имя получило движение и группа «Митьки». Как всякое яркое и талантливое явление, «Митьки» имеют свои истоки, их творческая система выросла из принципов «арефьевского круга» и всей ленинградской школы живописи. Переосмысливая, добавляя собственные изобразительные средства, художники-митьки с успехом решали не только задачи чистого искусства, но и создали целую мифологию. Именно они явились отражением существования для целого поколения «дворников и сторожей», идущих вслед за ними интеллектуалов или пытающихся быть интеллектуалами, «несогласных», тех, кому на рубеже 1980–90-х годов было по двадцать и для которых Гребенщиков в музыке и Шагин в живописи стали, как теперь говорят, «иконами».
Подробнее о проекте и его участниках читайте на сайте Галереи «Веллум».

Дмитрий Шагин "Ты фитилек-то прикрути — коптит!" 2014 г.

Дмитрий Шагин
«Ты фитилек-то прикрути — коптит!»
2014 г.

В экспозиции также будут представлены фото- и видеоматериалы, на которых запечатлена жизнь двух поколений ленинградских художников.

На вернисаже 1 февраля в 19:00 — концерт!

В программе:

Группа «ОтЗвуки Му» с Александром Липницким. Солисты — Галя Босая и Вера Сажина;

Группа «Гроздья виноградовы» с Германом Виноградовым;

Группа «Футбол» Сергея Рыженко;

а также Дмитрий Шагин исполнит «митьковские» песни.

Вход свободный!

Организатор проекта — Галерея «Веллум»: тел.: +7 (985) 776–33–31 www.vellum.ru.

Место проведения выставки: Центр дизайна ARTPLAY / Малый выставочный зал, Москва, ул. Нижняя Сыромятническая, 10. www.artplay.ru.

Часы работы выставки: с 11:00 до 21:00 ежедневно. Вход свободный.

Галерея «Веллум»

Галерея «KABINETT» (БЕРЛИН) представляет выставку «ГАЛИНА ДУЛЬКИНА – UPDATE ON RUSSIAN AVANTGARDE»

Boris

Выставка ГАЛИНА ДУЛЬКИНА – UPDATE ON RUSSIAN AVANTGARDE открывает серию выставок галереи KABINETT в 2017 году. Все наши события этого будут так или иначе связаны со столетием 1917 года – с русским авангардом, русскими театральными сезонами, творчеством художников русского зарубежья и пр.

Русский авангард, возникший и исчезнувший в новой России за несколько коротких революционных лет, в значительной степени определил на многие годы дальнейшее развитие мирового искусства. Спустя сто лет мы продолжаем изучать и исследовать этот феномен, авангард продолжает проявляться в современном искусстве в новых формах.

Галина Дулькина – молодой скульптор-фарфорист, чьи работы уже находятся в крупнейших частных собраниях России и Западной Европы. Галина – член ТСХР, награждена золотой медалью ТСХР, дипломант РАХ. Высокое признание среди ценителей искусства она получила благодаря редкому мастерству работы с таким сложным материалом как фарфор.

Фарфоровая скульптура требует от её создателя таланта как скульптора, выполняющего завершенную форму из фарфоровой массы, так и живописца, способного верно подобрать цвета на всех этапах обжига будущего произведения. Овладев сложной технологией, практически не изменившейся за последние 250 лет, Галина Дулькина работает в своей мастерской, где в одиночку осуществляет отливку, глазурование, роспись, обжиг, золочение и другие необходимые процессы по созданию фарфоровой скульптуры.

В своем творчестве Галина входит в диалог с выдающимися мастерами пластики Константином Бранкузи и Александром Архипенко. Стилистика ее работ отсылает зрителя к произведениям супрематистов. Развивая традиции русского авангарда и создавая свой оригинальный формат современного фарфора, Галина создает работы, балансирующие на грани фигуративной пластики и беспредметности. «Скульптуры Галины Дулькиной выглядят как манифест. Их композиция находится в бесконечном движении. Они запоминаются и узнаются в контексте любых выставок и интерьеров. И эта радость узнавания всегда сопряжена с удивлением теми новыми открытиями и идеями, которые каждый раз несут работы Галины» (М. Бурганова, доктор искусствоведения, действительный член РАХ).

На выставке ГАЛИНА ДУЛЬКИНА – UPDATE ON RUSSIAN AVANTGARDE будет представлено 35 произведений, созданных в 2004 – 2016 годах. Столь масштабная персональная выставка российского скульптора-фарфориста проводится в Германии впервые после 1917 года.

Выставка проходит с 27.01.2017 по 22.02.2017 в галерее «KABINETT». Вход свободный.

Галерея «KABINETT». Carmerstrasse 11, Berlin http://kabinett-auktion.de/ru/projects/Dulkina.html

ЛЮСЯ ВОРОНОВА. Выставка «ЗИМНИЙ САД». Галерея АРКА. С 27 января до 26 февраля 2017 года. Адрес: МОСКВА, БРЮСОВ переулок, дом 2/14, строение 2

Выставка Зимний сад Люся Воронова Арт-Релиз.РФ

Люся Воронова, художник: «Всегда начинаю с человека. Мой первый жест — человек, его состояние, его смысл. Позирующий создает мне образ. И уже дальше в его пространстве возникает фон. В каждом человеке ищу Человека. Люди очень разные, каждый — космос, загадка, неожиданность. Моя палитра в холстах: красный — Жизнь, синий — Небо, черный — Вечность, охра — золото, много золота. Все так же, как в иконе, в народной культуре и искусстве классического авангарда».
Еще Люся Воронова говорит, что всегда хотела быть художником радостным. И идя на ее выставку «Зимний сад» в галерее «Арка», вы придете именно в него — без надуманных аллегорий и отступлений. Где букеты, женщины и женщины-букеты будут сказочно и ясно смотреть вам в глаза.
Люди скучают по красоте — видимо, чтобы восполнить этот пробел, о ней все без исключения работы Люси Вороновой, даже если в них нет-нет да промелькнет ожидание или одиночество. Мир для нее похож на узор в калейдоскопе — постоянно меняющийся, но яркий, вызывающий трепет и восторг. Таковы и ее работы — ясные, плотные, графически точные и чистые, не допускающие сомнений в том, что жизнь прекрасна.
Ее работы есть и в Третьяковской галерее, и в Русском музее, и в картинных собраниях по всему миру. В 2013 году Люся Воронова стала действительным членом Академии Художеств.

Люся Воронова из цикла «Зимний сад» 2016 г.

Люся Воронова
из цикла «Зимний сад» 2016 г.

Россия, XX век. Революция и искусство. Атмосфера и характер художественной жизни в начале новой эпохи.

Накануне революции 1917 года.

XX век наступил и шел беспристрастно и неумолимо своим ходом, отмечая грандиозные события, сотрясающие не просто отдельные страны, но весь мир. Европа мечтала увидеть «небо в алмазах», а сама «стояла у бездны черной на краю», самым известным олицетворением которой стал «Черный квадрат» Малевича — икона нового времени. Но вместе с тем, переломные и трагические годы стали временем расцвета искусств накануне Первой Мировой. В России так горячо любимый сегодня авангард, подаривший миру выдающихся мастеров в то время не был признан и популярен в художественной среде, визитной карточкой времени с начала века стал ар-нуво, в России известный более как модерн. Сегодня мы отчетливо понимаем, как прекрасные образы стиля, захватившего художественный и архитектурный мир контрастировали настроениям, волнениям и опасениям российских столиц — «В Петрограде — восстание!», «в Москве — революция!» Да и война не находила отражения в произведениях искусства. Тогда современники охарактеризовали атмосферу времени как «Пир во время чумы». Контрасты жизни, экономическая и политическая сумятица, будто обостряли нерв и чувственность художественной среды, активизировали проявления творческой устремленности к изображению «прекрасного», красоты мира, легкости бытия. Искусство становилось отчужденным от жизни. Но это не значит, что художники пребывали в счастливой отрешенности. Душевное беспокойство, смятение духа испытывали большинство мастеров, оставивших воспоминания и мысли о своем времени.

Мне интересно узнать как эпоха и общество влияют на становление художника, как изменяется его искусство в связи с событиями, происходящими вокруг него. Как изменяется сама художественная жизнь, в зависимости от происходящих событий.

Канун революции 17 года. В Москве и Петрограде художественная жизнь не замирает. Наоборот, выставки сменяют друг друга. Персональные и групповые различных художественных объединений — «Мир искусства», «Товарищество передвижных художественных выставок», «Союз русских художников», «Бубновый валет». Но посетителей из числа широкой публики немного и уровень критикуют. И тем не менее, такого количества выставок, как в начале 1917 года в Москве не наблюдали многие годы. После закрытия в Москве экспозиции ехали в Петроград. Характер такой художественной жизни можно было бы назвать салонным, — отмечали критики, так как наблюдали дробление мастеров на отдельные общества и кружки и считали, что солидные объединения, существовавшие десятки лет, уже не выражали основных направлений русского искусства. А любители искусства, будто охваченные лихорадкой коллекционирования, покупали, по словам свидетелей, даже то, что еще не успели повесить на выставочной площадке. Вкладывали в искусство неразборчиво, напоминали суету на бирже, а газеты пестрили отчетами с распродаж художественных произведений или писали о том, как поднялись цены на картины, в сравнении с предыдущими годами. В это время особенную популярность приобретают аукционы. Произведения искусства все больше становятся товаром, все меньше отражают время и события. Ждали выставку в Москве «Весенний салон», которая бы представила все художественные сообщества и все течения искусства. И такая особенность также указывала на депрессию в художественном мире.

Но не все одинаково относились к происходящему и оценивали свою роль в искусстве. Евгений Лансере стремился к тому, чтобы увидеть войну своими глазами, с тем, чтобы отчетливее отразить ее в творчестве (в 1914—1915 годах Лансере — военный художник-корреспондент на Кавказском фронте во время Первой мировой войны). А по словам другого выдающегося мастера Мстислава Добужинского, в его любимом городе Петербурге его как художника интересовали не столько «общепризнанные красоты, сколько детали «изнанки» — закоулки, дворы и тому подобное».

Одной из самых заметных экспозиций нового сезона 1917 года стала выставка скульптора Коненкова — мастер с первых лет творчества отличался особенной смелостью образных решений. В свое время дипломная работа скульптора «Самсон, разрывающий узы» показалась слишком революционной и по распоряжению чиновников Академии художеств была уничтожена. Так события революции 1905 года, заставшие Конёнкова в Москве помогли родится циклу портретов участников боёв на Пресне («Рабочий-боевик 1905 года Иван Чуркин»). Войне Сергей Коненков посвятил свою работу «Раненая», созданную в 1916 году. Кузьма Петров-Водкин написал в том же году «На линии огня», а Илья Репин «В атаку с сестрой», 44-ая ТПХВ, 1916 г..

Скульптор Иван Шадр, искавший пути создания монументальной реалистической скульптуры, в 1910—1930-х годах создал монументальные работы, большинство которых были посвящены преимущественно жертвам Первой мировой войны. Накануне революции он создает проект «Памятника Мировому страданию» (1916 г.), который позднее преобразовался в ещё более грандиозный проект «Памятника человечеству».

Вера Мухина в это время создает композицию «Пьета» (также 1916 г.), в которой изобразила мать, оплакивающую своего сына, погибшего на войне. Примечательно, что женщина одета как сестра милосердия, и этот образ неслучаен. Во время войны Вера Мухина работала сестрой в одном из московских госпиталей и на себе испытала все тяготы военного времени.

Чуть забегая вперед, скажем, что Вера Мухина одним из первых советских ваятелей начала работать над образами новых героев — борцов Октябрьской революции.
Скульптор Сергей Меркуров также в первые годы советской власти начал выполнять заказы нового государства. Из монографии «История советского искусства», изданного в 1965 году Научно-исследовательским институтом теории и истории изобразительных искусств и Академией художеств СССР известно мнение, что в царской России творчество мастера не находило признания, и лишь Октябрьская революция сделала его востребованным и известным. Но Меркуров и не жил в России до 1907 года, учась сначала в Швейцарии в Цюрихском университете, затем в Мюнхенской Академии и как скульптор он формировался в Париже, испытывая влияние француза О. Родена и бельгийца К. Менье, что нашло отражение в его собственных работах. В Москве Меркуров начал работать только в 1910 году. Когда в апреле 1918 года советской властью был принят декрет «О памятниках республики», а чуть позднее утвержден список имён исторических деятелей, монументы которых надлежало установить в городах России, в мастерской Меркурова уже стояли две готовые гранитные композиции из этого списка — Ф. М. Достоевского, выполненная в 1914 году по заказу миллионера Шарова, и Л. Н. Толстого, выполненная в 1912 году.

Надо заметить, что печатная графика этого сложного для страны предреволюционного периода отличалась особенным «патриотизмом», когда художники пытались изобразить фронтовой быт Первой Мировой как идиллическую картину, иллюстрируя подвиги и романтический героизм в нехарактерных для ужасных реалий войны иллюстрациях. Их публиковали журналы «Нива», «Искры», «Огонек». Но художники, побывавшие на фронте, склонялись к тому, что их миссией является изображение реальных картин войны, рождающих отношение к ней, как к ужаснейшей катастрофе, возбуждающее возмущение и протест. Но таких работ было немного. Тем более ценны они как памятники выдающихся мастеров своему времени, актуальные и сегодня, непревзойденные в оценке художником эпохи.

Революции, 1917 год.
«А какое счастье нам выпало в жизни. Все еще не верится… Какое счастье» — пишет «главный провозвестника соцреализма» (по Вольфу) Илья Репин о свершившейся революции, как и многие художники, воспринявший с энтузиазмом происходящее событие. Это еще февральская революция. Октябрьская только близится. Но художники уже встали перед необходимостью поисков путей взаимоотношений с новой властью. Возлагали надежды на проект создания Министерства изящных искусств, которое бы решало вопросы художественной жизни и содействовало развитию искусства.

В Петрограде работает «Союз деятелей искусств». Мастера мечтают о создании Всероссийского союза деятелей искусств.
В Москве роль союза, объединяющего всех деятелей изобразительного искусства, исполнял Совет художественных организаций Москвы, в который входили члены разных объединений, в том числе «Союза русских художников» и «Бубнового валета» — в президиуме Коровин, Лентулов, Машков, Якулов, Мильман, Павлинов, Васнецов.

Начинается новая художественная жизнь в сложнейшей обстановке, с новыми ориентирами, эталонами, идеологией. «Тыл победил династию, фронт победит врага» — это журнал «Искры» разместил иллюстрацию политической обстановки художника Мартынова. Огромную роль в то время играет искусство плаката, печатной графики. Художественная агитация — оружие, говорящее языком образов и лозунгов. Искусство обретает новые черты и особенности, выходит на улицы, вливается в общественную жизнь, откликается на события времени, становится более театрализованным.

Именно тогда, после февральской, могло начаться время идеологических государственных заказов, когда возросла бы актуальность, например, всероссийских конкурсов, популяризирующих достижения революции. Но мастера еще не были к этому готовы, да и время не способствовало творческому подъему. До октябрьской революции немногие планы художественной жизни страны удалось реализовать. Пока наметилось направление — искусство обращалось к массам, при газете «Правда» возникло «Общество пролетарский искусств», но созданные новой властью общества и союзы были разрознены, и их несогласие в общих вопросах не позволяло вести практическую деятельность или очень усложняло ее. Накануне октябрьской революции наступила «художественная разруха». Была создана комиссия по охране памятников, с целью сохранить художественные достояния, не дать возможность их вывоза за границу.

Многие художники начали иначе оценивать события, энтузиазм и эйфория от перемен прошли. Некоторые, как Александр Бенуа стремятся оградится от «назревающей войны классов», жить только в лоне искусства. Но уже на следующий день после взятия «Зимнего Дворца» к Александру Бенуа большевики пришли с заданием по ограждению и сохранению художественных сокровищ. (Позднее в 1918 г. Бенуа возглавил Картинную галерею Эрмитажа, издал её новый каталог, продолжал работу как книжный и театральный художник и режиссер, в частности работал над постановкой и оформлением спектаклей БДТ).

После революции. Новая художественная жизнь.

Новая власть решала вопросы объединения представителей искусства и творчества и культурная жизнь Москвы и Петербурга вновь оживилась. В газете «Правда» возникает отдел политической картикатуры, выходят новые сатирические журналы. В Москве появляется «Кафе поэтов». Но выставочная жизнь по-прежнему тиха и неприметна. В появившийся «Газете футуристов» в 1918 году появляется «Декрет № 1! о демократизации искусства. Образной иллюстрацией намерений является лозунг «Искусство принадлежит народу». Начинается эпоха журнальной графики, монументальной скульптуры, плаката, декоративного искусства, начинается деятельность Пролеткульта — массовой культурно-просветительской и литературно-художественной организации пролетарской самодеятельности при Наркомате просвещения, существовавшей с 1917 по 1932 год.

Разрушалась некая элитарность искусства, оно было призвано стать демократичным, народным, доступным для понимания. Вместе с тем, оно становилось социальным заказом, средства пропаганды. Но также революция открыла массам широ­кие возможности для приобщения к искусству и творчеству. Все более демократичным становился состав читателей, зрителей, слушателей, да и самих творцов, художников.

Период с 1917 года по 1921 год — время рождения и первых шагов советского изобразительного искусства. Создавались первые государственные учреждения искусств. Новое искусство отражало реалистически советскую действительность, было неразрывно связано с народом, выражало идеи революции. В этот период были созданы первые произведения и станковой живописи и графики, проникнутые пафосом строительства новой жизни. Рождалось искусство социалистического реализма, главенствующего впоследствии долгие годы и единственного признанного официальным направлением.

Несколько позднее появляется Ассоциация художников революции, стимулом для создания которой послужила речь, произнесённая Павлом Радимовым, последним главой Товарищества передвижников на последней, 47-й выставке товарищества, проходившей в 1922 году в Доме работников просвещения и искусств в Леонтьевском переулке в Москве. Эта речь на закрытии выставки называлась «Об отражении быта в искусстве» и ставила реализм поздних передвижников в образец для воплощения «сегодняшнего дня: быта Красной Армии, быта рабочих, крестьянства, деятелей революции и героев труда, понятный народным массам».

Ассоциация художников революции — крупное объединение советских художников, графиков и скульпторов, являвшееся благодаря поддержке государства, самой многочисленной и мощной из творческих групп 1920-х годов. Основана в 1922 году, распущена в 1932 и явилась предтечей единого Союза художников СССР.

Должно ли искусство быть понятным? красивым? правдоподобным? Должно ли искусство отражать действительность? Должно ли искусство отражать время и характер эпохи? На эти основные вопросы искусства возможно найти ответ, рассматривая роль художников в государственной и общественной жизни, их взаимоотношения с властью и взаимоотношения между собой, между союзами и объединениями. Полагаю, что деятельность художника, несмотря на то, что профессию его принято называть «свободной», его успех и продвижение творчества зависят от многих внешних обстоятельств, среди которых общественное признание играет не последнюю роль, но далеко не главную, как показывают время и история искусств. Вместе с тем, можно сказать, что если на формирование художника как мастера и его творческий путь внешние обстоятельства влияют в меньшей степени, то художественная жизнь, культура популяризации искусства среди широкой публики полностью зависит от государственных и общественных установок.

Даниэла Рябичева

SHANTI в МОСКВЕ. Ресторан, чайная комната, клуб, галерея. Адрес: МОСКВА, МЯСНИЦКИЙ проезд, дом 2/1

SHANTI в МОСКВЕ  Ресторан, чайная комната, клуб, галерея Адрес: МОСКВА, МЯСНИЦКИЙ проезд, дом 2/1

SHANTI в МОСКВЕ
Ресторан, чайная комната, клуб, галерея
Адрес: МОСКВА, МЯСНИЦКИЙ проезд, дом 2/1

Shanti — первый паназиатский клуб и ресторан в Москве. Уютный уголок экзотического мира посреди мегаполиса. Чувство равновесия здесь царит во всем — начиная от оформления залов, спокойной музыки, атмосферы, и, в первую очередь, вкуса сложных блюд. Здесь готовят то, что, практически ни в каких других московских ресторанах паназиатской кухни не попробовать. Важная деталь кухни Shanti, считают ее специалисты, — это сразу целая группа блюд карри на одной тарелке: ароматный суп и сытное горячее, которое вкусно есть с рисом или индийскими лепешками. Проверенные временем хиты – нем коны с камчатским крабом, тигровыми креветками, овощами и кунжутом, нем коны с уткой и маринованными овощами; нем раны с тигровыми креветками и кальмарами; супы том ям и том ям кун; черный дал с гарам масалой и шамбалой; тикка масала из цыпленка с лепешкой наан и др.

Шанти (фото 16) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 17) АРТ-Релиз.РФ

В Shanti Green готовят «живой» шоколад из необработанной перуанской какао-пудры, какао-масла первого холодного отжима и нерафинированного пальмового сахара или меда.
Shanti Tea Lounge предлагает жёлтые, белые, зелёные, улуны, красные и чёрные виды чая.

Шанти (фото 9) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 10) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 11) АРТ-Релиз.РФ

В чайной комнате предусмотрен любой формат обстановки— европейские столики для деловых встреч, уютные ниши для романтиков, комфортные татами. Способы приготовления разнообразны – от простых чаепитий ( например, Теа роt) до завораживающих чайных церемоний – например, Гун Фу Ча (ритуал, помогающий достичь гармонии духа и тела) или варка методом Лу Юя (объединение трёх элементов, дошедшее до нас из VIII века).
Информацию о наличии сортов, их свойствах и истории можно получить или уточнить, как на месте, так и по телефону +7 (495) 783-68-68

Особенная достопримечательность — Галерея Shanti. Ее здесь называют уникальной коллекцией артефактов восточной культуры. Этот ресторан, своего рода ресторан-музей, где можно увидеть подлинные предметы антикварной мебели и декоративного искусства. Все, что здесь собрано, представляет собой лучшие образцы тибетской культуры.

Бивень мамонта - древнейший из известных материалов, используемый  человеком для художественного самовыражения. Акцент галереи на эксклюзивных произведениях искусства, созданных талантливыми и самобытными художниками. Каждый образ, воплощенный в бивне мамонта имеет свое настроение и стиль.

Бивень мамонта — древнейший из известных материалов, используемый
человеком для художественного самовыражения. Акцент галереи на эксклюзивных произведениях искусства, созданных талантливыми и самобытными художниками. Каждый образ, воплощенный в бивне мамонта имеет свое настроение и стиль.

Здесь также представлены коллекции современных мастеров, создающих украшения с драгоценными камнями, амулеты, сила которых направлена на достижение гармонии.

Тибетские, непальские, бутанские благовония, представленные в галерее, создаются по рецептам Древнего Востока из целебных трав, корней, минералов и драгоценных металлов.
В галерее «Шанти» проходят выставки, лекции, семинары.

Галерея открыта ежедневно
с 17:00 до 23:00 с воскресенья по четверг
и с 17:00 до 24:00 в пятницу и в субботу
Интересующие Вас вопросы можно задать по телефону: +7 906 057 98 87

Шанти (фото 26) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 24) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 11) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 12) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 13) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 14) АРТ-Релиз.РФ

ШАнти (фото 20) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 21) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 22) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 23) Будды АРТ-Релиз.РФ

Шанти АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 2) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 4) АРТ-Релиз.РФ

Шанти (фото 5) АРТ-Релиз.РФ

МАУГЛИ. Кафе, ресторан, банкетный зал, танцпол, винная карта, еда с собой, живая музыка, заказ столиков, постное меню, спортивные трансляции, проведение банкетов. Адрес: МОСКВА, улица ГАСТЕЛЛО, дом 39, +7 (495) 964‒85‒72. Рубрика ЕДА КАК ИСКУССТВО

Кафе Маугли (Фото 23) индийская кухня Арт-Релиз.РФ....

«Маугли» — московский ресторан, где можно попробовать экзотические блюда, приготовленные по особенным рецептам кухни восточных стран. Фирменные блюда здесь готовят повара, которые выросли и жили в аутентичной культуре, обучились мастерству и приехали в Москву, чтобы мы могли в полной мере, с их легкой руки, ощутить истинный вкус восточной кухни. Шеф-повар ресторана Шураж Жи знает как приготовить самые исключительные блюда национальной кухни многих стран региона.

Кафе Маугли (фото 1) индийская кухня АРТ-Релиз.РФ

Восточная кухня представляет широкий выбор выбор мясных блюд, их много и в каждой стране они готовятся с национальными особенностями. В Индии, например, в разных штатах могут быть свои рецепты приготовления. Но вегетарианские блюда особенно разнообразны. Один из основных ингредиентов южноиндийской кухни – это кокос, который используют не только для десертов, но и для приготовления соуса карри.
Также популярны тушеные овощи – бхуджиа, доса – это огромный блин с картофельной начинкой, идли – пресные рисовые лепешки.
Что касается бобовых, то они объединяют кухни и севера и юга Индии, из них готовят десятки различных полезных вегетарианских блюд с сотнями оттенков вкусов.

Кафе Маугли (фото 16) индийская кухня АРТ-Релиз.РФ

В «Маугли» непременно стоит попробовать самсу. Это разновидность пирожка с начинкой — популярное блюдо во многих странах Южной, Юго-Восточной, Центральной и Юго-Западной Азии, на Аравийском полуострове, в Средиземноморье, Северной и Южной Африке. Такая широка география отразилась на рецепте блюда, поэтому имеется множество видом самсы. Начинкой для самсы может служить приправленное луком и специями мелко нарезанное мясо, горох, чечевица, картофель и другие овощи. Тесто для самсы всегда пресное и часто слоёное. Среднеазиатская самса c мясом традиционно выпекается в тандыре, но есть и вариант самсы (обычно треугольной или квадратной формы), который готовят в электрических и газовых духовках. Приправой к самсе может служить столовый уксус или томатный соус с чесноком и зеленью.

Кафе Маугли (фото 8) индийская кухня АРТ-Релиз.РФ

Кафе Маугли (фото 9) индийская кухня АРТ-Релиз.РФ

Название ресторана «Маугли» относит нас в знакомый с детства сюжет, и, конечно, в первую очередь, ассоциируется с Индией. Интерьеры здесь дополнены живой зеленью, а предметы декора также напоминают о джунглях. В спокойной, немного таинственной атмосфере приятно выпить чашку чая или кофе.

Кафе Маугли (фото 19) индийская кухня АРТ-Релиз.РФ

По Вашему желанию для Вас зажгут ароматные палочки. Благовония не только приятны, но еще и полезны для здоровья. Самые популярные ароматы — сандал, пачули, эвкалипт. Они расслабляют, успокаивают, помогают сосредоточиться. Эти их свойства позволяют благовониям оставаться в цене издревле и до сих пор, и хотя сегодня они доступны по цене каждому, в древние времена благовония стоили также дорого как золото и специи.

Кафе Маугли (Фото 22) индийская кухня. АРТ-Релиз.РФ

Кафе Маугли (фото 13) индийская кухня АРТ-Релиз.РФ

Эстрагон -- другое название этой пряности тархун, -- используется в напитках и в приготовлении многих блюд восточной и европейской кухни.

Эстрагон — другое название этой пряности тархун, — используется в напитках и в приготовлении многих блюд восточной и европейской кухни.

«Маугли» — это кафе, ресторан, бар, банкетный зал, танцпол, винная карта, еда с собой, живая музыка, заказ столиков, постное меню, спортивные трансляции, проведение банкетов. Работает ежедневно без выходных. С 11 до 23 часов.
Адрес: МОСКВА, улица ГАСТЕЛЛО, дом 39.
Телефон: +7 (495) 964‒85‒72

Кафе Маугли (Фото 24) индийская кухня АРТ-Релиз.РФ

Кафе Маугли (Фото 25) индийская кухня

УИЛЬЯМ МОРРИС. «Любое украшение лишено пользы, если оно не напоминает о чём-либо за пределами самого себя»

Портрет Уильяма Морриса  кисти Джорджа Фредерика Уоттса  1870 г.

Портрет Уильяма Морриса
кисти Джорджа Фредерика Уоттса
1870 г.

Уильям Моррис (24 марта 1834 — 3 октября 1896) — английский поэт, прозаик, художник, издатель, социалист.
Крупнейший представитель второго поколения «прерафаэлитов», неофициальный лидер Движения искусств и ремёсел.
«Вести ниоткуда или Эпоха спокойствия» — одно из самых значительных произведений Морриса, наиболее полно отражающее его политические взгляды.
Моррис написал книгу в ответ на утопию американца Беллами «Оглядываясь назад или 2000 год», имевшую невероятную популярность у читателей и раскритикованную Моррисом.
Он родился в обеспеченной семье, учился в престижных колледжах, еще в молодости основал свой журнал «Oxford and Cambridge Magazine» в котором публиковал свои поэтические произведения и статьи по теории декоративных искусств.

Благодаря Уильяму Моррису и фирме "Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко", основанной им совместно с Бёрн-Джонсом, Россетти и Брауном, произведения прикладного искусства оказали заметное воздействие на развитие европейского дизайна во второй половине XIX века, повлияли на развитие британского эстетизма и вызвали к жизни "Движение искусств и ремёсел".

Благодаря Уильяму Моррису и фирме «Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко», основанной им совместно с Бёрн-Джонсом, Россетти и Брауном, произведения прикладного искусства оказали заметное воздействие на развитие европейского дизайна во второй половине XIX века, повлияли на развитие британского эстетизма и вызвали к жизни «Движение искусств и ремёсел».

Компания "Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко" не распалась со смертью своего основателя, а просуществовала до 1940 года, оставаясь ведущей в своей нише.

Компания «Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко» не распалась со смертью своего основателя, а просуществовала до 1940 года, оставаясь ведущей в своей нише.

В 1861 году Моррис создаёт фирму по производству предметов декоративно-прикладного искусства «Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко».
Моррис стоял у истоков современного гобелена. В его мастерских возрождалось искусство художественного ткачества, находившееся в конце XIX века в упадке из-за повсеместного распространения механического производства.
Моррис и его компаньоны стремились поднять статус дизайна на один уровень с другими видами изобразительного искусства. Изначально они делали акцент на коллективном и цеховом характере труда, взяв за образец идеализированные представления о средневековых ремесленниках. Фирма производила предметы обстановки и украшения для домашнего и церковного интерьера: изразцы, витражи, мебель, набивные ткани, ковры, обои и гобелены. Бёрн-Джонс считался главным художником, а Моррис занимался разработкой орнаментов.

До наших дней гобелены по рисункам Уильяма Морриса, созданные разными компаниями, пользуются успехом у самого широко круга любителей искусства.

До наших дней гобелены по рисункам Уильяма Морриса, созданные разными компаниями, пользуются успехом у самого широко круга любителей искусства.

На фоне гобелена  по мотивам Уильяма Морриса Образ "Великолепный век" автор София Загряжская Для коллекции нарядов и украшений, созданных в Творческой Мастерской Рябичевых 8 926 524 12 47

На фоне гобелена
по мотивам Уильяма Морриса
Образ «Великолепный век»
автор София Загряжская
Для коллекции нарядов и украшений, созданных в Творческой Мастерской Рябичевых
8 926 524 12 47