Записи с меткой ‘искусствовед’

ТАТЬЯНА ПИГАРЕВА. КЛЮЧИ К ЛЕОНАРДО. Лекция к выставке в ПАРИЖЕ. 13 ноября 2019 года с 19:30 до 21:00 в лектории ПРЯМАЯ РЕЧЬ. Адрес: МОСКВА, ЕРМОЛАЕВСКИЙ переулок, дом 25. Вход по билетам. Подробнее: +7 (495) 542 88 06

Татьяна Пигарева лекторий Прямая речь. Лекция Ключи к Леонардо Арт-Релиз.РФ

«Не считая Бога, Леонардо да Винчи – творец, о котором больше всего написано», — так отшучивался Даниэль Арасс, автор классических исследований о Леонардо, когда его засыпали вопросами о тайнах «всеобъемлющего гения», еще при жизни прозванного «Divino». 24 октября в Лувре открылась выставка, посвященная 500-летию со дня смерти да Винчи, финальный аккорд в череде юбилейных событий: 179 экспонатов, живопись, скульптура, графика.

И хотя часть шедевров в Париж не отдали, выставка уже признана эпохальной. В чем новаторство кураторов? Какие находки и открытия последних лет остались за скобками? Почему именно Леонардо оказался на пьедестале главного художника в мире, и кто смотрит на нас с его единственного автопортрета?

На лекции историка искусств Татьяны Пигарёвой, которая только что вернулась с открытия, разберем все самое главное о Леонардо да Винчи через концепцию выставки, рассмотрим главные шедевры и поговорим о тайне великого гения.

Татьяна Пигарёва — филолог-испанист, искусствовед, руководитель отдела культуры Института Сервантеса в Москве/
13 ноября с 19:30 до 21:00

Татьяна Пигарева: Ключи к Леонардо. Лекция к выставке в Париже.

Лекторий «Прямая речь»
Ермолаевский переулок, 25, Москва
Информация по тел.: +7 (495) 542 88 06

СОФИЯ АКИМОВА. Юбилейная выставка картин. Пять лет традиционной ежегодной экспозиции искусствоведа, дизайнера и художника

Автор выставки София Акимова на фоне своих работ

Автор выставки
София Акимова
на фоне своих работ

София Акимова профессиональный искусствовед и дизайнер интерьера, но по окончании Строгановки она также серьезно обратилась к живописи, как к отдельной самостоятельной сфере своего творчества. И вот, что из этого вышло — каждый год друзья и коллеги ждут ставшей традиционной выставки ее новых работ. Это событие наглядно иллюстрирует как растет молодой художник, как утверждается в выбранном пути, как ищет и находит новое в искусстве. Картины Софии привлекают собственным взглядом художника, живой палитрой, умением видеть то, что непременно трогает сердце. Каждая новая выставка отражает новые темы, представляет новые циклы работ, но всех их объединяет общее — ностальгия по прекрасному.

София Акимова выставка работ Арт-Релиз.РФ

София Акимова, выставка

Этой осенью состоялась юбилейная выставка картин Софии Акимовой. За пять лет пройден долгий путь — от осознания своего предназначения в сфере живописи до участия в выставочных проектах в России и за рубежом. О вдохновении, импульсах и художественном развитии — в нашем коротком интервью с современным художником в преддверии большой публикации готовящейся статьи о творчестве Софии.

София Акимова, картины, выставки

Арт-Релиз.РФ — София, с чего начался Ваш путь как художника?
София Акимова — Я с самого детства твёрдо знала, что буду художником, однако по мере взросления это желание ушло на второй план. Живопись больше рассматривала как средство, когда обучалась искусствоведению, дизайну. Однако, сейчас приоритеты поменялись.
АР — Получается, годы были потрачены на освоение этих профессий. Сожалеете?
София — Ничуть. Очень объёмный синтез знаний, навыков получился, здорово мне это сейчас помогает.
АР — Глядя на Ваши работы, написанные за минувший год, прослеживается много различных техник, материалов, жанров. С чем связано такое многообразие подходов? Это поиск своего стиля?
София — Это и есть живой процесс, эксперимент. Невыносимо делать одно и то же. Я никогда не знаю, что и как буду писать завтра.
АР — Что есть живопись для Вас?
София — Инструмент самопознания и индивидуального чувствования жизни.

София Акимова, выставка, картины

София Акимова, выставка картин

Встреча с правнуком ЕВГЕНИЯ ЛАНСЕРЕ искусствоведом и автором монографий ПАВЛОМ ПАВЛИНОВЫМ в АРМЯНСКОМ МУЗЕЕ МОСКВЫ. 11 октября 2019 года в 19 часов. Адрес: МОСКВА, Проспект МИРА, дом 33 корпус 1

Евгений Лансере, Павел Павлинов Арт-Релиз.РФ

Евгений Евгеньевич Лансере (1875-1946) из легендарной художественной династии Лансере-Бенуа, брат Зинаиды Серебряковой, член объединения «Мир искусства», был не только одаренным живописцем и книжным графиком, он обладал талантом исследователя-этнографа, страстно влюбленного в Кавказ и посвятившего ему 17 лет своей жизни.
События этого периода по дневниковым записям и документам семейного архива восстановил искусствовед Павел Павлинов. Итогом его исследования стала книга «Евгений Лансере. Кавказ. Искусство и путешествия». В этом альбоме впервые публикуются все картины Евгения Лансере кавказского периода (с 1917 по 1934 год), разошедшиеся по музеям и частным собраниям. Одна из глав книги посвящена Армении.

Армения и Кавказ глазами художника Евгения Лансере.
Организаторы: Армянский музей Москвы и культуры наций и издательство «Слово».
Начало 11 октября в 19:00.
Адрес: Москва, Проспект Мира, д. 33, корп. 1.

Павел Павлинов Арт-Релиз.РФ

В ШКОЛЕ №1231 имени В.Д.ПОЛЕНОВА установлен скульптурный бюст работы СТЕПАНА МОКРОУСОВА-ГУЛЬЕЛЬМИ. На открытии побывала эксперт-искусствовед ЕЛЕНА САДЫКОВА

Арбатские новости. Скульптурный бюст художника Василия Дмитриевича Поленова установлен в школе 1231 им. В.Д. Поленова.

Скульптор Степан Мокроусов бюст Василия Дмитриевича Поленова

Скульптор
Степан Мокроусов
бюст Василия Дмитриевича Поленова

К 175-летнему юбилею Василия Дмитриевича Поленова! Бюст живописца работы скульптора Степана Мокроусова-Гульельми установлен в школе 1231 им. В.Д. Поленова.

Скульптор Степан Мокроусов, автор бюста Василия Дмитриевича Поленова  директор школы Виктория Викторовна Тиунова  искусствовед Елена Садыкова

Скульптор Степан Мокроусов, автор бюста Василия Дмитриевича Поленова
директор школы Виктория Викторовна Тиунова
искусствовед Елена Садыкова

Важное событие, приуроченное ко дню рождения Василия Дмитриевича Поленова, состоялось 20 июня 2019 года в районе Арбат. Событие приурочено к 175-летнему юбилею известного живописца.
Школа 1231 им. В.Д. Поленова – это одна из старейших школ Москвы, перешагнувшая 80-летний юбилей. Она славится добрыми традициями, широтой международных связей и художественных горизонтов, углубленным изучением иностранных языков, высокой культурой общения, которую педагоги прививают ученикам.

Степан Мокроусов-Гульельми. Бюст Поленова.....Арт-Релиз.РФ

Общеобразовательная школа была основана в далеком 1936 году в одном из уголков Арбата, в Спасопесковском переулке. С 1961 года школа № 12 получила статус специальной, с углубленным изучением французского языка.
Само расположение школы связало ее незримыми нитями с выдающимся русским художником, передвижником Василием Дмитриевичем Поленовым. Здание школы находится на том месте, которое Поленов запечатлел на своей знаменитой картине «Московский дворик» (1878, Третьяковская галерея). Храм Спаса Преображения на Песках белокаменный, с шатровой колокольней, является одним из образцов русского зодчества 17 столетия. Восстановленный после пребывания в нем студии Союзмультфильм храм Спаса на Песках, виден на картине, а ныне находится прямо напротив здания школы. В свое время школьники внесли лепту в восстановления этого храма. Ныне храм является одним из наиболее любимых и почитаемых жителями Арбата и москвичами.
При директоре Татьяне Александровне Маркевич (годы директорства 1958-1973) школа установила тесные связи с музеем-заповедником В.Д. Поленова. Ученики двенадцатой спецшколы традиционно проходили летние практики в Музее-заповеднике В.Д. Поленова на реке Оке. Практики проходили весело и задорно, ученики проводили экскурсии в залах музея. Важным этапом, связавшим спецшколу № 12 с именем Василия Дмитриевича Поленова, стало присвоение его имени школе.
В свое время в школе училась родная правнучка художника Наталья Федоровна Поленова, ныне являющаяся директором музея-заповедника. Выпускников школы, среди которых многие известные дипломаты, художники, писатели, искусствоведы, ученые, связывает содружество.
После Перестройки школа получила новый номер – 1231, и сейчас включает комплекс образовательных учреждений: в Спасопесковском переулке, Большом Афанасьевском переулке, на Пречистенке и др.
И вот новый этап, наглядно воплотивший это многолетнее содружество в произведении искусства – дар скульптора Степана Владимировича Мокроусова-Гульельми.
Скульптурный бюст В.Д. Поленова, установленный в холле первого этажа здания школы в Спасопесковском переулке, символизирует те нити, которые связывают тесным образом школу 1231 с Поленовым, как благодаря самому расположению школы в историческом месте, так и дружбе с Музеем-заповедником выдающегося живописца.

В школе №1231 перед открытием бюста Василию Дмитриевичу Поленову работы скульптора  Степана Мокроусова-Гульельми

В школе №1231 перед открытием бюста Василию Дмитриевичу Поленову
работы скульптора
Степана Мокроусова-Гульельми

Степан Мокроусов-Гульельми – известный российский скульптор. Автор скульптурных портретов и монументальных памятников, установленных в России и за рубежом, хранитель классических традиций.
Ведущую творческую тему составляют скульптурные портреты, посвященные русским деятелям культуры, историческим личностям, героям Великой Отечественной войны. Скульптуры и памятники Мокроусова-Гульельми украшают Нью-Йорк, Флоренцию, шотландский Эрлстон, Санкт-Петербург, Димитровград, и, конечно же, Москву, где он принимал участие в возрождении Храма Христа Спасителя.
В своем творчестве автор продолжает лучшие традиции русской скульптурной школы, ведущей свое начало от основоположника русской портретной скульптуры Федота Шубина.
Бюст Василия Дмитриевича Поленова, принесенный в дар школе, обладает художественной и коллекционной ценностью. Поленов представлен в «полторы натуры». Автор придал скульптурному образу характерность. Произведение не только достоверно передает портретные черты выдающегося живописца-передвижника, но и выражает полноту душевных движений. Образ, созданный Степаном Мокроусовым-Гульельми, имеет мажорное звучание, выполнен с высоким профессиональным мастерством.
Необходимо отметить, что Василий Дмитриевич Поленов является известным живописцем и просветителем. Усадьба художника на берегу реки Оки в свое время стала истинным центром просвещения. Художник открыл две школы в окрестностях усадьбы, проповедовал идеи труда на примере собственной семьи.
Прекрасны живописные картины Поленова, но не менее важен вклад, который художник внес в развитие образования.
На торжественной церемонии открытия выступили директор школы 1231 им. В.Д. Поленова Виктория Викторовна Тиунова, сам скульптор, ветераны, присутствовали и искусствоведы. Церемония прошла в теплой обстановке.
По словам Степана Мокроусова-Гульельми «картина «Московский дворик» Поленова – это картина, которая с детства для многих очень близка». Скульптор отметил, что он «счастлив, что Виктория Викторовна, директор школы, предложила идею создания бюста Поленова».
Необходимо отметить, что скульптора и Поленовскую школу связывает теплая дружба и сотрудничество. Несколько лет назад скульптор принес в дар школе бюст Гоголя. Это событие было приурочено к 200-летнему юбилею автора «Мертвых душ».
Несомненно, что принесенный в дар С.В. Мокроусовым-Гульельми бюст Поленова обрел достойное место экспонирования в Школе 1231 им. В.Д. Поленова. Здесь он будет являться символом просветительской деятельности выдающегося живописца, радовать взор учеников, преподавательского состава и гостей школы, ставшей одним из исконных символов района Арбат.
Данное событие является достойным продолжением исконно русской традиции меценатства и сотрудничества русских мастеров искусства с образовательными учреждениями, заложенной в эпоху Демидова, Левицкого и других персонажей, составивших гордость российской истории.

Елена Садыкова
кандидат искусствоведения
эксперт-искусствовед

Историк искусства, эксперт-икусствовед ЕЛЕНА САДЫКОВА приглашает присоединиться к ее авторскому проекту ДОКЛАДИЗО

Елена Садыкова  ведущая и автор интернет-проекта: кандидат искусствоведения, доцент кафедры ИЗО ГИТИС, эксперт по культурным ценностям Минкультуры России, автор научных трудов

Елена Садыкова
ведущая и автор интернет-проекта: кандидат искусствоведения, доцент кафедры ИЗО ГИТИС, эксперт по культурным ценностям Минкультуры России, автор научных трудов

Елена Садыкова, историк искусства, эксперт-искусствовед:

«Дорогие друзья, художники и искусствоведы, преподаватели и студенты!
В своей экспертной практике, в первую очередь связанной с международными перевозками произведений искусства, я регулярно общаюсь с авторами прекрасных художественных произведений: художниками, графиками и скульпторами, совсем молодыми и маститыми мастерами.
Не менее ярким является общение и с замечательными коллекционерами, владельцами собраний современного и старинного искусства. Преподавательский опыт в ведущем театральном вузе страны ГИТИСе также открывает передо мной широкие горизонты. С любознательными и талантливыми студентами мы изучаем различные этапы истории мирового искусства и посещаем заповедные уголки столицы, культурные проекты.
Для того, чтобы объединить этот богатый художественный и жизненный опыт в единое коммуникационное пространство мной был разработан ряд проектов, но самым успешным с точки зрения доступности и восприятия оказалось интернет-пространство.
Я приглашаю всех неравнодушных к изобразительному искусству в его различных проявлениях друзей присоединиться к моему проекту.
Вместе мы можем следить за новостями на арт-пространтсве, делиться впечатлениями от путешествий и прогулок, посещений выставок и мастерских, рассказывать о своих новых картинах, скульптурах, статьях и книгах и многом другом, что входит в границы культурного пространства.
Докладизо – это универсальное понятие, включающее в себя многообразие культурного и природного достояния.
В настоящее время я веду рубрику #докладизо в двух социальных сетиях: на Фейсбуке и Инстаграме. Присоединяйтесь!»

Подписывайтесь на хэштег #докладизо и следите за новостями.
Публикуйте свои фото и видеозарисовки, помечая их хэштегом #докладизо.
Контакты для связи: sadeke@yandex.ru 8-985-762-98-26
Facebook Elena Sadykova
Instagram @izosadykova
#докладизо

НИКОЛАЙ КОСТРОМИТИН. Иллюстрации к повести «ЖИЗНЬ ИДИОТА» АКУТАГАВЫ РЮНОСКЭ. ВЫСТАВКА В ГАЛЕРЕЕ СВЕТЛАНЫ САЖИНОЙ. На выставке побывала эксперт-искусствовед ЕЛЕНА САДЫКОВА

Художник  Николай Костромитин иллюстрации  к произведению  Рюноскэ Акутагавы "Жизнь идиота" выставка  в Галерее Светланы Сажиной

Художник
Николай Костромитин
иллюстрации
к произведению
Рюноскэ Акутагавы
«Жизнь идиота»
выставка
в Галерее Светланы Сажиной

Николай Костромитин относится к избранному числу московских художников, нашедших собственную нишу в карнавале столичной художественной жизни. Творчество столичного мастера представляет собой неспешный диалог автора с различными культурами, прежде всего с миром Востока, результат которого предстает на живописных полотнах и на листах графики.
По примеру мастеров прошлого, Николая Рериха, Поля Гогена и многих других, созвучных ему по духу художников, он много путешествовал, провел не один день в Индии, Камбодже, Вьетнаме, Тайланде и других азиатских странах. Прочувствовал их художественную культуру изнутри, что не могло не сказаться на его полотнах.
Тонкое восприятие мира, благородство эмоций и внутреннего строя отличают склад личности Николая Костромитина. Художественное дарование мастера выражается в красочных образах, пейзажах, портретах и натюрмортах, обладающих внешней привлекательностью и внутренней гармонией. Как отметил искусствовед Никита Иванов, «художником в полном и окончательном смысле этого слова становится не тот, кто получил основательное художественное образование, ведет активную выставочную жизнь, и даже успешно продает свои работы, а тот, кто что-то нашел, открыл, постоянно совершенствует заветную тему, собственный стиль, выразительный язык искусства» /«Юный художник», 10-2018, с. 38/. В полной мере, эти слова относятся к творчеству Николая Костромитина, который утвердился в найденном им стиле, однако не стоит на месте, а предлагает на суд зрителя новые темы и сюжеты.
Новый виток творческого пути Николая Костромитина составила серия графических работ по мотивам повести японского писателя Акутагавы Рюноскэ «Жизнь идиота». Эти иллюстрации расширили его границы познания мастеров культуры Востока в широком значении этого термина, включив в их ареал Японию. Необходимо отметить, что писатель Рюноскэ обладал широтой литературных горизонтов. Помимо произведений японской культуры его мир наполняли произведения Шарля Бодлера, Ницше, Стриндберга, Ибсена, Шоу и других классиков западноевропейской литературы, имена которых фигурируют в повести «Жизнь идиота» и на иллюстрациях Костромитина.
Не понаслышке Рюноскэ был знаком и с русской литературой. Он находился в творческом диалоге с Николаем Васильевичем Гоголем, Федором Михайловичем Достоевским, Антоном Павловичем Чеховым, Львом Николаевичем Толстым.
Повесть «Жизнь идиота», вдохновившая героя нашего повествования на графическую серию, написана Рюноскэ в июне 1927, опубликована посмертно. Во многом ее содержание навеяно событиями личной биографии писателя, например сумасшествием матери, описанным в новелле «Мать».
Этот японский писатель был весьма популярен в России, в том числе и в советской. Его произведения широко издавались в СССР. Пользуются популярностью у книгоиздателей и читающей публики и в наши дни. Показателем значимости Рюноскэ для русской культуры является то, что его произведения представлены в одном из томов легендарной БВЛ (Библиотеки всемирной литературы). БВЛ из двухсот томов являлась одним из главных масштабных издательских проектов Советской России, призванным представить наиболее значимые произведения художественной литературы. Посвященный Рюноске том издан под номером 129 в 1974 году. Вступительную статью о японском классике писал А. Стругацкий, а его произведения иллюстрировал Д. Бисти. Видный мастер искусства, классик книжной иллюстрации Дмитрий Бисти представил произведения Рюноске в соответствии с канонами советской книжной графики.
Учитывая значимость Рюноскэ для русской культуры, тем более интересно появление цикла иллюстраций, посвященных одному из его знаковых произведений «Жизнь идиота». Графические листы Николая Костромитина представляют собой вдохновенные
произведения, написанные на одном дыхании. В них читаются традиции восточной, в том числе и японской, изобразительной культуры. Им присущи четкость линии, особое фронтальное построение композиции, яркие цветовые решения.
Следует напомнить о том, какое колоссальное значение для западноевропейской культуры эпохи импрессионизма и модерна имело творчество японского графика и гравера Хокусая и других японских художников укиё-э. Прошедшая не так давно в стенах ГМИИ им. А.С. Пушкина выставка японских мастеров искусства «Шедевры живописи и гравюры эпохи Эдо» подтвердила актуальность этой традиции для нашей эпохи. Однако подобно своим предшественникам эпохи рубежа 19-20 веков, художник далек от того, чтобы имитировать в своем творчестве японскую традицию или же подражать ей. Листы графической серии «Жизнь идиота» открывают глубокое знание ее автором японского изобразительного искусства, понимание его канонов. При этом художник самостоятелен в своих экспериментах, которые приводят к весьма результативному итогу. Японское же искусство служит подспудной точкой отправления в плавание по страницам повести.
По словам самого Николая Костромитина, он достаточно спонтанно увлекся этим произведением и полностью погрузился в него. Иллюстрации соответствуют так называемым «микроновеллам» «Жизни идиота» – «Эпоха», «Мать», «Семья» и так далее.
На костромитинских иллюстрациях ярко и звучно предстают страницы повести. Фактически иллюстративный ряд перерастает саму функцию дополнить литературное произведение визуальным рядом. Графические картины не иллюстрируют, а продолжают повесть в красочном мире, воплощают в цвете описанные японцем образы. В них повесть «Жизнь идиота» без преувеличения обрела вторую жизнь.
Так, например, необычайно точным является попадание в образ микроновеллы «Брак», где у писателя фигурируют бледно-желтые нарциссы. Притягательность художественного образа иллюстрации, в котором доминируют эти соцветия, весьма велика. Можно отметить, что каждая иллюстрация удачна, имеет собственное художественное значение, независимо от других частей цикла и литературного подтекста.
Очевидно, что художник не ставил задачи проиллюстрировать повесть, цикл не является заказным. Удивительным образом, эта повесть, написанная в Японии почти столетие назад, оказалась созвучна внутреннему настрою художника, что привело к прекрасному результату.
Вот, что рассказывает о работе над циклом «Жизнь идиота» сам автор иллюстраций, Николай Костромитин: «Я почувствовал пограничное состояние автора (Рюноскэ), не зная его истории, и того, что он в итоге покончил жизнь самоубийством. Почти два месяца и жил чужой жизнью, перечитывал строки и «смотрел» тихий, ровный фильм, а вернее зарисовки душевных состояний, понятных мне. Я не задумывался о том, что и как у меня получится, просто брал очередной лист бумаги и краски и изображал то, что чувствовал и видел в этом увлекательном путешествии в мир чужих эмоций, которые на время стали моими».
Всего в течение непродолжительного времени автором было создано 50 иллюстраций. С точки зрения художественного воплощения иллюстрации Костромитина отличает композиционная точность и цветовая выразительность, наличие оригинальной изобразительной идеи. Особо важным фактом является то, что иллюстрации были созданы более десяти лет назад, однако долгое время пролежали в папке, ожидая своего часа быть представленными публике. Впервые были экспонированы публике лишь в июне 2019 года в Брюсовом переулке в галерее Светланы Сажиной. На выставке представлена лишь часть цикла иллюстраций Николая Костромитина к повести Акутагавы Рюноскэ. Хочется надеяться, что они увидят свет в художественном издании «Жизни идиота» бумажного формата, а также будут представлены и на других выставочных проектах.
Елена Садыкова
эксперт-искусствовед
кандидат искусствоведения

Художник  Николай Костромитин иллюстрации  к произведению  Рюноскэ Акутагавы "Жизнь идиота" выставка  в Галерее Светланы Сажиной

Художник
Николай Костромитин
иллюстрации
к произведению
Рюноскэ Акутагавы
«Жизнь идиота»
выставка
в Галерее Светланы Сажиной

Николай Костромитин иллюстрации к Рюноскэ Агутагава Арт-Релиза.РФ

Николай Костромитин иллюстрации Арт-Релиз.РФ

Николай Костромитин.. Арт-Релиз.РФ

АНАСТАСИЯ ДАНИЛОЧКИНА представляет мастер-класс по созданию авторских монотипий в свой мастерской

Анонс-приглашение от Анастасии Данилочкиной

Ведущая и автор курса: Анастасия Данилочкина (к.ф.н., преподаватель истории, теории искусства и Эстетики; художник, дизайнер одежды). мастер-класс в Студии: «Суп жизни».

Ведущая и автор курса: Анастасия Данилочкина (к.ф.н., преподаватель истории, теории искусства и Эстетики; художник, дизайнер одежды).
мастер-класс в Студии: «Суп жизни».

Анастасия Данилочкина, дизайнер, художник, искусствовед: «Друзья, коллеги, дизайнеры! В своей Студии я собираюсь проводить цикл мастер-классов по созданию монотипий. То есть, я постараюсь рассказать вам и показать на практике то, чем я занимаюсь професссионально вот уже на протяжении 15 лет.
А также передать некоторые навыки и поделиться тем, что мне удалось достичь на этом попроще.
Вместе с практикой, я проведу и несколько лекций, поделюсь с вами своим опытом участия в выставках, тем как и где мне удалось применить эти работы в дизайне, сотрудничая с западными компаниями и прочее.
А поскольку эта разновидность техники относится к «аква-монотипии», то назовем этот цикл «Суп жизни».
Всё зарождается в воде! Чтобы создать «аква-произведение» требуется не только краска и вода, но и нечто большее.
Это увлекательный творческий эксперимент, химическая лаборатория, в которой можно понять процесс и загадку мироздания — зарождение жизни. Поскольку «раскрашивая» воду, мы неминуемо становимся таким свидетелем.
Каждая «аква-монотипия» — это победа над красочным беспорядком и утверждение некой эстетичекой формы: монотипии очень ассоциативны и рассчитаны на эстетическую интерпретацию.
Этим мы и попробуем с вами заняться. У каждого будет возможность создать свою уникальную работу».

Все необходимые материалы для мастер-класса участникам будут предоставлены. Студия находится по адресу:
Фрязевская улица, дом 13 (ст.м. Новогиреево).

Можно работать с группой от 2х человек. Наши рабочие материалы: масляная краска, бумага, картон, холст.
Контакты для связи: danilochkinanastya@yandex.ru, 89851762145

ПОСТКОНСТРУКТИВИЗМ: CОВЕТСКИЙ ВЗГЛЯД НА АР-ДЕКО. Лекция искусствоведа АННЫ ВИЗЕЛЬМАН состоится 23 января 2019 года в 19.30 Адрес: МОСКВА, улица ПЕТРОВКА, дом 26, стр. 7. Лекторий АРТ и ФАКТ. Запись на лекцию Контакт: +7 926 622 73 51

Ар-деко Постконструктивизм Арт-Релиз.РФ

Вскоре после победы Октябрьской революции в архитектуре Советской России доминирующим направлением становится бескомпромиссный отказ от классического наследия. Велению времени были вынуждены подчиниться все советские архитекторы, включая признанных неоклассицистов. В авангардном стиле были созданы настоящие шедевры, намного опередившие свою эпоху. Но в начале 1930-х происходит перелом – конструктивизм подвергается жестокой травле, под давлением властей архитекторы начинают поиски стиля «социалистического реализма». В этот момент, обратившись к спасительной классике, советские зодчие неожиданно попадают в мировой архитектурный тренд: в Европе и Америке переживает бум новое направление – декоративное и монументальное ар-деко, активно использующее классические элементы. Эта «классическая брутальность» как нельзя больше подходила для нового периода в советской архитектуре. На лекции мы рассмотрим архитектуру «второй пятилетки», за короткий период – 1932-1937 гг. — оставившую немало выдающихся памятников.
Искусствовед Анна Визельман
Лекция 23 января 2019 года
в 19:30
Адрес: Москва, улица Петровка, дом 26, строение 7
Лекторий Арт и Факт
Контакт: +7 926 622 73 51
стоимость лекции 1000 ₽
количество мест ограничено

О лекторе: Анна Визельман историк-архивист, искусствовед. Закончила РГГУ — факультет архивного дела и факультет истории искусства. Занимается изучением творчества И.В. Жолтовского. Сферой научных интересов является также история европейской архитектуры от Античности до эпохи Возрождения.

Коллекция СОФИИ ЗАГРЯЖСКОЙ. Винтажные украшения известных дизайнеров. История происхождения видов ювелирных изделий

Брошь (от фр. broche) — ювелирное изделие, прикалываемое на одежду. Обычно изготавливается из металла, часто драгоценного — золота или серебра — и украшается драгоценными камнями или эмалевыми вставками. Как правило, брошь используется только в качестве украшения, однако она может нести и утилитарную функцию — например, застёжки.

1928 Jewelry Брошь  Винтаж Коллекция  София Загряжская  компания 1928 Jewelry получила право на эксклюзивный выпуск украшений, вдохновлённых  всемирно-популярным британским сериалом «Аббатство Даунтон». При создании коллекции в дизайне были воспроизведены подлинные детали и мотивы викторианского стиля.  Также компания приобрела право копировать музейные  украшения византийской эпохи из коллекции Ватикана

1928 Jewelry
Брошь
Винтаж
Коллекция
София Загряжская
компания 1928 Jewelry получила право на эксклюзивный выпуск украшений, вдохновлённых всемирно-популярным британским сериалом «Аббатство Даунтон». При создании коллекции в дизайне были воспроизведены подлинные детали и мотивы викторианского стиля.
Также компания приобрела право копировать музейные украшения византийской эпохи из коллекции Ватикана

Самые ранние металлические броши, появившиеся уже в бронзовом веке, имели первоначально утилитарное предназначение — скреплять одежду, например, плащ. Античные и раннесредневековые застежки, скрепляющие одежду, называются фибулы. Известны как простые фибулы без какого бы то ни было декора, так и ювелирные, выступающие не только застежкой, но и ювелирным украшением. Нередко фибулы изготавливались из золота или серебра и украшались жемчугом, драгоценными камнями, чеканными орнаментами и т.д.

Monet  Брошь Винтаж Коллекция Софии Загряжской Monet (США) — компания основана в 1928 году, существует по настоящее время. Братья Майкл и Джей Чернов, основавшие Monet, начали бизнес с изготовления позолоченных монограмм на сумочки. с 1940-х годов компания начала использовать в качестве основного металла серебро и позолоченное серебро для изготовления бижутерии. Изделия Monet ценятся за особую прочность и добротное качество исполнения. У Monet есть несколько патентов, в частности, на фирменную застёжку на цепочках, крепления на клипсах, застёжки в серьгах.

Monet
Брошь
Винтаж
Коллекция Софии Загряжской
Monet (США) — компания основана в 1928 году, существует по настоящее время. Братья Майкл и Джей Чернов, основавшие Monet, начали бизнес с изготовления позолоченных монограмм на сумочки. с 1940-х годов компания начала использовать в качестве основного металла серебро и позолоченное серебро для изготовления бижутерии. Изделия Monet ценятся за особую прочность и добротное качество исполнения. У Monet есть несколько патентов, в частности, на фирменную застёжку на цепочках, крепления на клипсах, застёжки в серьгах.

Weiss Брошь Винтаж Коллекция София Загряжская Weiss (США) — Компания существовала с 1942 по 1971 гг. Создатель бренда — ювелир Альберт Вайс, ранее работавший в Coro. Бижутерию отличало высокое качество и обильное использование австрийских кристаллов высокой прозрачности и чёткости  различных цветов, в том числе aurora borealis. Коллекционерами высоко ценятся украшения в виде насекомых. Именно Weiss впервые использовали серый горный хрусталь в украшениях. Существуют изделия Weiss без маркировки, так как компания выпускала украшения на заказ для продажи в крупных магазинах, такие украшения продавались в фирменных упаковках магазинов без указания фирмы-производителя. Пик расцвета компании — 50-е — 60-е гг. ХХ века.

Weiss
Брошь
Винтаж
Коллекция София Загряжская
Weiss (США) — Компания существовала с 1942 по 1971 гг. Создатель бренда — ювелир Альберт Вайс, ранее работавший в Coro. Бижутерию отличало высокое качество и обильное использование австрийских кристаллов высокой прозрачности и чёткости различных цветов, в том числе aurora borealis. Коллекционерами высоко ценятся украшения в виде насекомых. Именно Weiss впервые использовали серый горный хрусталь в украшениях. Существуют изделия Weiss без маркировки, так как компания выпускала украшения на заказ для продажи в крупных магазинах, такие украшения продавались в фирменных упаковках магазинов без указания фирмы-производителя. Пик расцвета компании — 50-е — 60-е гг. ХХ века.

Дизайн брошей часто менялся с течением времени.

И поэтому они могут служить хорошим хронологическим индикатором, позволяющим датировать другие археологические находки.

Утилитарная функция броши сохраняется большую часть Средневековья.

В эпоху готики кольцевидные и дисковидные фибулы сменяются аграфами, представляющими собой более сложный вид застежки.

Появление броши в современном виде — как самостоятельного украшения, несущего исключительно декоративную функцию — относится к XVII веку.

Изобретение броши приписывается французской придворной даме, маркизе де Севинье.

В эпоху барокко одежду украшали многочисленными подвесками, которые пришивались к одежде или привязывались при помощи лент.

Мадам де Севинье стала носить на корсаже брошь, состоящую из атласного банта и пришитого к нему подвеска, с таким украшением она была запечетлена на портретах.

Украшение стало очень популярным у европейских аристократок и в XVIII веке привело к появлению корсажных брошей.

Первоначально корсажные броши повторяли вид «броши Севинье» и изготавливались в форме банта с одним или несколькими, как правило, тремя, подвесками.

В XIX веке появляется многообразие брошей самых различных форм и материалов — из золота, драгоценных камней, жемчуга, эмали, слоновой кости, с использованием технологии микромозаики, глиптики, таксидермии, миниатюры и другие.

Trifari Винтаж Коллекция София Загряжская Trifari (США) - марка основана в 1918 г. эмигрировавшим из Италии Густавом Трифари — потомственным ювелиром. Компания Trifari считается одной из самых крупных фирм по производству бижутерии. Многие изделия от Trifari приравнивались по качеству исполнения и дизайну к ювелирным украшениям. Этому в немалой степени поспособствовал приглашённый ювелир Альфред Филипп, создававший бижутерию в Trifari с 1930 по 1968 гг. Ранее он работал в брендах  Cartier и Van Cleef & Arpels. Многие идеи и художественные приёмы именитых домов были адаптированы в бижутерии Trifari, что объясняло высокой качество исполнения и художественную ценность изделий. В дальнейшем качество марки и особый стиль поддерживали другие известные ювелиры, пришедшие в Trifari —  Жан Пари (1958 -1965), Андре Беф (1967 — 1979), который работал для Cartier, и Диана Лав (1971-1974). У коллекционеров пользуются высоким спросом украшения 30-40-х гг. ХХ века, а также известное изобретение Trifari — украшения Jelly Bellies (броши с крупными люцитами-кабошонами по центру композиции). Компания Trifari производит бижутерию до сих пор, хотя уже не является семейным бизнесом, бренд выкупили.

Trifari
Винтаж
Коллекция София Загряжская
Trifari (США) — марка основана в 1918 г. эмигрировавшим из Италии Густавом Трифари — потомственным ювелиром. Компания Trifari считается одной из самых крупных фирм по производству бижутерии. Многие изделия от Trifari приравнивались по качеству исполнения и дизайну к ювелирным украшениям. Этому в немалой степени поспособствовал приглашённый ювелир Альфред Филипп, создававший бижутерию в Trifari с 1930 по 1968 гг. Ранее он работал в брендах Cartier и Van Cleef & Arpels. Многие идеи и художественные приёмы именитых домов были адаптированы в бижутерии Trifari, что объясняло высокой качество исполнения и художественную ценность изделий. В дальнейшем качество марки и особый стиль поддерживали другие известные ювелиры, пришедшие в Trifari — Жан Пари (1958 -1965), Андре Беф (1967 — 1979), который работал для Cartier, и Диана Лав (1971-1974). У коллекционеров пользуются высоким спросом украшения 30-40-х гг. ХХ века, а также известное изобретение Trifari — украшения Jelly Bellies (броши с крупными люцитами-кабошонами по центру композиции).
Компания Trifari производит бижутерию до сих пор, хотя уже не является семейным бизнесом, бренд выкупили.

Trifari Брошь Винтаж Коллекция София Загряжская

Trifari
Брошь
Винтаж
Коллекция София Загряжская

Серьги, серёжки
Этимология слова по одной версии относит к древнерусскому «усерядзи», и обозначает ушные кольца.
По другой версии древнерусское слово «серУже в древней Азии 7 тысяч лет назад делали серьги. Для древних египтян и ассирийцев серьга символизировала высокое положение в социуме. Серьга в древнем Риме обличала раба. Древние греки, носившие серьги, зарабатывали себе на жизнь проституцией. Центурионы Цезаря носили кольца в сосках как знак храбрости. Богатые гречанки и состоятельные римлянки с удовольствием носили серьги с жемчугом, демонстрируя окружающим свой достаток и высокое положение. Представительницы же высшей знати предпочитали роскошь и магию более ярких и пестрых камней, выбирая для светских выходов серьги с топазами, с гранатом или с сапфиром.

Givenchy Серьги Винтаж Коллекция София Загряжская Givenchy (Франция)  — существует с 1952 г. по настоящее время. Украшения прославленного кутюрье отличают высокое качество исполнения, крупные детали, приятная тяжесть сплавов с покрытием под золото, серебро. В дизайне активно используются стразы, искусственный жемчуг, люцит.

Givenchy
Серьги
Винтаж
Коллекция София Загряжская
Givenchy (Франция) — существует с 1952 г. по настоящее время. Украшения прославленного кутюрье отличают высокое качество исполнения, крупные детали, приятная тяжесть сплавов с покрытием под золото, серебро. В дизайне активно используются стразы, искусственный жемчуг, люцит.

Среди бесчисленного множества найденных в египетских гробницах ювелирных украшений серьги из золота занимают одно из первых мест. Большой любовью серьги, золотые и серебряные, пользовались в странах Древнего Востока. Серьги с сапфирами, рубинами и изумрудами — фантазия восточных мастеров не знала границ и находила своё отражение в самых роскошных ювелирных украшениях. Серьги носили в Ассирии, Индии и Китае. Слово «sсерьга» восходит к тюркскому «syrγa» — «кольцо». Серьги буквально — «ушные подвески в виде кольца».

Miriam Haskell Серьги  Винтаж Коллекция София Загряжская Miriam Haskell (CША) — империя Мириам Хаскелл началась с 500 долларов. Кстати, по довоенным временам это была не очень маленькая сумма. Но впоследствии бизнес принес Мириам, девушке из семьи эмигрантов, славу и большие деньги. Хаскелл владела своей империей до 50-х годов, пока у нее не начались проблемы со здоровьем. Она была талантливым бизнесменом и невероятным дизайнером. Впрочем, на нее работали и другие дизайнеры. До сих пор авторство некоторых колье с клеймом Хаскелл спорно.

Miriam Haskell
Серьги
Винтаж
Коллекция София Загряжская
Miriam Haskell (CША) — империя Мириам Хаскелл началась с 500 долларов. Кстати, по довоенным временам это была не очень маленькая сумма. Но впоследствии бизнес принес Мириам, девушке из семьи эмигрантов, славу и большие деньги. Хаскелл владела своей империей до 50-х годов, пока у нее не начались проблемы со здоровьем. Она была талантливым бизнесменом и невероятным дизайнером. Впрочем, на нее работали и другие дизайнеры. До сих пор авторство некоторых колье с клеймом Хаскелл спорно.

В Средние века в Европе серьги то входили в моду, то подвергались гонениям. Например, в XIII веке католическая церковь, вооруженная религиозной догматикой, запретила изменять тело, сотворенное «по образу и подобию». Этот запрет коснулся и прокалывания ушей. Поскольку сфера влияния церкви в то время была довольно широкой, законопослушное большинство перестало носить серьги. Что до меньшинства, состоящего из пиратов, воров и цыган, то они отказываться от проколов не торопились. Причины для ношения серег у них были разные. Цыгане продевали в ухо серьгу мальчику, родившемуся после смерти предыдущего ребёнка, а также единственному сыну в семье. Воры серьгой демонстрировали бесстрашие перед церковным судом и принадлежность к социальному «дну». У пиратов серьга означала захваченный им корабль. Мореход мог надеть серьгу после того, как обогнул Мыс Горн, на котором почти круглый год стоит штормовая погода. Такой моряк имел право в портовых кабаках на одну бесплатную кружку спиртного, а также безнаказанно класть ноги на стол.

Эпоха Возрождения реабилитировала серьги и их носителей. Де-юре запрет никто не отменял, де факто опала была снята: о ней попросту забыли. На портрете французского короля Генриха III заметно, что правое его ухо украшает серьга.

Miriam Haskell Серьги  Винтаж Коллекция София Загряжская

Miriam Haskell
Серьги
Винтаж
Коллекция София Загряжская

Miriam Haskell Серьги  Винтаж Коллекция София Загряжская

Miriam Haskell
Серьги
Винтаж
Коллекция София Загряжская

До XII века витязи прокалывали себе одно ухо. В ту пору украшение называлось «одинец», а мужчина, его носивший, — «серьгач». В Древней Руси серьги были не просто украшением, по ним можно было прочитать историю и социальное положение семьи. Так, простолюдины носили серьги из меди и дерева, зажиточные торговцы могли позволить себе более дорогие серьги из серебра.
В Московском царстве от прокалывания ушей отказались. В петровскую эпоху серьги тоже не пользовались популярностью: украшения были мало видны под длинными париками. Зато серьги красовались в ушах слоев непривилегированных. Ими вовсю «щеголяли» холопы. Серьга в ухе для них была символом принадлежности хозяину. В елизаветинские времена парики стали короче и мочки придворных модников украсились серьгами.
Серьги-голубцы — в средневековой Руси, по форме напоминающие силуэт птицы или двух птиц.
Серьги-жирандоль — (от франц. girandole — бриллиантовые серьги, подвеска; канделябр; сноп водяных струй) по форме напоминающие подсвечник для нескольких свечей или фонтан в несколько струй. «В старину такое название давалось бриллиантовым серьгам с подвесками из крупных алмазов или жемчуга. В настоящее время так называют также серьги, выполненные с другими драгоценными камнями, но обязательно подобной формы».
Серьги-одинцы, двойчатки или тройчатки — в средневековой Руси. В виде прикрепленных к толстой проволочной мочке одного, двух или трех стерженьков с нанизанными на них сверлеными камнями, жемчугом, бусинами кораллов, стеклами, литыми серебряными орнаментированными цилиндриками.

Современные модные тенденции не делают различий по половому признаку, позволяя носить серьги как женщинам, так и мужчинам. Вот уже много лет не теряют своих позиций в мире моды золотые серьги с благородными камнями: серьги с цитрином, серьги с хризолитом, серьги с бриллиантами.
В настоящее время альтернативой серёг являются украшения, не требующие проколов, такие как клипсы и каффы.

Кулон — ювелирное украшение, надеваемое на шею. Разновидность подвески. Носится на цепочке или шнурке.
Распространённое со времён палеолита у многих народов мира одно из древнейших украшений (в силу простоты изготовления и удобства ношения). Первые кулоны делали из дерева, камней и костей (клыков, когтей) животных, раковин моллюсков.

Человечество широко использовало это украшение, как в ритуальных целях, так и в целях выражения своего личного места в социальной сфере. Самые разнообразные кулоны служили в качестве талисманов и амулетов. Мужчины носили коготь или клык убитого медведя, волка на шнурке из кожи как знак охотника.
С развитием культуры и технологии обработки металлов кулоны и подвески становились все изящнее и изысканнее, их стали изготовлять мастера-ювелиры из драгоценных металлов (серебро, золото), а техника обработки камней позволяла оформлять украшения разнообразными по цвету вставками.
Со Средними Веками связано возникновение именных кулонов, представляющих собой монограммы, сочетания двух букв или слов исполненные в металле. Кулоны и подвески ювелиры соединяли в целые ожерелья, из которых возникло новое проявление в ювелирном искусстве — изготовление колье.
«Двенадцать алмазных подвесок» — один из сюжетообразующих предметов в романе Александра Дюма «Три мушкетёра».

Чокер (от англ: «choker» — душитель) — короткое ожерелье, которое плотно прилегает к шее, оснащено регуляторами размера. Такое украшение имеет множество разновидностей. Чокеры изготавливаются из ракушек, дерева, кости, драгоценных металлов, драгоценных и полудрагоценных камней, кожи, пластмассы, бархата, атласа и тому подобное. Этот подвид ожерелья впервые появился в ІІ веке до нашей эры и поныне сохраняет свою популярность. Стоит отметить, что это украшение имеет глубокий подтекст, трактовка которого зависит от типа микросоциума.

Чокеры из фаянсовых бусин, датированные серединой III тыс. до н.э. и относящиеся к эпохе Древнего царства, находили на территории Египта[1][2]. Однако, по всей видимости, эта форма украшений не была распространена, так как наиболее известным типом древнеегипетских ожерелий являются оплечья из бусин и/или золота, покрывающие плечи и большую часть груди.
Считается, что первыми чокеры носили коренные жители Америки. Первая такая находка датирована II веком до н.э. и относится к цивилизации майя. У американских индейцев ожерелье-чокер являлось символом власти вождя, а также выполняло сакральную защитную функцию, выступая в качестве талисмана от злых духов. Чокеры изготавливались из костей птиц и зверей, из дерева или ракушек.
В некоторых регионах Азии (например, Мьянма) и Африки (народ ндебеле, ЮАР) с глубокой древности до настоящего времени практикуется «вытягивание шеи» при помощи узких и высоких ожерелий из множества колец. Обычай практикуется в основном в отношении женщин, начиная с детского возраста. Женщина с вытянутой шеей считается очень привлекательной для соплеменников.
В античности ошейник с медальоном являлся признаком раба. На ошейнике содержалась надпись, кому принадлежит раб, а также указывалось наказание за кражу раба или помощь ему.

Браслет (от фр. bracelet — запястье, браслет) — ювелирное изделие, надеваемое на руку, со времён палеолита, распространённое у многих народов мира.

Браслеты, в зависимости от конструкции, бывают мягкими и жёсткими.
Жёсткие браслеты могут быть:
Замкнутыми — имеют форму неразъемного кольца.
Пружинящими — имеют вид разорванного кольца.
Шарнирными — состоят из двух половинок, с одной стороны скреплены шарниром, а с другой соединяются замком.
Мягкие браслеты подразделяются на:
Глидерный браслет состоит из звеньев (глидеров) с шарнирным или пружинящим соединением.
Цепной браслет представляет собой участок цепи заданного размера.
Плетёные браслеты представляют собой ажурную конструкцию, сплетённую из тонкой металлической проволоки.
Кожаные браслеты, имеющие небольшие ремешки для фиксации на руке.
Размер браслета определяется путём измерения длины внутренней окружности и обычно колеблется от 130 до 220 мм.

В древнерусских текстах браслет назывался запястьем («то, что находится за пястьем», пясть — это тыльная сторона ладони). Также встречается название обручье («то, что опоясывает руку»). Словом наручи назывался широкий браслет, закреплявший рукава одежды.

МАРИНА ЛЕЙЗГОЛЬД. Художник, участник проекта МИХАИЛА САПОЖНИКОВА TRANE ZEN ART. Каждый понедельник в Мансарде Клуб АЛЕКСЕЯ КОЗЛОВА программа авангардного джаза. МАРОСЕЙКА, 9. Вход свободный

По уже сложившейся традиции, каждый понедельник, в 19:00, всех поклонников искусства джазовой импровизации встречает арт-директор проекта «Trane Zen Art. Avant-Garde Jazz Lab» Михаил Сапожников.
С 21:00 – открытый jam session. Приглашаются все музыканты!

Марина Лейзгольд художник Михаил Сапожников доктор физико-математических наук, профессор, историк джаза, автор проекта Trane Zen Art Cофия Загряжская искусствовед

Марина Лейзгольд
художник
Михаил Сапожников
доктор физико-математических наук, профессор, историк джаза, автор проекта Trane Zen Art
Cофия Загряжская
искусствовед

На этой фотографии, снятой до начала концерта трио Torn Boots, художник Марина Лейзгольд, автор проекта Trane Zen Art Михаил Сапожников и искусствовед София Загряжская запечатлены на фоне чистого холста. По замыслу художника, в конце программы была представлена композиция, написанная во время концерта, к созданию которой в конце вечера присоединились и музыканты. Эта акция стала продолжением музыкальной части проекта Михаила Сапожникова, представляющего каждый понедельник в Мансарде Клуба Алексея Козлова лучших джазовых музыкантов, исполняющих экспериментальный, авангардный, альтернативный джаз. Проект в стенах клуба стартовал в начале осени. В этом году к Trane Zen Art присоединились художники и поэты, дополняя джазовые концерты художественной и литературной программой, начало которой своим ярким выступлением положила Марина Лейзгольд.

Марина Лейзольд в рамках проекта Михаила Сапожникова «Trane Zen Art/ Avant-Garde Jazz Lab» и концерта Torn Boots.

О музыкантах:
Torn Boots – фри-джазовое трио в составе: Константин Сухан, труба; Антон Колосов, бас-гитара; Андрей Ким, ударные. Пара Константин Сухан и Антон Колосов участники множества разнообразных проектов – Топот Oi, Звукоизвлекатель и массе прочих коллабораций вокруг лейбла «Топот», а Андрея Кима называют русским Митчем Митчелом. Torn Boots уже выступали в рамках концерта, посвященного 90-летию Джона Колтрейна. Этим вечером коллектив представил много оригинальной музыки и закончил свое выступление, присоединившись к созданию живописной композиции Марины Лейзгольд.

О художнике:
Марина Лейзгольд куратор художественных проектов в России и за рубежом. На Фестивале Искусств во Франции получила Гран-при за проект «Игра воображения». Награждена именными часами от Министра Путей Сообщения РФ за создание студии «Экспрессия» и галереи изобразительного искусства «За мостом», Россия, Москва, 1997 год. Имеет благодарность Российской Академии Художеств за проведение мастер-классов, образовательную и научно-просветительскую деятельность.
Творчество Марины Лейзгольд характеризуется тенденцией к выражению эмоциональной характеристике образов, пейзажей, абстрактных композиций. Принципы выражения часто преобладают над изображением. Пространство и время, как форма движущейся материи, выражено в работе «Посмотри вокруг»…Речь идет об абстрактном и конкретном. Конкретное выступает, как форма и цвет…., абстрактное воспринимается образами.

Об авторе проекта Trane Zen Art:
Михаил Сапожников – доктор физико-математических наук, профессор. Историк джаза, его пропагандист и настоящий подвижник, автор блистательных переводов книг Эшли Кана «Kind of Blue. История создания шедевра Майлса Дэйвиса» (Ashley Kahn. Kind of Blue: The Making of the Miles Davis Masterpiece) и Луиса Портера «Джон Колтрейн. Жизнь и музыка» (Lewis Porter. John Coltrane: His Life and Music).

Torn Boots – фри-джазовое трио в рамках проекта Михаила Сапожникова Trane Zen Art 26 февраля 2018 года

Torn Boots – фри-джазовое трио
в рамках проекта Михаила Сапожникова
Trane Zen Art
26 февраля 2018 года

Программа Михаила Сапожникова Марина Лейзгольд пишет  Арт-Релиз.РФ

Программа Михаила Сапожникова Марина Лейзгольд пишет. Начало Арт-Релиз.РФ

Программа Михаила Сапожникова Марина Лейзгольд Арт-Релиз.РФ

Программа Михаила Сапожникова Марина Лейзгольд Женя Кове-Петрова АРт-Релиз.РФ

Torn Boots – фри-джазовое трио в рамках проекта Михаила Сапожникова Trane Zen Art 26 февраля 2018 года

Torn Boots – фри-джазовое трио
в рамках проекта Михаила Сапожникова
Trane Zen Art
26 февраля 2018 года

Программа Михаила Сапожникова зал. Арт-Релиз.РФ

Константин Сухан Torn Boots – фри-джазовое трио в рамках проекта Михаила Сапожникова Trane Zen Art 26 февраля 2018 года

Константин Сухан
Torn Boots – фри-джазовое трио
в рамках проекта Михаила Сапожникова
Trane Zen Art
26 февраля 2018 года

Программа Михаила Сапожникова Картина Марина Лейзгольд Арт-Релиз.РФ

Программа Михаила Сапожникова. Клуб, Марина Лейзгольд, София Загряжская, музыканты Арт-Релиз.РФ

Программа Михаила Сапожникова, Марина Лейзгольд, София Загряжская, музыканты на сцене Арт-Релиз.РФ

Программа Михаила Сапожникова Марина Лейзгольд и София Загряжская  Арт-Релиз.РФ

Программа Михаила Сапожникова Клуб Арт-Релиз.РФ

Программа Михаила Сапожникова зал Арт-Релиз.РФ

Программа Михаила Сапожникова С Мариной Лейзгольд и София Загряжская Арт-Релиз.РФ

Михаил Сапожников доктор физико-математических наук, профессор, историк джаза, автор проекта Trane Zen Art Cофия Загряжская искусствовед

Михаил Сапожников
доктор физико-математических наук, профессор, историк джаза, автор проекта Trane Zen Art
Cофия Загряжская
искусствовед

К созданию живописной композиции в конце вечера присоединились и музыканты.  Константин Сухан первым из коллектива взялся за кисти.

К созданию живописной композиции в конце вечера присоединились и музыканты.
Константин Сухан первым из коллектива взялся за кисти.

Программа Михаила Сапожникова Константин пишет картину Арт-Релиз.РФ

Программа Михаила Сапожникова музыканты пишут Арт-Релиз.РФ

Художник  Марина Лейзгольд на фоне совместной работы  в рамках проекта Михаила Сапожникова TRANE ZEN ART

Художник
Марина Лейзгольд
на фоне совместной работы
в рамках проекта Михаила Сапожникова
TRANE ZEN ART