ВЛАДИМИР МИГАЧЕВ. ПУСТОТА. Выставка в Галерее ARTSTORY c 27 февраля до 5 апреля 2020 года. Адрес: МОСКВА, СТАРОПИМЕНОВСКИЙ переулок, дом 14

В_Мигачев_околло_фрагмента_инсталляции_Пустота Арт-Релиз.РФ

27 февраля 2020 – 5 апреля 2020

Вернисаж: 26 февраля 19.00
Старопименовский переулок, 14

Пресс-анонс

«Я отброшен в настоящее, покинут в нем».
«Тошнота». Жан-Поль Сартр

Выставка «Владимир Мигачев. Пустота» пройдет в галерее ARTSTORY с 27 февраля по 5 апреля 2020. Часть нового проекта Владимира Мигачева составляют масштабные живописные полотна, которые давно стали своего рода визитной карточкой художника. На этот раз апокалиптические сюжеты автор разворачивает в двух живописных «пространствах» – кинозала и лесного массива. Основная же серия работ будет собрана в виде тотальной инсталляции «Пустота», давшей название всей выставке. Она включает картины, выполненные на весьма нестандартных основах – картонных коробках для строительных материалов из сетевого супермаркета. Из коробок, как пазл, складывается огромная пространственная композиция, а зрителю предлагается блуждать вдоль этих циклопических стен (размером 3 на 3,6 метра), чтобы обнаружить с оборотной стороны живописные произведения.

Владимир Мигачев: «Я в первый раз позволяю себе такую активную игру с пространством и потому очень волнуюсь. Мне хотелось, чтобы зритель стал не просто сторонним созерцателем, а погрузился бы внутрь этого пространства, внутрь этой пустоты».

Понятие «пустоты» отсылает к произведению философа-экзистенциалиста Ж.-П. Сартра «Тошнота». Цитаты из этого романа Мигачев использует в качестве сопроводительных надписей к своей инсталляции, будто граффити на уличных стенах. Пустотелые коробки отсылают к реально существующему району родного для художника Краснодара, неуютному, бессистемно застроенному, словно собранному из подручных хрупких материалов, но тем не менее живущему настоящей, реальной жизнью.

Мигачев: «Сартр для меня очень важен. Я разделяю это его состояние, которое было пережито им еще в прошлом веке, стремление вырваться из окружающей серости, найти перспективу, выйти из этого пространства. Состояние осталось, оно и сейчас во мне. Для меня это ощущение Пустоты. Я не хочу никого учить, важно просто обозначить вопросы, чтобы зритель почувствовал, что надо искать какую-то дорогу…»

Живопись впервые оказывается словно вспомогательным элементом арт-проекта Мигачева. На огромных полотнах предстают привычные для художника пейзажи, в которых толпы людей представлены намеренно не персонифицировано, со спины. Они смотрят на экран в виде слепого пятна или пустоты. Одетые в униформу, прочесывают пустынные лесные пространства. Пейзаж, написанный ярко-контрастными мазками, однозначно прочитывается как пейзаж после экологической катастрофы.

Кандидат искусствоведения, куратор, критик Кирилл Светляков в статье «Перепроизводство пустоты и реальности», опубликованной в каталоге выставки, пишет: «У некоторых критиков искусство Владимира Мигачева четко ассоциируется с традицией европейского неоэкспрессионизма, но экспрессионизм всегда предполагает не встраивание в традицию, а выламывание из нее. Для Мигачева таким выходом из себя стал выход в реальность из конвенций и мифологем ХХ века».

В своих работах Владимир Мигачев всегда использует авторскую живописную технику, применяя смешанный состав красок, включающий золу и уголь, кварцевый песок и глину, иногда даже обычную землю-чернозем, с кузбасслаком как основой. Сложная, глубокая поверхность красочного слоя делает еще более пронзительным и тонким общее образное ощущение от этих полотен. Чувство Пустоты.

***
Галерея ARTSTORY: Москва, Старопименовский пер., д. 14 (м. «Тверская», «Маяковская»). Ежедневно, кроме понедельника, с 12.00 до 20.00. Вход по билетам (200 руб.; лицам до 18 лет – 100 руб.; детям до 7 лет, пенсионерам и льготным категориям – бесплатно).
Тел. 8 (495) 650-75-54 info@art-story.com
На открытие проекта – вход по приглашениям и аккредитации.
Контакты для СМИ: 8-916-674-11-69; artstorypr@gmail.com
www.artstorygallery.art

В_Мигачев_фрагмент_инсталляции_Пустота_4 Арт-Релиз.РФ

В_Мигачев_Green_line_2019_х_акрил_130_190 Арт-Релиз.РФ

В_Мигачев_Пустота_1_2019_Х_акрил_170_210 Арт-Релиз.РФ

В_Мигачев_Пустота_2_ 2019_х_акрил_170_100 Арт-Релиз.РФ

В_Мигачев_Пятно_заполнения_2019_Х_акрил_35_50 Арт-Релиз.РФ

В_Мигачев_Населенный пункт_2019_х_акрил_40_60 Арт-Релиз.РФ

РУССКАЯ СКАЗКА. Новый масштабный выставочный проект в ТРЕТЬЯКОВСКОЙ ГАЛЕРЕЕ. Русский модерн и современное искусство. Репортаж ЕЛЕНЫ САДЫКОВОЙ

Русская сказка Фото Елена Садыкова, Третьяковская Галерея.фото 1 АРТ-РЕелиз.РФ

Новый масштабный выставочный проект, посвященный русским сказкам, запустила Третьяковская галерея. Экспозиция объединяет работы художников русского модерна, Виктора Васнецова, Михаила Врубеля, Ивана Билибина, и произведения современного искусства.

Главная тема выставки – русские сказки, фольклор, нашедшие воплощение в творчестве художников разной стилевой направленности и временного континуума от конца 19 до начала 21 века. Полное название выставки, «Русская сказка. От Васнецова до сих пор», отражает ее суть.

В русском искусстве ключевым мастером, посвятившим себя отображению сказочного мира, является Виктор Михайлович Васнецов (1848-1926). Автор блестящих сюжетных картин по мотивам русских народных сказок и фольклора, в которых жанровое начало сочетается с пейзажным мотивом, а образы сказочных героев трактованы с присущей модернистам тонкостью.

Картина Васнецова «Витязь на распутье» (1878-1881) является отправной точкой выставки, от которой посетители могут пойти тремя путями, по старинной русской сказочной традиции. Прямо пойдешь — в «Волшебный лес» попадешь. Налево пойдешь – в «Подводное царство» попадешь. Направо пойдешь – «Подземельное царство» попадешь. Имеются здесь и «перепутья», у камней которого надо снова сделать выбор по маршруту продолжения путешествия. В Подводном царстве внимание привлекает Царевна-лягушка. Центральным персонажем в Подземельном царстве стал Кощей Бессмертный.

Все три выставочные зоны, «Волшебный лес», «Подводное царство», «Подземельное царство», концептуально продуманы и выверены. Здесь представлены не просто картины, скульптуры и арт-объекты, видео-арт, а единая художественная, в данном случае, сказочная, среда, в которой гармонично существуют произведения искусства разной стилевой направленности.

Русская сказка Фото Елена Садыкова, Третьяковская Галерея.фото 3 АРТ-РЕелиз.РФ

Значимую роль в создании этого концепта сыграла работа сценографов. Архитектор, сокуратор и художник экспозиции Алексей Трегубов известен своей креативностью и новаторством. Для данной выставки вклад архитектора и художника экспозиции оказался очень весом и значим. Интерактивные объекты представила Мария Трегубова. Предваряющие вход в выставку в просторном холле второго этажа «Гуси-Лебеди» (2020) Трегубовой создают сказочное настроение у посетителей.

Внутри пространство оформлено с помощью инсталляций, имитирующих сказочный лес и царства. Картины же и другие экспонаты украшают его, размещены в нишах в стволах деревьях, других необычных местах. Таким образом, вместо привычного для выставочных проектов музейного пространства, зрители попадают в сказочную зону, анимированную первоклассными произведениями искусства. Посещение выставки превращается в увлекательное приключение, в ходе которого можно ответить на приготовленные кураторами вопросы: «Подумай, как перейти на другую сторону таинственного озера?», «Присмотрись к ожившему лесу, по которому Баба Яга несет Ивашку! Что ты видишь?». Можно и выполнить задания: «Загляни в дупло: помнишь эту девицу-красавицу?», «Сядь на пенек и послушай сказку».

Русская сказка Фото Елена Садыкова, Третьяковская Галерея.фото 4 АРТ-РЕелиз.РФ

Сказочные персонажи, пользующиеся огромной известностью в России, «Садко», «Кощей Бессмертный», «Баба-яга», «Иван-царевич», «Алёнушка», «Лель», серый волк, леший, сирены и русалки оживают на выставке в работах русских мастеров искусства.
Подобный проект, где маршрут приключений включает в себя произведения изобразительного искусства высокой художественной ценности, действительно является уникальным.

На выставке можно увидеть знаменитые картины Виктора Васнецова, обычно экспонирующиеся в Третьяковке в Лаврушинском переулке: «Три царевны подземного царства», «Царевна-лягушка», «Иван-царевич на Сером волке». Впервые эти масштабные произведения представляются в одной экспозиции.
От обилия художественных ценностей со сказочным сюжетом на выставке в буквальном смысле слова глаза разбегаются: майолики Врубеля, графика Билибина, работы Михаила Нестерова, Василия Поленова, Елены Поленовой, Ильи Репина, Натальи Гончаровой, Николая Андреева, Бориса Анисфельда. Такой широкий диапазон прославленных мастеров рубежа 19-20 веков позволяет изучить сказочные сюжеты во всей красе.
«Русская красавица» (1968) Ильи Глазунова, выполненная в смешанной технике и дереве, представляющая удивительную по красоте девицу в кокошнике, расшитом жемчугами, в деревянном резном оконце, представляет собой мостик от прошлого к современному искусству.
Оказалось, что мастера искусства наших дней освоили сюжетный мир русской сказки и фольклора ничуть не менее разнообразно, чем их предшественники столетие назад. Конечно, мастера такого масштаба как Виктор Васнецов, посвятившего свой художественный гений воплощению сказочных образов, современное искусство, пока не представило. Однако есть целый ряд художников, которые с удовольствием обращаются к этой теме и воплощают ее на концептуальном уровне. Большинство таких произведений было создано художниками в расчете на взрослую аудиторию, но язык их универсален и доступен восприятию зрителей любого возраста.

К числу таких работ относится картина «Знаешь ли ты русское искусство? Три богатыря» (2013) Дмитрия Гутова. В технике фотопечати выполнены работы Владислава Мамышева-Монро, мимо которых не пройдешь, настолько ярко и захватывающе представлены фотографические портретные образы в «билибинских» по стилю рамках: «Я ль на свете всех милее?» (1998) и «Морозко» — Марфушечка-душечка» (1998). Убедительный образ представляет собой «Царь-Птицы» (2017) Аллы Урбан. Оригинальностью отличается композиция «Ледниковый период» Дмитрия Цветкова. Невозможно не упомянуть работы Ростана Тавасиева, на протяжении многих лет трактующего тему детской игрушки в своих творениях.
Абсолютным хитом выставки обещает стать «Михал Михалыч» (2020) Марии Трегубовой, в виде меховой скульптуры огромного бурого медведя. Очевидно, эта работа была создана под проект и расположена в центральной зоне «Волшебного леса», встречая зрителей, маня их вперед, к увлекательным приключениям.
Здесь в разных царствах можно увидеть золотую рыбку, золотую метлу, смерть Кощея и много других чудесных арт-объектов. Можно согласиться с художником Михаилом Молочниковым, охарактеризовавшим выставку так: «Русская сказка… роскошная по фантазии выставка».
Произведения прошлых эпох органично вписаны в пространство, где превалирует современное искусство. Особую полнозвучность выставке добавляют объекты советского кинематографа, представившие киноработы прославленного Александра Роу. Можно увидеть и эскизы декораций Евгения Галея для фильма «Марья-искусница» (1959), видеоряд кинофильмов.

Новый жанр «выставка-путешествие» является экспериментальным для Третьяковской галереи. Западное крыло Новой Третьяковки с его обширными площадями прекрасно подходит для воплощения этого проекта.
В целом следует отметить, что выставочный проект особо интересен будет для публики, свободно владеющей языком актуального искусства. Любители этого пласта современного творчества смогут смаковать подачу произведений «гуру». Другая часть публики, не особо вникающая в современные художественные процессы, сможет открыть для себя этот значимый пласт изобразительной традиции.
По словам генерального директора Третьяковской галереи, Зельфиры Трегуловой, «выставка требует вовлеченности зрителя». Действительно, кураторы Татьяна Гетман и Иван Антонов разработали множество активностей для посетителей, включающих просмотр видеоматериалов, мультимедиа технологии, инстаграм-маски и, конечно же, выбор сказочного пути.

Елена Садыкова
Кандидат искусствоведения
Эксперт Министерства культуры России
Член ИКОМ России

Русская сказка Фото Елена Садыкова, Третьяковская Галерея.фото 2 АРТ-РЕелиз.РФ

Русская сказка Фото Елена Садыкова, Третьяковская Галерея.фото 5 АРТ-РЕелиз.РФ

Русская сказка АРТ-РЕелиз.РФ

ДАМА ИЗ ЭЛЬЧЕ. IV век до нашей эры. Самый значительный памятник иберийского искусства. НАЦИОНАЛЬНЫЙ АРХЕОЛОГИЧЕСКИЙ МУЗЕЙ, МАДРИД

Дама из Эльче  скульптура, датируемая IV веком до н. э., представляет собой каменный бюст женщины, как считают многие исследователи, полихромный (многоцветный), в богатом уборе и с необычайно сложной причёской.

Дама из Эльче
скульптура, датируемая IV веком до н. э., представляет собой каменный бюст женщины, как считают многие исследователи, полихромный (многоцветный), в богатом уборе и с необычайно сложной причёской.

Этот самый значительный памятник иберийского искусства был обнаружен в 1897 году молодым работником Мануэлем Кампельо Эсклапесом (Manuel Campello Esclapez) в частных владениях близ города Эльче Аликанте, Испания.
Через несколько недель после обнаружения артефакта его владельцы пригласили для осмотра французского археолога Pierre Paris, который признал его историческую подлинность и уведомил Лувр о необходимости срочного приобретения ценнейшего памятника. В результате скульптура была продана во Францию за весьма значительную по тем временам сумму в 4000 франков и вывезена в Париж, где её демонстрация произвела грандиозную сенсацию и открыла для учёных доселе неизвестную страницу античного искусства.

Дама из Эльче Арт-Релиз.РФ

В 1941 году французское правительство вернуло бесценный экспонат в Испанию в рамках отдельного соглашения по обмену ряда произведений искусства. После возвращения «Дамы из Эльче» на родину испанский диктатор Франко приказал поместить скульптуру в мадридском музее Прадо. В настоящее время скульптура, наряду со скульптурой Дамы из Басы, экспонируется в Национальном археологическом музее в Мадриде. Однако в Валенсии действует фонд, выступающий за её возвращение в Эльче.

Аликанте  провинция на востоке Испании в составе автономного сообщества Валенсия История Аликанте насчитывает около трёх тысяч лет. Город расположен у подножия крепости Санта-Барбара — существовавшей с времен римлян, арабов и финикийцев, некогда основавших здесь город

Аликанте
провинция на востоке Испании в составе автономного сообщества Валенсия
История Аликанте насчитывает около трёх тысяч лет. Город расположен у подножия крепости Санта-Барбара — существовавшей с времен римлян, арабов и финикийцев, некогда основавших здесь город

Реконструкция раскраски Франциско Вивеса, сделанная по результатам анализа пигментов 2005 года.
Находящееся сзади отверстие свидетельствует в пользу того, что объект мог использоваться в качестве погребальной урны. Довольно тонкое понимание скульптором канонов эллинистической скульптуры позволило некоторым исследователям предположить, что он прошёл обучение в одной из греческих колоний Западного Средиземноморья. Согласно другой точке зрения, в памятнике нашли отражение принципы пунического искусства, а изображённая женщина — не кто иная, как финикийская богиня Астарта.

В 1995 году была выдвинута гипотеза, согласно которой Дама из Эльче — подделка, изготовленная под влиянием модерна около того времени, когда она была обнаружена. Однако эта теория не получила всеобщего признания. Проведённый в 2005 году технический анализ покрытия, камня и остатков пигмента статуи показал древнюю дату изготовления и соответствие другим известным памятникам иберийской скульптуры. В 2011 году исследовательница Мария Пилар Луксан, участвовавшая в предыдущей экспертизе, проанализировала полые микрочастицы с задней части скульптуры. Электронная микроскопия и спектрометрия установила, что частицы пепла человеческих костей принадлежат иберийскому периоду, что подтвердило ее древность и ранее сделанный вывод, что статуя использовалась в качестве погребальной урны в античную эпоху.

А.Л. Монгайт
«Археология Западной Европы. Бронзовый и железный века»

«На основании письменных источников и изображений на многочисленных расписных сосудах мы можем представить себе внешний вид и образ жизни иберов. Они были темноволосыми. На иберских монетах изображены головы с вьющимися, курчавыми волосами. Их одежда (под влиянием греческой и финикийской моды) состояла из туники, стянутой в талии поясом, широкого плаща, сандалий из кожи или тростника. Всадники и воины носили высокие кожаные сапоги.
Ткани для одежды часто бывают вышиты или украшены аппликациями.
Склонность к украшениям у иберских женщин была очень сильна. Предпочтение отдавали вычурным, «барочным» формам.
Женщины носили сложные высокие прически и головные уборы в виде тюрбана, конической тиары, диадемы, плетеной ленты и т. п. Особенно сложная и богатая диадема изображена на знаменитой «Даме из Эльче»: огромные боковые диски диадемы, в которые, очевидно, были убраны косы, изготовлены из металла и орнаментированы.
Серьги большие и круглые, дисковидные, длинные — в виде падающей слезы, как правило, орнаментированы. Браслеты и наручи самых простых форм. Иберы, подобно кельтам, носили торквесы, обычно сделанные из свернутой проволоки. Очень разнообразны ожерелья — это разноцветные ленты с круглыми подвесками, наборы ребристых полихромных бус из стеклянной пасты и шаровидных металлических бус и т. п. Разнообразны и украшения поясных пряжек и фибул. Наиболее распространены так называемые испанские кольцевидные фибулы. Они состоят из кольца, стержня и иглы. Большинство экземпляров представлено простейшей формой. Однако в ряде случаев она обогащена множеством дополнительных деталей и серебряной инкрустацией. В кельто-иберских областях встречаются фибулы, украшенные изображениями лошадок.

Искусство иберов развивалось, несомненно, под влиянием искусства Греции и Востока, однако его местные основы очень сильны, и можно говорить о его самостоятельном возникновении в V в. до н. э.
Попытки создать периодизацию, основываясь на чисто искусствоведческом анализе, были неудачны, так как иберское искусство сохраняет на долгое время архаические черты (фронтальность, жесткость) и схематизм изображений.

Гарсиа Беллидо предложил следующую периодизацию:
I — период — греческий провинциальный (V—III вв. до н. э. )
II — полностью развитой местный стиль (конец III—I в. до н. э. )
III — римский провинциальный (I в. до н. э. — IV в. н. э. )

Археологические открытия последних лет и дальнейшее изучение иберского искусства показали, что эта хронологическая схема очень спорна. Кроме того, все более ясным становится, что иберское искусство не было единым, в разных областях сохранялись существенные различия в соотношении местных и заимствованных черт.

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ В ЛУВРЕ. ТРИУМФАЛЬНАЯ ВЫСТАВКА. На экспозиции побывала искусствовед ЕЛЕНА САДЫКОВА. Эксклюзивный репортаж на АРТ-РЕЛИЗ.РФ

Леонардо да Винчи выставка в Лувре фото 8. АРТ-Релиз.РФ

Пятисотлетие со дня смерти Леонардо да Винчи в 2019 году стало поводом для проведения выставок, посвященных творчеству этого гения эпохи Ренессанса, С триумфом завершает свою работу выставка «Леонардо да Винчи» в Лувре, приуроченная к юбилейной дате (24 октября 2019 – 24 февраля 2020). Благодаря сенсационному успеху выставки, билеты на которую задолго до конца работы разлетелись как горячие пирожки, дирекция Лувра пошла на беспрецедентный шаг. В последние три дня выставка будет работать и днем, и ночью. Однако на ночные сеансы, так называемые «nocturne» бесплатные билеты также следует приобретать заранее. Всего для акции «Late Night Leonardo» выделено 30 000 билетов.
Выставка Леонардо в Лувре стала настоящим блокбастером в современном арт-пространстве благодаря громкому имени титана эпохи Высокого Возрождения, человека второго тысячелетия, согласно организации по культуре ЮНЕСКО, и уникальной выставочной концепции, органично сочетающей подлинные произведения Леонардо и мастеров его круга, а также и материалы научных исследований его творчества.
Как известно, творческое наследие Леонардо да Винчи хранится в различных музейных собраниях, многие из которых инициировали собственные выставочные проекты, приуроченные к громкой дате, и в связи с этим не предоставили свои экспонаты для парижской выставки. Однако это не помешало музейной команде Лувра представить творческий путь итальянского гения во всей его полноте. Ряд ключевых работ представлен в виде снимков в инфракрасных лучах и других материалов технико-технологических исследований, а эпохальная «Тайная вечеря» из Милана в виде копии, исполненной в 1506-1509 годах художником Марко д`Ожжионо.

Фото Елена Садыкова ...Арт-Релиз.РФ

Кураторы выставки Винсен Дельеваy и Луи Франк создали инновационную концепцию, согласно которой творческое наследие Леонардо да Винчи рассматривается в виде четырех тематических разделов. 1. Свет, тень, рельеф (Light, Shade, Relief) 2. Cвобода (Freedom). 3. Наука (Science). 4. Жизнь (Life). Каждый из разделов состоит из нескольких залов, где представлены оригиналы ключевых произведений Леонардо, их фотоснимки в инфракрасных лучах, сопроводительная информация и произведения мастеров круга Леонардо. Благодаря такому научному подходу достигается эффект погружения в среду Леонардо, а путь его творческих поисков становится ясным для прочтения.
В первом разделе «Свет, тень, рельеф» освещен период ученичества Леонардо в боттэге Андреа Вероккио. Здесь внимание привлекает скульптурная группа из Флоренции «Христос и святой Фома или Неверие святого Фомы» Вероккио. Знаменитые картины «Крещение» Вероккио, где Леонардо написал одного из ангелов, и «Благовещение» кисти Леонардо из собрания галереи Уффици во Флоренции представлены в виде снимков в инфракрасных лучах, в то время как сами оригиналы во время череды юбилейных торжеств и выставок остались в постоянной экспозиции Уффици.
Во втором разделе «Свобода» можно увидеть оригинал шедевра раннего периода творчества Леонардо да Винчи «Мадонну Бенуа» (1480-1482) из собрания Государственного Эрмитажа в Санкт-Петербурге.
«Мадонна Бенуа» экспонируется на отдельном пилоне и занимает одно из ключевых мест в этом разделе, включающем инфракрасные снимки этой картины, эскизы и другие образы Мадонн этого периода.
Внимание привлекает снимок в инфракрасных лучах «Поклонения волхвов». В этом же разделе в соседнем зале экспонируется портрет неизвестной дамы миланского двора «Прекрасная Ферроньера» из собрания Лувра, ставший абсолютным открытием и хитом этого выставочного проекта. Именно эта картина, а не прославленная «Джоконда», блистает на афишах, постерах, каталогах выставки, рекламной продукции. Поясной портрет в трехчетвертном повороте на нейтральном фоне представил новаторскую для своего времени композицию, по сравнению с профильными портретами, которые писались повсеместно. Внутренний образ дамы и ее внешний облик отличаются изысканностью и благородностью. Здесь же можно видеть менее известный для широкой публики погрудный «Портрет музыканта» (1483-1490, Пинакотека Амброзиана, Милан) кисти Леонардо.
Отдельная стена зала выделена для «Мадонны в гроте» (1483-1492) из собрания Лувра, представляющей собой одну из двух версий этого сюжета, написанного Леонардо да Винчи.
Третий раздел выставки под названием «Наука» представил научные изыскания и наблюдения Леонардо в виде листов из его кодексов, набросков и чертежей в стеклянных витринах.
Четвертый и наиболее обширный раздел выставки «Жизнь» представил как известные, так и недавно введенные в контекст его творческого наследия произведения, а именно «Спасителя мира».
Однако если на аукционных торгах эта религиозная работа была представлена как оригинал Леонардо, то на данной выставке нашумевший «Salvator Mundi» (частное собрание, бывшая коллекция Маркиза де Ганэ, 1505-1515) представлен как произведение мастерской Леонардо, а не его самого.
Знаменитая «Лиза дель Джокондо», известная как «Мона Лиза» или «Джоконда» (около 1503-1519) из собрания Лувра, являющаяся одной из жемчужин его коллекции, неизменно привлекающей толпы посетителей, осталась в постоянной экспозиции. Очевидно, что организаторы выставки решили не лишать туристов и посетителей Лувра возможности видеть этот шедевр на целых четыре месяца работы выставки, вход на которую осуществляется по отдельному билету и к тому же сопряжен со значительным сложностями, связанными с предварительной продажей билетов и отсутствием билетов в свободной продаже в день посещения, даже для льготных категорий. Зато на выставке можно изучить снимки «Мона Лизы» в инфракрасных лучах. Известно, что Леонардо да Винчи был неразлучен с этой картиной и писал ее до последних дней жизни.
К числу ключевых работ в этом последнем разделе выставки можно отнести «Леду» (около 1505-1510, Галерея Уффици, Флоренция) мастерской Леонардо, представленную в окружении античных скульптур, иллюстрирующих иконографию представления центрального персонажа. Заглавным произведением является «Святая Анна, Дева Мария и Младенец Христос, играющий с Агнцем», известная как «Святая Анна» (ок. 1503-1519) из собрания Лувра.
Здесь же можно видеть и знаменитый профильный портрет Леонардо да Винчи сангиной, приписываемый Франческо Мэлци, из собрания Библиотеки Амброзиана в Милане.
Представлено много подготовительных набросков и этюдов, в том числе и для «Спасителя Мира», что убедительно открывает творческий метод художника.
Действительно, авторам выставки удалось воплотить заявленную концепцию и представить Леонардо да Винчи как мыслителя, ученого, живописца, полностью увлеченного процессом создания картин. Широкие горизонты итальянского гения, глубина мысли, множество открытий, которые он сделал для развития ренессансного метода оказались восприняты множеством учеников и последователей и до сих пор звучат актуально и свежо, несмотря на полтысячелетия, отделяющих нас от его жизненного пути.
Начало шестнадцатого столетия в Риме было ознаменовано грандиозными работами в Ватикане, куда были привлечены лучшие художники эпохи. Однако папа Лев Х видел лишь Микеланджело и Рафаэля, а Леонардо в прямом и переносном смысле пришелся не ко двору. Приняв предложение Франциска Первого о переезде во Францию осенью 1516 года, Леонардо да Винчи действительно обрел там второй дом и смог достойно провести последние годы своей жизни. Арагонский кардинал Людовик 10 октября 1517 года проездом был в Амбуазе и встречался с Леонардо в его замке Клу, о чем говорится в записях кардинала, представленных на выставке. Там Леонардо показал ему три картины, над которыми работал: «Святую Анну», «Портрет Лизы дель Джокондо» и «Святого Иоанна Крестителя».
Леонардо да Винчи является автором лишь нескольких картин, число которых достигает пятнадцати. Эта немногочисленность – плод осознанного выбора мастера, который был полностью поглощен процессом создания живописного образа, разработкой технических новшеств, в том числе знаменитой техники сфумато.
Трепетное отношение, которое проявляют французы к наследию Леонардо да Винчи и его творческому гению, несомненно транслируется из той далекой эпохи, когда Леонардо оказался окружен максимальным почетом и уважением со стороны французского монарха и смог продолжить в Амбуазе свои живописны и научные опыты.

Особо следует отметить, что выставка «Леонардо да Винчи» в Лувре сопровождается обширной образовательной и экскурсионной программой, рассчитанной как на взрослую, так и на детскую аудиторию. Выставка играет огромную популяризаторскую роль искусства эпохи Возрождения, рассчитана не только на специалистов, хотя представляет широкий пласт научных изысканий и исследований, но и на самые широкие круги публики. Очевидно, что язык искусства Леонардо да Винчи не знает границ и понятен представителям разных наций и поколений, вне зависимости от их культурного бэкгрануда и религиозной принадлежности.
Наряду с традиционными научными каталогами, к выставке выпущены небольшие каталоги в виде книжечек на английском и французском языках, в которых содержится полный перечень экспонатов и их краткое описание.
Выставка «Леонардо да Винчи» в Лувре, несомненно, сказала новое слово в экспонировании произведений искусства в качестве зрелого проекта с идейной концепцией, последовательно воплощенной в экспозиционных залах.

Елена Садыкова
Кандидат искусствоведения
Эксперт Министерства культуры России
Член ИКОМ России

Фото Елена Садыкова.Арт-Релиз.РФ

Фото Елена Садыкова .....Арт-Релиз.РФ

Леонардо да Винчи выставка в Лувре фото 11. Арт-Релиз.РФ

Леонардо да Винчи выставка в Лувре фото 2. Арта-Релиз.РФ

Леонардо да Винчи выставка в Лувре фото 3. Арта-Релиз.РФ

Леонардо да Винчи выставка в Лувре фото 7. АРТ-релиз.РФ

ЮРИЙ ПЕТКЕВИЧ, АЛЕКСАНДР ТРИФОНОВ, Галерейный центр АРТЕФАКТ, Галерея РУССКОЕ ИСКУССТВО представляют выставку НЕРЕАЛЬНОЕ РЕАЛЬНОЕ. С 19 февраля до 9 марта 2020 года. Адрес: МОСКВА, улица ПРЕЧИСТЕНКА, дом 30/2

Александр Трифонов, Юрий Петкевич Галерея АРТЕФАКТ, Галерея РУССКОЕ ИСКУССТВО, АРТ-Релиз.РФ
В самом названии проекта отражена основополагающая идея выставки двух художников Александра Трифонова и Юрия Петкевича работы которых диаметрально противоположных по стилю и жанру. Очевидны различия, но хочется говорить о том, что объединяет этих авторов и мы приглашаем к диалогу.
Итак, в картинах есть жизнь героев, они существуют в созданных авторами мирах, где нарушаются физические законы трехмерного пространства, где линия и цвет являются основными формообразующими. Этот мир пластичен и музыкален, с позиции нашей действительности он не реален, так как не каноничен, но становится реальным, поскольку авторская воля, как воля демиурга, способна создать новые действенные законы архитектоники.
Мы видим неакадемическое построения пространства и изображение работы светотени, как включаются законы обратной перспективы, в картинах преобладает условность и символичность. Художником убирается все лишнее и нереальное пространство становятся крайне убедительным. На первый план выходит суть наши земных переживаний, мы задумываемся о смысле жизни, о жизни «Там и Здесь» в работах Александра Трифонова и о жизни «Горней и Дольней» в картинах Юрия Петкевича.

Юрий Кувалдин, писатель, критик:

«Для художника нужна узнаваемость, он должен быть личностью. В метафизическом пространстве все места заняты. Соревнуются художники не со своими современниками, хотя и их нельзя сбрасывать со счетов, но с великими умершими, с такими как Босх, Малевич, Кандинский, Шагал… Туда не нужен ни паспорт, ни гонорар, ни членский билет Союза художников. Туда нужно переложить свою душу на холст. Может, мир и реален, но воплощенный художником, он становится ирреальным, где нет пространства и времени, как у Бога. Хотя художник и есть Бог».

Галерейный центр «Артефакт»
Москва, ул. Пречистенка, 30/2
+7 495 609 93 93
Режим работы: 12:00 — 20:00

Художник  Александр Трифонов

Художник
Александр Трифонов

Художник  Юрий Петкевич

Художник
Юрий Петкевич

MAHNAZ JABRI | МАХНАЗ ЖАБРИ. Иранское искусство и его традиции от старинной каллиграфии до наших дней. О выставке в ТВОРЧЕСКОЙ МАСТЕРСКОЙ РЯБИЧЕВЫХ эксперт МИНИСТЕРСТВА КУЛЬТУРЫ РОССИИ искусствовед ЕЛЕНА САДЫКОВА

Елена Садыкова  Кандидат искусствоведения  Эксперт Министерства культуры России Член ИКОМ России

Елена Садыкова
Кандидат искусствоведения
Эксперт Министерства культуры России
Член ИКОМ России

Современное искусство Ирана
Кураторский проект Махназ Жабри
и Творческой мастерской Рябичевых

Искусство Ирана и России отличает особая грань взаимодействия, тонкость восприятия художественной традиции. Иранское искусство обладает особой магией для России, начиная с девятнадцатого столетия, когда две страны имеют дипломатические отношения, а деятели культуры находятся во взаимодействии. До 1935 года Иран назывался Персией. Именно в Персии послом был выдающийся русский писатель и дипломат, автор знаменитой пьесы «Горе от ума» (1824), разлетевшейся на крылатые фразы, Александр Сергеевич Грибоедов. Персидская культура, представляла собой мировую сокровищницу литературы и изобразительного искусства еще с эпохи Древнего Востока, на протяжении тысячелетий, манила как магнит русских писателей и художников, философов и мыслителей. Особая утонченность и рафинированность художественных форм, яркость художественного мышления, глубокая мудрость, заложенная в различных проявлениях иранской культуры, представляла собой источник вдохновения для творческих деятелей.
Именно персидским колоритом навеяны строки проникновенного стихотворения Сергея Есенина «Шаганэ ты моя, Шаганэ» (1924), широко известного в России как пример любовной лирики.
Касательно изобразительной традиции Ирана и России, следует отметить, что начиная с девятнадцатого столетия имеются устойчивые связи взаимодействия этих двух культурных эпицентров, во многом благодаря региону Кавказа, часть государственных образований которого находилась под политическим покровительством Российской империи.

Особое значение наряду с искусством каллиграфии имела персидская книжная миниатюра и ее мастерские в Тебризе, Ширазе. Широко известным и признанным в России стало эпическое произведение «Шахнаме». В девятнадцатом столетии наряду с миниатюрой в персидском искусстве важное значение приобретает живопись маслом, написанная в европейской традиции. Эта живопись существенным образом воздействовала на изобразительную традицию в Армении, Азербайджане, Грузии. В России же было известно и декоративно-прикладное искусство Персии, лаковая живопись, предшествующая народным промыслам в Федоскино, Мстере и Палеха. Образцы традиционной персидской миниатюры и живописи можно увидеть в постоянной экспозиции Государственного музея Востока на Никитском бульваре.
В эпоху СССР иранский регион оставался в сфере устойчивого внимания советских ученых и деятелей искусства. Именно в СССР в 1935 году состоялся Третий международный конгресс по иранскому искусству и археологии вслед за Филадельфией и Лондоном.

В советский период всплеск культурных связей между двумя государствами был ознаменован образованием нового государства – Исламской республики Иран в 1979 году.
Благодаря такому тесному многовековому сотрудничеству, когда культурные традиции и достижения персидского искусства были широко известны в России, сложно переоценить значение культурных связей России и Ирана в наши дни. Российское искусство и наука представляет благодатную почву для взаимодействия с иранской культурой. Так, в 2015 году во всемирно известном музее Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге состоялась выставка «День отрадных встреч с друзьями вспоминай», приуроченная к 80-летию Иранского конгресса в Эрмитаже. Выставка была приурочена к VIII Европейской
Конференции по иранистике. В 2015 году в Российской государственной библиотеке состоялась выставка искусства и каллиграфии Ирана. В 2019 году в Институте стран Азии и Африки был представлен бюст известного иранского писателя Абу Абдуллага Рудаки, дар Посольства Исламской Республики Иран.
Выставка современного иранского искусство под кураторством Махназ Жабри в Творческой мастерской Рябичевых представила достойный проект, свидетельствующий об устойчивом взаимодействии Ирана и России в культурном плане. Российский зритель знаком с иранской культурой, начиная с эпохи Сасанидов, школами миниатюры в Ширазе и Тебризе, благодаря музейным коллекциям и выставочным проектам. Иранское искусство воспринято жителями России благодаря биографии выдающегося писателя Александра Грибоедова и поэзии Сергея Есенина.

Махназ Жабри представила тот пласт иранского искусства, который мало известен в России, что может служить залогом устойчивого интереса к этому проекту, состоявшемуся под патронатом Иранской Академии графики и Академии народного искусства. Графический дизайн – область современного искусства. Однако на выставке мы видим, что авторы представленных произведений прекрасно ориентируются как в современных художественных формах, так и богатых изобразительных традициях персидского искусства. В результате рождаются яркие произведения, сочетающие традиции и современность. В этом проекте можно увидеть различные техники, в том числе и заложенные авангардом, коллажи, цифровую печать, плакаты, фотографии. Богатство сюжетов открывает широту художественных горизонтов. Особого внимания заслуживают станковые произведения самой Махназ Жабри, являющейся как куратором, так и художником. В этих ярких притягательных в цветовой плане картинах, написанных на бархате имеются элементы каллиграфии, абстракции, экспрессионизма. Картины обладают богатой семантикой и выразительностью художественного образа. Несомненно, что подобный проект может представлять особый интерес для российского зрителя, принимать участие в различных ярмарках и фестивалях современного искусства и функционировать в качестве независимого выставочного проекта.

Особо необходимо отметить, что выставочный проект Махназ Жабри вслед за Санкт-Петербургом, впервые в Москве представлен в уникальном художественном пространстве и институции – «Творческой мастерской Рябичевых — Скульптурной мастерской Александра Рябичева». Александр Рябичев – современный российский скульптор, признанный на международном уровне, особым почетом его произведения пользуются в Индии, где он неоднократно работал в творческих поездках, а также в Германии, где установлена его знаменитая скульптура «Баварские дети». Скульптуры Александра Рябичева пользуются заслуженным почетом и уважением не только за рубежом, но и среди российских коллег, специалистов и широких кругов публики. Тот дух широты мышления, открытости международным проектам присущ и выставочным проектам, которые регулярно проходят в «Творческой мастерской Рябичевых», хорошо известной в Москве как выставочная институция для групповых и индивидуальных проектов современного искусства, преимущественно живописи и графики. Здесь уже состоялись персональные выставки художников из Франции (Жан-Луи Бодонне), Испании (Фернандо Химена Перес), Кубы (Омар Годинес), Германии (Пит Килкенни), Румынии (Тудор Шербанеску), Беларуси (Юрий Петкевич), Башкортостана (Ансар Галин), персональные выставки Тамары Аксировой (из династии художников Аксировых), известной московской художницы Татьяны Кузьминой-Чугуновой, Маргариты Юрковой, автора международного проекта «Осознание сотворчества» и других художников, выставка творчества знаменитого во всем мире скульптора Александра Кибальникова, групповые проекты по итогам международных пленэров и на актуальные темы в искусстве. Регулярно мастерская Рябичевых представляет произведения в Посольстве Индии и других уважаемых институциях.

И вот новый виток выставочных проектов «Творческой мастерской Рябичевых», служащий логическим шагом в развитии международных проектов, связанных с востоком. Искусство современного графического дизайна Ирана современных художников, собранных куратором Махназ Жабри, в этих стенах привлекло изысканную публику. На вернисаже звучала Иранская музыка, выступали члены Российской Академии художеств, в частности – Омар Годинес Ласо. Наряду с академиками выступили художники, искусствоведы. Неподдельный интерес выставка вызвала не только у старшего поколения, маститых деятелей искусства, но и у молодежи – скульпторов, художников, искусствоведов, студентов и выпускников МГАХИ им. Сурикова и других художественных вузов, фотографов, коллекционеров современного искусства и любителей арт-проектов. Волна искреннего интереса и признания, которую вызвал выставочный проект Махназ Жабри в «Творческой мастерской Рябичевых», позволяет надеяться на то что произведения иранских мастеров искусства, будут регулярно приезжать в Россию, а выставка со временем превратится в фестиваль искусства.

Елена Садыкова
Кандидат искусствоведения
Эксперт Министерства культуры России
Член ИКОМ России

АБСТРАКЦИЯ И ИМПРОВИЗАЦИЯ. THEREMIN SOLO. Перфоманс ПЕТРА ТЕРМЕНА на выставке СЕРГЕЯ БОРДАЧЕВА в Галерее НА КАШИРКЕ. 8 февраля 2020 года в 18 часов. Адрес: МОСКВА, улица АКАДЕМИКА МИЛЛИОНЩИКОВА, дом 35/5

Петр Термен Перфоманс на выставке Сергея Бордачева в Галерее "На Каширке" 8 февраля 2020 г.  в 18 часов

Петр Термен
Перфоманс на выставке Сергея Бордачева
в Галерее «На Каширке»
8 февраля 2020 г.
в 18 часов

Выставка  Сергея Бордачева  «Формы в пространстве» продлится до 8 марта 2020 года Куратор:  искусствовед Елена Рюмина

Выставка
Сергея Бордачева
«Формы в пространстве»
продлится до 8 марта 2020 года
Куратор:
искусствовед Елена Рюмина

8 февраля в 18:00 состоится перфоманс Петра Термена «»Абстракция и импровизация. Theremin Solo» в Галерее «На Каширке» / ArtGallery NaKashirke. Мероприятие пройдет на выставке Сергея Бордачева, художника-авангардиста, участника легендарной «бульдозерной» выставки 1974 года.

Перформанс Петра Термена, главную основу которого составляет голос терменвокса, в режиме реального времени превращается в многослойное полифоническое полотно, объединяющее этнические мотивы, свободный электрический голос терменвокса и электронно-индустриальные звучания. Из-за бесконтактности звукоизвлечения на терменвоксе большинство звуков сотканы буквально движениями рук в воздухе. Такое соединение свободной импровизации и внесюжетности музыки, создаваемой с помощью терменвокса, идеально совпадает с принципами работы художника Сергея Бордачева, на выставке которого будет представлен данный концерт-перфоманс.

Посетители мероприятия вживую «услышат» звуки цветовых сочетаний и композиций, экспонируемых на выставке «Формы в пространстве». Петр Термен будет в жанре импровизации звуком иллюстрировать живописные произведения и ассамбляжи Сергея Бордачева. Этим концерт-перфоманс следует теории Василия Кандинского, представителя «Первой волны» русского авангарда, наследником которой является Сергей Бордачев.
Куратор выставки : Елена Рюмина

«Абстракция и импровизация. Theremin Solo
Вход по билету на выставку: 100 р.

Адрес: Москва, улица Академика Миллионщикова, дом 35/5
Метро
Каширская, Коломенская, Нахимовский проспект
Контакты:
+7 499 612-11-61, +7 499 612-66-60
Сайт
www.nakashirke.com
Время работы
вт-вс 11:00–20:00

ВОВВА МОРОЗОВ. ОСТАНОВЛЕННОЕ ВРЕМЯ. Выставка памяти ВЛАДИМИРА СЕМЕНОВИЧА МОРОЗОВА продолжается в БИБЛИОТЕКЕ №209 имени А.Н ТОЛСТОГО. Адрес: МОСКВА, КУТУЗОВСКИЙ проспект, дом 24

Вовва Морозов выставка в библ. Толстого .  ..АРТ-Релиз.РФ

Персональная выставка «Вовва Морозов. Остановленное время» – дань памяти Владимиру Семеновичу Морозову (1955-2001) продолжается в библиотеке №209 имени А.Н. Толстого, на Кутузовском проспекте, 24. В экспозиции представлены 22 живописных полотна от «Воспоминания о будущем» (1991) до его последней неоконченной работы.
Его называют московским авангардистом, то, что он создал в искусстве, удивляет даже современников, а для своего времени его работы считались особенно выдающимися. Картины Воввы Морозова пользовались успехом у российских и зарубежных коллекционеров, их приобретали музеи США и Японии, испанская галерея Pablo Ruiz, и картинная галерея г. Тарусы, частные коллекционеры и корпоративные художественные собрания.

Он учился в Духовной Семинарии Загорска (сейчас Сергиев Посад), и в этом, возможно, следует искать корни глубокой философии и духовности его работ, а одна из лучших высших художественных школ — знаменитая Строгановка определила его высокий профессионализм.
Вовва Морозов участвовал в легендарных выставках, одна из которых известная всем на Малой Грузинской, 28.

В 2001 году Вовва Морозов погиб в автокатастрофе.

Мария Туманова, поэт, художник, муза Воввы Морозова

Картины Морозова напоминают художественную и одновременно смысловую мозаику символов жизни, ее непреходящих и таких простых ценностей.

Художник  Вовва Морозов Портрет Марии Тумановой

Художник
Вовва Морозов
Портрет Марии Тумановой

Художник, поэт Мария Туманова с дочерью Любой (художник Liubov Nova) совместно с сотрудниками Библиотеки №209 имени А.Н.Толстого организовали эту выставку памяти художника. И вернисаж ее стал не просто культурным событием, но теплой встречей друзей, для многих из которых работы талантливого мастера стали открытием.

Выставка Вовва Морозов   .. Арт-Релиз.РФ

Мария Туманова (справа) и Любовь Новикова  соорганизаторы выставки

Мария Туманова (справа)
и Любовь Новикова
соорганизаторы выставки

Сергей Погорелый, дизайнер, фото-художник:

Мне работы почему то знакомы оказались, хотя я думал, что не видел их раньше, когда шел на открытие, но вполне вероятно, что когда-то однажды взглянув, я их помню, спустя годы, и это мое первое впечатление о выставке — узнаваемый художник, с сильной индивидуальностью. Первое, что хочется сказать об их авторе — это работы большого мастера, настоящего художника, с хорошим фундаментальным образованием.

Сергей Погорелый на выставке Вовва Морозов.. Арт-Релиз.РФ

Вовва Морозов выставка в Библиотеке Толстого....Арт-Релиз.РФ

София Загряжская, искусствовед:

В работах Воввы Морозова сильно ощущается присутствие автора, его отношение к происходящему на полотне. Когда я вижу натюрморт на его картине, я представляю, как на эти фрукты смотрит сам художник, его внимательный проникновенный взгляд, и невольно начинаешь смотреть на картину его взглядом, хочется понять его размышления, его философию, его настроение. И это настроение в картине ощущаешь еще больше через этот художественный опыт.

Вовва Морозов выставка в Библиотеке Толстого........Арт-Релиз.РФ

Павел Товкач, фотограф:

Я, перепутав время, пришел на выставку, когда открытие уже прошло, и гости ушли после вернисажа, это, конечно, и грустно, потому что я пропустил торжественное открытие, но и имело свои преимущества — я был один в зале, с работами художника, и это меня впечатлило. Зная его историю, его трудный путь, его трагическую судьбу, его стремление к поискам новых творческих открытий, я погрузился в мир его картин, от которых меня ничего не отвлекало в сложившейся обстановке. В зале уже погасили свет, и сотрудники библиотеки специально для меня одного зрителя его снова включили и деликатно позволили мне посмотреть все внимательно, хотя библиотека уже закрывалась. Это была особенная атмосфера, напоминающая знаменательную встречу, душевный разговор, в воздухе ощущалось, что происходит что-то очень важное, и это тронуло до глубины души.

Вовва Морозов выставка в библ. Толстого .   .Арт-Релиз.РФ

Вовва Морозов выставка в Библиотеке Толстого АРт-Релиз.РФ

Мария Туманова с гостями вернисажа

Мария Туманова
с гостями вернисажа

Вовва Морозов выставка в Библиотеке Толстого.......Арт-Релиз.РФ

ГИ БУРДЕН. Выставка СЛЕДУЙ ЗА МНОЙ. С 28 февраля до 17 мая 2020 в ЦЕНТРЕ ФОТОГРАФИИ имени БРАТЬЕВ ЛЮМЬЕР. Адрес: МОСКВА, БОЛОТНАЯ набережная, дом 3 строение 1

Ги Бурден Арт-Релиз.РФ

Центр фотографии имени братьев Люмьер представляет ретроспективную выставку одного из самых влиятельных фотографов второй половины 20 века, французского художника, новатора и революционера fashion-фотографии Ги Бурдена.
На выставке будет представлено более 50 самых узнаваемых работ автора разных лет, начиная с 1950-х и до середины 1980-х. На протяжении сорока лет Ги Бурден удивлял и шокировал читателей глянцевых журналов провокационными образами, раздвигая рамки коммерческой фотографии и меняя представления зрителя о фотографии моды.

Начав свой творческий путь с живописи, Бурден обучился фотографии во время службы в армии в конце 1940-х. В начале 1950-х он стал протеже одного из самых значимых фотографов 20 века Ман Рэя.

Ги Бурден известен прежде всего своими яркими цветными кадрами с необычными, сюрреалистическими, порой шокирующими композициями и парадоксальными сюжетами. Уже в ранних черно-белых работах, которые также будут представлены в экспозиции, можно увидеть, как зарождались те или иные приемы, которые будут развиты в более поздних работах, выполненных в цвете. Будучи бескомпромиссным фотографом, Ги Бурден всегда отстаивал свою авторскую свободу и никогда не подчинялся правилам модной фотографии и диктату редакторов. Бурден был одним из первых авторов, работающих в коммерческой фотографии, кто отказался от прямой презентации продукта в пользу художественного образа. Он черпал вдохновение в литературе, кино и истории искусства, вдохновляясь работами сюрреалистов Ман Рэя и Рене Магритта, фотографиями Эдварда Уэстона, киноработами Луиса Бунюэля и Альфреда Хичкока.

Ги Бурден снимал для Chanel, Chloé, Issey Miyake, Emanuel Ungaro, Gianni Versace, Pentax, Bloomingdale’s и многих других брендов. На протяжении 14 лет он создавал рекламные кампании для модного дома Шарль Журдан.

Сегодня работы ученика Ман Рея, автора, повлиявшего на несколько поколений фотографов, хранятся в коллекциях крупнейших музеев мира, таких, как Tate Modern, Музей Виктории и Альберта (V&A), Национальная портретная галерея (Лондон), Музей современного искусства (MoMA), Международный центр фотографии (ICP) (Нью-Йорк), Музей Гетти (Лос-Анджелес), Музей современного искусства Сан-Франциско (SFMOMA).
Первая персональная выставка Ги Бурдена прошла в Музее Виктории и Альберта (V&A) в 2003 году. Выставки также проходили в музее FOAM (Амстердам, 2004), Национальной галерее Jeu de Paume (Париж, 2004), Токийском музее фотографии (2006), музее Somerset House (Лондон, 2014), музее Fotografiska (Стокгольм, 2015) и Helmut Newton Foundation (Берлин, 2017) и многих других.

Ги Бурден . Арт-Релиз.РФ

Ги Бурден       . Арт-Релиз.РФ

Ги Бурден    . Арт-Релиз.РФ

Ги БУрден                   . Арт-Релиз.РФ

BIRDS. Самый высокий ресторан и клуб в мире. На высоте птичьего полета в МОСКВА-СИТИ, башня ОКО, 84 этаж

Ресторан Birds фото 6 jpg фото Birds

Об этом говорили давно, но теперь событие стало общепризнанным в мире фактом. 28 января 2020 года в 16 часов Книгой рекордов России официально зафиксирован рекорд Birds в категории «самый высокий ресторан и клуб Европы». Это обязательный первый этап для регистрации мирового рекорда Книгой рекордов Гиннеса. Таким образом, в Москве появилась еще одна достопримечательность, которая несомненно привлечет внутренних и внешних туристов.

Клуб и ресторан Birds встал в один ряд с такими мировыми достопримечательностями как 1-ALTITUDE в Сингапуре на высоте 282 метров в Raffles Place, Urban Delight в Сеуле на 81 уровне Lotte World Tower, нью-йоркский Le Bain на крыше Standart Hotel. Все эти места знамениты лучшим панорамным видом на город, благодаря которому они стали точками притяжения для туристов со всего света. И теперь в этой достойной компании московский Birds, расположенный на 84-м этаже башни ОКО в Москва-Сити, – официально самый высокий ресторан и клуб в Европе, обладающий уникальной концепцией – высокая гастрономия и яркое театрализованное шоу, в буквальном смысле, хлеб и зрелища под одной крышей.

Ресторан и клуб Birds — проект команды 354 Exclusive Height во главе с Алексеем Васильчуком, Ильи Мелешкина и Дмитрия Ежикова – открылся в ноябре 2019 года. Масштабный замысел с многомиллионными инвестициями объединил разные жанры – от театральных зарисовок актеров ведущих театров Москвы до гастрономических спектаклей. Сегодня это мультиформатный арт-объект, который работает с 18.00 как вечерний ресторан авторской кухни (шеф-повар Александр Райлян – Лучший молодой повар России-2018), а с 22.00 ежедневно демонстрирует своим гостям шоу, поставленное по современным мировым стандартам.

Адрес: 1-ый Красногвардейский пр-д, 21 стр. 2.
Москва-Сити, башня ОКО 84 этаж. +7 (495) 7777-111. Birds.city
Официальный сайт:
www.birds.city

Ресторан Birds фото 5 jpg фото Birds

Мы создали новый удивительный мир на высоте птичьего полета, фантазию на грани реальности.

Алексей Васильчук
Совладелец

Ресторан Birds фото 2 фото Birds

Birds — это масштабный проект с многомиллионными инвестициями, объединяющий разные жанры — от театральных зарисовок актеров ведущих театров Москвы до гастрономических спектаклей – чтобы создать принципиально новый формат отдыха. Праздник каждый день, которому не нужен особый повод и строгое расписание. Праздник, который можно позволить себе в любое время и который окружает с первого шага через порог, не заставляя дожидаться начала программы.

Не важно, какой сейчас день недели. С вас повод — с нас праздник.

Илья Мелешкин
Партнёр

Ресторан Birds фото Birds
Birds — самый высокий ресторан и клуб в мире Birds — единственный в своем роде мультиформатный арт-объект, где гастрономия сливается с театром, а шоу превращается в искусство.

Под крылом Birds многое для его гостей случится впервые.

Дмитрий Ёжиков
Партнёр

Ресторан Birds фото 7 jpg фото Birds